Los premios Grammy de este año se ponen cada vez mejor. Estos últimos días se ha venido hablando mucho de la colaboración que harán los rockeros Foo Fighters con una personalidad de la electrónica dance como Deadmau5, en la que sin duda será una de las actuaciones memorables de la gala. Sin embargo, la que puede ser la que se lleve la palma es la aparición de The Beach Boys, que acaban de confirmar su participación en la gala.

Los surferos están de vuelta, ya que justo después de lanzar Smile, uno de los discos perdidos (y ahora recuperados) más famosos de la historia, confirmaron también el lanzamiento de un nuevo trabajo y de una nueva gira.

Y por si fuera poco o nos estamos pensando si ver la gala o no, Foster The People y Maroon 5 también participarán, y lo harán junto con The Beach Boys. Siguen las colaboraciones en directo, y parece ser que los Grammy de este año serán más rockeros que nunca. ¿Con que nos sorprenderán estas tres bandas?

Jack White, a quien considero uno de los mejores músicos contemporáneos que continúan haciendo música ya anunció que lanzará su primer trabajo como solista y, nosotros, ya nos ocupamos de contarles todo lo relacionado a su lanzamiento. De hecho hace un tiempo se pudo escuchar “Love Interruption”, que fue el primer tema que dio a conocer oficialmente a través de su sitio web.

Imaginen que, al considerarlo uno de los mejores guitarristas y músicos de la actualidad, la espera de su primer trabajo solista, donde nadie le dirá qué hacer y sin compañeros de banda opinando sobre sonidos o acordes, todo lo que escucharemos habrá salido de su cabeza con un poco de toqueteos del/los productores que elija. En esta oportunidad el artista permitió escuchar otra canción que se llama “Machine Gun Silhouette” y se trata de una canción que tiene un poco de todo. Antes que nada escuchamos a esa guitarra que casi tiene el mismo tono de la voz que White. Que habla, canta y siente como él y, al instante, entra con su característico tono. Un track muy folk del sur de Estados Unidos en los que, además de la guitarra, los protagonistas son el violín y el piano.

El disco, que llevará el nombre de Blunderbuss, saldrá a la venta el 23 de abril aunque probablemente sufra una filtración un tiempo antes. Todo lo hará en el Third Man Studio en Nashville.

El artista no se guarda nada y cuenta todo lo relacionado al disco. Estas fueron algunas de sus palabras más interesantes:

Escribí estas canciones desde cero. No tienen relación con nadie ni se parecen a nada que haya hecho antes. Tienen sólo mi firma, mis propios colores.

Hoy está de luto el rock argentino porque Luis Alberto Spinetta, uno de los músicos más importantes que tuvo el país en su historia, murió a causa del cáncer de pulmón que le habían diagnosticado a mitad del año pasado.

Todos los lloramos nos haya gustado o no porque lo que le dio a la música del país fue muchísimo. Dante, uno de sus hijos, le declaró un tweet a su padre: “Te amo por siempre Papá”. Valentino, otro de sus hijos, también le dedicó un mensaje a través de la red social: “T amo papá, siempre vas a estar en mi alma y mi corazón”.

El rocker va a ser velado y cremado en una ceremonia que será privada y, al menos se filtró, habría fallecido en su hogar. Muchos de sus discos y canciones van a ser siempre recordados. Entre los tracks están “Muchacha”, “Ana no duerme”, “Seguir viviendo sin tu amor” y muchas otras.

En Twitter se pueden seguir los cientos de miles de mensajes que le están enviando sus fanáticos a través del hashtag #ChauFlaco.

Spinetta con Mercedes Sosa - “Barro tal vez”

Spinetta con Charly García - “Rezo por vos”

Spinetta con Cerati - “Té para tres”

Parece que las colaboraciones en directo están de moda. Durante 2011 han sido muchos los grupos que girando juntos han sorprendido a los asistentes saltando al escenario al mismo tiempo. En navidades también vimos algún ejemplo de esto, y 2012 pinta igual, sobre todo en ocasiones tan especiales como son las entregas de premios.

Hace unos días hablábamos de The Horrors y de Florence And The Machine, los cuales actuarán en los premios NME, y hoy tenemos que hablar de Foo Fighters, ya que la banda actuará con Deadmau5 el próximo día 12 en la gala de los Grammy.

Os lo contábamos hace unas semanas, pero nada se sabía de la colaboración. Se trata de una aparición que está juntando a Foo Fighters, que han sido tal vez el grupo de rock más afamado de 2011, y a Deadmau5, una estrella del dance y de la electrónica. ¿Increíble, verdad?

Después de superar una época difícil en la que ha conseguido batir al cáncer, el líder de Chic, Nile Rodgers, tiene las pilas cargadas y mencionó en una entrevista para CulturaMap que iba a reunirse con Daft Punk para grabar un disco junto a ellos.

Todavía no está claro qué papel tendrá Nile Rodgers en el nuevo trabajo, aunque posiblemente combine su labor de productor con la de músico. Sea lo que sea que se traigan entre manos, parece que al menos se lo están pasando muy bien a juzgar de las declaraciones que ha hecho Nile en Faster Louder:

En cada canción que tocaba iba corriendo por la habitación en busca de mi guitarra para empezar a tocar y un momento después estábamos bailando en mi comedor pasándonoslo bomba.

Echándole un vistazo a la discografía del dúo francés, nos daremos cuenta de que se toman su tiempo para publicar nuevo material. Aunque su último disco de estudio sea la banda sonora de Tron: Legacy, publicada en 2010, la más reciente de sus obras propias, Human After All, se remonta al año 2005.

Sin embargo, parece que este 2012 es un año prometedor para Daft Punk pues, aparte del posible disco colaborativo junto a Rodgers, Pitchfork también menciona que la banda podría estar trabajando con Paul Williams y con Panda Bear.

Estaremos atentos ante cualquier confirmación oficial.

Este rumor ya venía circulando en la red desde hace varias semanas, sin embargo, no habíamos tenido una confirmación oficial por parte de la banda. No obstante, el día de ayer Pulp finalmente confirmó, en su página oficial, que visitarán México por primera vez para ofrecer un concierto en la capital azteca.

El recital se llevará a cabo el 23 de abril en el Palacio de los Deportes, esto como parte de su gira de regreso que este año llegará a las más importantes ciudades de Estados Unidos y también hará una parada en festivales como el de Coachella. Recordemos que el grupo anunció su regreso hace ya dos años y que el año pasado estuvo tocando en algunos de los más importantes festivales europeos en una gira que afortunadamente se ha ido extendiendo cada vez más.

Los boletos para lo que sin duda será uno de los mejores conciertos de este año comenzarán a venderse el próximo 14 de febrero a través de Ticketmaster y en las taquillas del foro, con los siguientes costos:

• General: $780
• Nivel B: $980
• Nivel C: $650
• Nivel D: $550
• Nivel E: $350

Así que ya saben, a alistar tarjetas y romper alcancías porque seguramente las entradas se agotarán en menos de lo que canta un gallo.

Como una Alicia que acabara de comerse un pastel para crecer, así aparece St. Vincent en el video de su nuevo sencillo, “Cheerleader”, canción que pertenece a su más reciente producción, Strange Mercy, editada en septiembre del año pasado y en la que la cantante exploró nuevas formas de composición, dejando de lado los aparatos electrónicos para comenzar los temas desde cero utilizando su guitarra y en plena soledad encerrada en un hotel.

Letrísticamente, este álbum también ofrece cosas nuevas. Por ejemplo, esta melodía ha sido definida por Annie como una canción escrita desde un punto de vista feminista, en cuya letra asegura que ha dicho mentiras con media sonrisa pero ya no quiere ser una porrista nunca más. De ahí tal vez sale el concepto del video, dirigido por Hiro Murai, y en el que, como ya dije, se puede ver a una Annie gigante siendo observada en una galería como si de una pieza de arte se tratara.

Sin embargo, la cantante decide que ya no quiere ser vista como un objeto de colección y abandona su nicho cortando los hilos, lo que eventualmente provoca que se rompa en mil pedazos. El resultado es interesante e incluso un poco retorcido, con la sonrisita que nos regala St. Vincent al final.

Metallica, el que tal vez es el grupo de metal más popular de todos los tiempos, y el más conocido de la actualidad, ha vuelto. No, aún no se sabe nada de su nuevo disco, y no queremos recordar su último experimento con Lou Reed, al cual dicho sea de paso le han llovido críticas desde todos los lados. Metallica vuelve con Orion Music & More, un nuevo festival muy diferente a lo que la mayoría de fans podrían esperar.

Mas que nada porque se trata de un festival que poco o nada tiene que ver con el metal, salvo en algún caso aislado, y en el que tocarán grupos como Arctic Monkeys, Best Coast o Fucked Up.

El cartel completo quedaría como veis a continuación, y la guinda la pondrán los propios Metallica, que cerrarán la noche ambos días. Uno de ellos interpretando el self-titled (también conocido como Black Album) y otro Ride The Lightning. Sin duda, interesante.

• Arctic Monkeys
• Avenged Sevenfold
• Modest Mouse
• The Gaslight Anthem
• Cage The Elephant
• Fucked Up
• Best Coast
• Hot Snakes
• Titus Androinucs
• Gary Clark Jr.
• Lucero
• Roky Rickson
• The Black Angels
• The Sword
• A Place To Bury Strangers
• Liturgy

¿Las fechas? El 23 y el 24 de junio de este mismo año. ¿Donde? En Bader Field, Atlantic City (Nueva York). ¿Están intentando los bay area thrashers meterse en el bolsillo a una nueva horda de fans? Desde luego, así lo parece.

La semana pasada os hablábamos de Fucked Up para contaros la excelente iniciativa que había tenido su discográfica. Una semana previa al lanzamiento de “Year Of The Tiger”, el último sencillo que lanza la banda con motivo de la entrada del nuevo año chino, se ponía a disposición de todos los fans una recopilación en streaming con las anteriores entregas.

Esa recopilación se ha visto ampliada hace unas horas con la incursión de la citada “Year Of The Tiger”, que se lanzó ayer y que podéis disfrutar tras estas líneas.

¿Cómo es? Bueno, digamos que bastante variado, como nos tiene acostumbrado la banda, y es que además dura 15 minutos de duración. En él se puede escuchar a Jim Jarmisch, el conocido director de cine hindú, y a otros artistas como Austra o Deschênes. La banda ya lo cataloga como una de las mejores cosas que han hecho nunca, y, ciertamente, creo que así es.

A finales de octubre del año pasado estuvimos comentando el nuevo proyecto que Damon Albarn de Gorillaz y Blur, Flea de Red Hot Chili Peppers y Tony Allen de Afrobeats tenían entre manos. Si recordáis, fue bautizado como Rocketjuice and the Moon. Desde entonces fuimos escuchando alguna de sus canciones interpretadas en directo en su canal oficial de YouTube.

Unos meses después, el grupo ha anunciado su disco debut para el próximo mes de marzo. Aunque la fecha exacta no queda clara, parece que será en algún momento entre el 12 y el 26 del citado mes. Honest Jon’s Records será el sello encargado del lanzamiento.

Este interesante trío ha grabado un total de 18 canciones entre París, Berlín, Chicago y el estudio personal de Albarn, situado en Londres. No tenemos detalles del listado de temas por el momento, por lo que no podemos confirmar si serán incluidas todas en el LP. Sí podemos decir que contará con las colaboraciones Erykah Badu, Fatoumata Diawara, M.anifest, Cheick Tidiane Seek y the Hypnotic Brass Ensemblede.

¿A qué sonará? Aunque más o menos podemos hacernos una idea escuchando las muestras que hay en el canal de YouTube, el baterista Tony Allen lo explicó en la revista MOJO, a la que hace referencia la web Stadium Arcadium:

Todo es funk. Música con groove, que te hace bailar. El público no querrá sentarse y escuchar, querrán mover sus cuerpos. Esto es fundamental, y Rocketjuice And The Moon intentaremos conseguirlo.

El proyecto tiene muy buena pinta solo por la presencia de Flea, que seguro se sentirá muy cómodo tocando funk y nos hará disfrutar de su maestría. Mientras esperamos más detalles del álbum, podemos echarle un vistazo a una versión en miniatura de la portada cortesía de su discográfica.

Foto: Stadium Arcadium

Liam Gallagher es de los pocos rockstars que se mantienen y todavía siguen lanzando discos. El artista, cada tanto, sale a hablar con la prensa (sólo cuando tiene ganas y no los maldice de arriba abajo) y en esta oportunidad aseguró que preferiría todavía estar en Oasis antes que en su actual banda, que formó con ex miembros de la anterior, llamada Beady Eye.

El artista actualmente está trabajando en lo que será la nueva producción de su nueva agrupación y aseguró que si bien la está pasando bien con Beady Eye preferiría que Oasis todavía siguiese existiendo. Esto lo reveló todo en una entrevista con la gente de Live Magazine. Entre otras cosas, esta fue una de las interesantes frases:

Si la gente piensa que estoy feliz por la separación de Oasis, se equivocan. Aunque ame Beady Eye, preferiría todavía seguir en Oasis porque eso era algo mío. Oasis era mi vida.

Pero hay cosas que prefiere de su situación actual. Por ejemplo, odiaba las grandísimas presentaciones que daba Oasis y le gustan mucho más los lugares más pequeños en los que toca en la actualidad con Beady Eye, donde se puede conectar con el público.

Los pequeños shows que estamos dando son geniales. Estamos otra vez en el comienzo. Es genial ver a los fanáticos y escucharlos. Espero que continúe. Las grandes presentaciones no tienen alma. Me gusta haberlas hecho, pero no las extraño. Ya no tengo nada que demostrar.

Finalmente, les pegó a los músicos indies y comentó que la mayoría de las nuevas agrupaciones lucen como si fueran vagabundos.

Caminan por todos lados sucios con el pelo lleno de nudos y remeras olorosas. Parecen vagabundos. Odio esa nueva enfermedad de los nuevos estudiantes de música indie como Bloc Party y todas esas agrupaciones sin sentido.

Puede haber dejado Oasis, pero la polémica, nunca.

The Black Keys es un grupo que nos encanta, y de hecho se coló en varias de nuestras listas a final de año, incluida la de mejores bandas de 2011. Con un último trabajo, El Camino, que ha dado mucho de que hablar, los americanos continúan con su promoción y prueba de ello es que acaban de lanzar un nuevo vídeo para uno de los temas más interesantes, ”Gold On The Ceiling”, que ha sido colgado en la página de la MTV.

Se trata como sabéis del tercer corte de El Camino y también de su segundo sencillo. En el podemos ver metraje grabado el pasado mes de diciembre en el show que la banad ofreció en Nueva York.

¿Qué opináis? ¿Sabe Patrick Carney tocar la batería?

Leonard Cohen acaba de publicar su nuevo disco de estudio, Old Ideas, y por eso su discográfica, Columbia Records, está tratando de darle un impulso promocional extra para conmemorar además el 40 aniversario del artista en la música. Así, ha firmado un acuerdo con Vimeo para lo que se ha dado a conocer como Old Ideas With New Friends. Se trata de un proyecto en el que diversos artistas graban en video una versión de sus canciones favoritas de Cohen.

Por el momento ya han pasado por la cámara Bradford Cox, Cults, Cold War Kids, y Greg Dulli de Afghan Whigs. Sus actuaciones pueden verse en el canal oficial correspondiente de Vimeo.

El último artista en añadirse al tributo al veterano músico ha sido John Darnielle de The Mountain Goats, que se ha animado con “The Smokey Life”, que apareció en Recent Songs del año 1979. Podéis disfrutar de la versión en Consequence Of Sound, que ha tenido la oportunidad de estrenarla en exclusiva.

Se trata de un cover que sustituye la guitarra acústica por un piano y en el que solo encontramos la voz de John, sin ninguna clase de arreglo más. El resultado es una versión muy intimista con un sonido muy jazzero que convencerá a los seguidores de Cohen porque no hay muchos cambios con respecto a la original.

En los próximos días se darán a conocer otras versiónes de otros artistas, entre los cuales se encuentra A.C. Newmann de The New Pornographers. Estaremos al tanto para escuchar más de este bonito homenaje.

La música evoca sentimientos tanto para los que escuchan como para los que crean. Es un ejercicio interesante observar la evolución musical que nosotros hemos tenido a lo largo de los años y también fijarse en un determinado artista para ver qué ha cambiado en su música.

Ingrid Michaelson recurrió a letras oscuras y pesimistas en sus cuatro discos de estudio anteriores. A pesar de que una de sus canciones más conocidas sea la alegre “Be OK”, el resto de sus composiciones no parecían reflejar a una persona feliz precisamente. Después de escuchar su nuevo álbum, Human Again, nos damos cuenta de que algo ha debido cambiar en su vida porque su música es mucho más abierta y optimista.

El primer corte, “Fire”, lo deja bastante claro. Su letra habla de una relación amorosa que acabó mal pero gracias a la cual la artista supo levantar cabeza y apreciar la vida de una manera distinta. Un estribillo muy fluido y pegadizo le da gancho al disco desde el principio.

Las orquestaciones y los arreglos de cuerda son el principal aliado de una placa que destila un pop dulce pero no pasteloso. Lo observamos en temas como “Do It Now”, donde el piano se complementa muy bien con la fluctuante Ingrid, que sabe cómo jugar con su inocente voz, “Blood Brothers”, que tira más al folk pop, o “Palm Of Your Hand”, en el que los arreglos electrónicos le dan un interesante toque.

También nos encontramos con canciones que recuerdan a sus épocas anteriores, aquellas en las que la guitarra acústica, su voz y algunas melodías agridulces eran las protagonistas. La preciosa “I’m Through” demuestra aquello de “donde hubo siempre queda”. Un piano y una bonita voz son suficientes para cautivarnos durante tres minutos y medio. “Keep Warm” es una triste balada en la que Ingrid parece susurrarnos. Su registro es muy calmado y las armonías empastan muy bien, haciendo que su escucha sea agradable y relajante. Por otro lado, también hay cortes como “Ribbons”, en los que se sustituye el piano y el tono triste por una guitarra acústica y un ritmo casi dance muy bailable o “Black & Blue”, que bien podría considerse como el piano rock que tan bien sabe explotar Jack’s Mannequin.

Ingrid no olvida su lado independiente y ha incluido algunos temas experimentales. “How We Love” es un track a capella que da la sensación de haber sido grabado en un baño, pues la voz está en segundo plano, mientras que “In The Sea” recurre a un patrón de rock alternativo en el que la cantante se luce y acierta al conseguir un tema que suena distinto.

Una de las mayores virtues de Human Again es que no es nada plano. Hay canciones más movidas y más lentas y todas suenan con mayor madurez si cabe con respecto a sus obras anteriores. Creo que es un disco que supone un paso lógico en la carrera de la artista, que ha pasado de llorar por el amor a aprender de él.

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Tres canciones recomendadas

“I’m Through”, “Palm Of Your Hand”, “In The Sea”.

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En estos días en que los canales de música ya no son lo que eran y muchos de nosotros prácticamente vemos los videos sólo en internet, parece que las bandas han comenzado a interesarse en las herramientas que puedan hacer de esta experiencia visual algo diferente y que vaya acorde con el medio. Ya tuvimos ejemplos muy buenos en artistas como OK Go, quienes crearon un video interactivo a varias pantallas bastante espectacular; o Arcade Fire, quienes utilizaron movimientos y baile para darle una cara diferente a uno de sus sencillos.

Ahora ha llegado el turno de los Red Hot Chili Peppers, quienes están en plena ruta promocional de su más reciente álbum I’m With You. Como recordarán, el grupo presentó no hace mucho el video de su canción “Look Around”, un tema de fiesta que pedía tener una propuesta visual igualmente divertida.

El video se construyó a partir de tomas en cuatro habitaciones, cada una representando la personalidad de los integrantes de la banda. Sin embargo, no era la única sorpresa que tenían bajo la manga pues el cuarteto acaba de presentar, en su página oficial, la versión interactiva del mismo, en la que no es el director sino el espectador el que decide qué ver en su pantalla.

Para esto es necesario utilizar las teclas de cursor para alejarse, acercarse o cambiar de habitación, lo que les permitirá ver qué estaban haciendo cada uno de los integrantes cuando las tomas cambiaban a los demás. Por si fuera poco, el video también tiene fotos y videos escondidos, los cuales podrán encontrar dando click a la propia imagen utilizando para ello los objetos delineados y las clásicas manitas. Claro que si no quieren estar adivinando, también hay un botón para obtener pistas.

El resultado es sumamente interesante, bastante curioso y divertido para ver y dar click por todos lados. Eso sí, necesitan una buena conexión a internet y una computadora rápida porque de otra manera el video se para de manera constante. Si es así, pues nada más denle play aquí mismo.

Es innegable que uno de los lanzamientos más importantes de este año llegará el próximo marzo en la forma del nuevo álbum de The Shins, una banda que, aunque James Mercer diga lo contrario, es el proyecto de una sola persona ayudada por diversos colaboradores, entre ellos los viejos y nuevos miembros de su banda de acompañamiento. Sin embargo, al final es un hecho que Mercer es sumamente talentoso, como ya lo pudimos comprobar con el primer sencillo de Port of Morrow, “Simple Song”, tema que saldrá oficialmente a la venta el próximo 14 de febrero, aproximadamente un mes antes del lanzamiento del disco.

La canción vendrá acompañada de un lado B titulado “September”, melodía que el grupo estrenó el día de ayer en su sitio oficial y que tiene una historia sumamente romántica, como el mismo James reveló en un reciente artículo para la Rolling Stone:

“El problema en que me metí fue que le dije a Marisa (Kula, su esposa) ‘Esta va a ser nuestra canción’. Así que sabía que tenía que tener la letra correcta. Quería que fuera un diamante y creo que el trabajo valió la pena”.

El grupo utilizó un video para presentar este sencillo, el cual fue inspirado en la portada de la placa, realizada por Jacob Escobedo. En él podemos ver una serie de tomas de un reproductor de vinil, una grabadora y reproductora de cintas magnéticas y una bonita habitación, mientras la letra de la canción aparece poco a poco en diversas partes de la imagen. La canción por otro lado es una balada típica de The Shins, con pequeños efectos aquí y allá y una linda guitarra acústica para llevar el ritmo:

Así, tenemos otra buena melodía para confirmar que el nuevo disco de The Shins será todo un suceso. ¿A ustedes qué les parece?

Hace tan solo unos días Axel estuvo comentando que Klaxons tenían todo preparado para comenzar a grabar su nuevo disco de estudio. Y parece que el grupo se lo está tomando muy en serio porque, según apunta la web oficial del festival BBK Live, ha decidido cancelar todos sus conciertos estivales confirmados hasta la fecha. ¿El motivo? Quieren acabar su nuevo trabajo cuanto antes.

Aunque por el momento solo se conocía la actuación en Bilbao como una única actuación en festivales para el próximo verano, al parecer Klaxons tenía otras agendadas para otros eventos.

La grabación del sucesor de Surfing The Void ya ha comenzado y se rumorea que se está llevando a cabo junto a James Murphy, líder de LCD Soundsytem, y a The Chemical Brothers.

Por otro lado, la organización del festival BBK Live ha anunciado nuevas incorporaciones para compensar la baja del conjunto inglés. Así, se han añadido al cartel The Kooks, Glasvegas y Warpaint. Además, también se ha confirmado que habrá un tercer escenario que se unirá a los dos habituales y a la carpa de ediciones anteriores. La razón es que habrá veinte actuaciones más que el año pasado, llegando hasta las sesenta.

Como sabéis, el BBK Live se celebrará del 12 al 14 de julio en Bilbao y sus dos principales atractivos son The Cure y Radiohead. A partir de este viernes, 10 de febrero, se pondrán a la venta las entradas de día para ambas jornadas. Se pueden adquirir en los puntos de venta oficiales por 61€ ($80), gastos de distribución incluidos. El precio del abono para las tres jornadas asciende a los 111 € ($145,5), gastos incluidos.

Últimamente hemos venido hablando bastante de Austin City Limits, debido tal vez a la calidad y rabiosa actualidad en la que están sus últimos artistas invitados. Austin City Limits es uno de esos shows que todo artista que se precie está obligado a ganarse, ya que se trata de un programa que se emite desde hace más de 35 años (1976) y ha contribuido entre otras cosas a que Austin, en Texas, se haya convertido en la capital mundial de la música en directo.

Arcade Fire, Florence And The Machine y Lykke Li han sido de los últimos invitados, y hace unos días le tocó el turno a Wilco.

Los de Jeff Tweedy mezclaron temas de sus últimos trabajos en una actuación irrepetible en la que hizo una aparición especial Nick Lowe, compositor del que Tweedy dijo sacar gran parte de la inspiración para su grupo. La actuación ha sido, como no, colgada en la web de la PBS, servicio de televisión pública que emite el programa desde hace años.

Gustavo Cerati, uno de los músicos más famosos de la música argentina contemporánea, fue hospitalizado en junio de 2010 después de sufrir un desorden cerebrovascular que le mantuvo internado durante más de un mes en Venezuela, previo traslado a Argentina donde finalmente se mantiene hospitalizado hasta hoy.

Sin noticias desde entonces, ya que se encuentra en un profundo estado de coma, hoy llega la información directamente de su madre, Lilian Clark, de que el músico ha empezado a mostrar señales de actividad cerebral. Parece ser que el artista habría empezado a responder a diversos gestos.

Lilian habla incluso de movimientos de cabeza en respuesta a su voz, o incluso a muestras en los monitores de que hay actividad después de que Ricardo Mollo, productor, toque la guitarra ante Cerati. Se trata de la primera información oficial desde el año pasado, cuando la familia de Cerati quiso agradecer personalmente a todos los seguidores el apoyo a través de la página web oficial en un comunicado del que se hicieron eco los medios de comunicación.

En marzo de 2011 Bono también quiso recordar a Cerati recordando a los 60.000 aficionados de U2 que llenaban el Estadio Ciudad de La Plata, y dedicándole posteriormente “Moment Of Surrender”, que no debían olvidarse de Gustavo.

Los médicos hablaban de que nunca volvería a ser el mismo tras el desorden de 2010, y poco después también de que sería difícil que saliera del coma. ¿Puede Cerati salir finalmente del coma y recuperarse, al menos, parcialmente? Desde aquí así lo deseamos, y a el y sus familiares les mandamos nuestro mayor ánimo y apoyo.

Ok Go es una banda que se hizo famosa, más que por su música, por los videos que hace. Siempre, desde que presentaron “Here It Goes” (en el que se los veía haciendo una coreografía sobre las máquinas para correr) hasta ahora, siempre mostraron innovaciones que llamaron la atención. Esos clips se hacían virales en cuestión de horas después de su lanzamiento y la agrupación se dio cuenta que tiene mucho que agradecerle a eso y siguió lanzando este tipo de filmaciones que, como poco, llaman la atención de la red.

En esta oportunidad lanzaron el video de “Needing/Getting” donde se los puede ver sobre un automóvil que, en realidad, es un grandísimo instrumento. Todo el track que forma parte de Of the Blue Colour of the Sky, la última producción de Ok Go, está hecho de una manera muy convencional. Uno de los integrantes, que es el que canta en esta oportunidad (hay que aclarar que la banda no tiene sólo un cantante), maneja y el resto va haciendo música con diferentes objetos que están sobre el auto. Para que se den una idea uno de ellos genera sonidos azotando la puerta.

El resultado es verdaderamente sorprendente y si bien no es el video que más me gustó la realidad es que, otra vez, lograron algo nunca ante hecho que innova en todo aspecto. No sólo desde lo auditivo sino también desde lo visual. Evidentemente los de Ok Go tienen todavía muchas cosas en la cabeza y logran sorprendernos con cada uno de sus lanzamientos. ¡A la espera del próximo!

Hace unos meses estuvimos comentando que Field Music publicaría nuevo disco en 2012. En un principio estaba prevista su llegada en enero, pero tuvo que retrasarse varias semanas y finalmente verá la luz el próximo 14 de febrero. Se llamará Plumb y contendrá 15 nuevas canciones.

Se trata de un trabajo esperado en la escena del pop independiente inglés, pues sus anteriores discos fueron muy bien recibidos por la crítica del país anglosajón. Su música tiene claras reminiscencias de Yes y oscila entre varios estilos en los que el piano y las voces en falsete se reparten el protagonismo.

Plumb puede suponer su éxito internacional y en gran medida será algo que decida el público que escuche el álbum y que asista a sus conciertos. Por ejemplo, pasarán por el Primavera Sound español que, como sabéis, se celebra en Barcelona entre el 30 de mayo y el 3 de junio.

Puesto que todavía tendremos que esperar hasta que podamos verlos en directo, qué mejor que escuchar en primicia su nuevo álbum. NPR, la radio pública de Estados Unidos, ha colgado en streaming y de manera gratuita todo el disco y lo podemos escuchar desde ya.

Polémicas aparte, Lana del Rey ya triunfa en medio mundo con Born To Die, su segundo-primer trabajo, el cual apareció hace tan sólo unos días. Hoy lunes ha entrado directamente en lo más alto de la que tal vez es la lista más importante del mundo: la británica. Con unas ventas que superan las 117.000 copias, se trata del debut que más ha vendido este año, y de hecho se trata de un trabajo que ha vendido más de lo que han vendido los otros integrantes del top 5 combinados.

Hace unas horas os contábamos que Lana no estaba del todo ahora mismo con su carrera musical. Ignorando si la recepción del disco o la de la actuación del SNL han tenido algo que ver, esta chica norteamericana ha expresado que ya no está tan segura de querer convertirse en una afamada cantante a nivel internacional, o al menos de seguir siéndolo.

El disco, Born To Die, ha suscitado diferentes impresiones y comentarios, y si bien puede que le falte la pegada que algunos esperábamos, no se puede decir, para nada, que sea un mal disco.

Puede que cosas como esta hagan que Lana se replantee lo de no volver a sacar un disco. Y es que personalmente tras escucharlo, he de decir que me he quedado con ganas de algo más. ¿Veremos en unos años el regreso triunfal (aún más si cabe) de Lana del Rey?

La banda neoyorquina de rock independiente Here We Go Magic ha puesto fecha a su tercer larga duración. Se llamará A Different Ship y saldrá a la venta el próximo 8 de mayo a través de Secretly Canadian. Contendrá diez nuevas canciones y su portada es la que podéis ver ilustrando estas palabras.

A pesar de que la banda acostumbraba a trabajar por su cuenta, en esta ocasión han contado con el productor habitual de Radiohead, Nigel Godrich. Al parecer, el que es conocido como sexto miembro de Radiohead, se interesó en Here We Go Magic tras verlos varias veces en directo y decidió trabajar junto a ellos.

Podemos escuchar un primer adelanto de la nueva placa a continuación cortesía de SoundCloud. Se llama “Make Up Your Mind” y suena así:

Se basa en una línea guitarrera que se repite durante los cuatro minutos que dura el tema y sigue un patrón a caballo entre el blues y el funk bastante interesante. Los arreglos de sintetizadores sirven para darle dinamismo a la canción, que requería de elementos que añadieran valor a una composición muy simple y que podría pecar de repetitiva. De hecho bien podríamos considerarla como un bucle musical que se corta de repente, pero que deja con ganas de más, lo cual es una buena señal.

La agenda del grupo todavía no está muy llena, pues solo hay tres conciertos confirmados (dos en Estados Unidos y otro en Reino Unido), aunque seguro que va tomando forma en los próximos meses.

Éste es el listado de temas de A Different Ship:

1. “Intro”
2. “Hard to Be Close”
3. “Make Up Your Mind”
4. “Alone but Moving”
5. “I Believe in Action”
6. “Over the Ocean”
7. “Made to Be Old”
8. “How Do I Know”
9. “Miracle of Mary”
10. “A Different Ship”

Según podemos leer en Pitchfork, el vocalista y guitarrista de Interpol, Paul Banks está preparando un nuevo disco en solitario. Su intención es publicarlo a finales de este 2012, aunque no se han desvelado muchos detalles más. Tal es así que no se ha aclarado si el álbum vendrá firmado por Julian Plenti, el nombre artístico que el cantante usa en su aventura en solitario.

Su primer trabajo en solitario, Julian Plenti Is… Skyscraper, salió a la venta en 2009. No cosechó demasiado éxito entre la crítica especializada. Fue más bien un disco ramplón, sin mucho que destacar ni mucho que objetar. A pesar de ello, fue algo mejor que el tercer disco de Interpol (Our Love to Admire) y llegó a recordar a los orígenes de la banda.

Después de girar por Latinoamérica en los últimos meses, Interpol se está tomando un descanso. Mientras tanto, Paul Banks ha decidido grabar la que será su segunda placa en solitario, que será editada por Matador Records. Dentro de unos meses comprobaremos cómo suena este nuevo esfuerzo.

Seguiremos informando.

The Twilight Sad tomó por asalto el mundo de la música en 2007 con el lanzamiento de su primera producción, Fourteen Autumns & Fifteen Winters, un álbum que mostraba las fortalezas de un sonido único inmerso en los géneros del shoegaze y el rock, alimentado por el fuerte acento, las letras oscuras y vocalizaciones profundas de James Graham. El cuarteto también ganó fama por sus ruidosas presentaciones en vivo, una cualidad que por cierto comparten con otras agrupaciones escocesas como Mogwai, de quienes se han pronunciado grandes admiradores y con quienes han compartido giras en numerosas ocasiones.

Era de hecho la propuesta musical de este grupo una de las grandes influencias para el trío que, sin embargo, ahora ha decidido darle una vuelta de tuerca a su sonido para su tercera producción discográfica, No One Can Ever Know, álbum que oficialmente sale a la venta el día de hoy y del que ya hemos venido hablando con bastante emoción aquí en Cuchara, pues sus primeros adelantos nos mostraban un interesante nuevo acercamiento a su música. Ahora, ya con la producción en nuestros reproductores, podemos asegurar que el cambio ha traído buenas noticias.

Lo primero que hay que recordar es que sus primeros lanzamientos se distinguían por un sonido lo-fi muy intencional, pues el trío utilizaba casi exclusivamente instrumentos antiguos en la grabación. También era notoria la pared de notas reverberadas y sumamente intensas que daba peso a cada una de sus canciones y que se complementaba con la oscuridad de las letras de Graham.

Y el asunto es que, aunque si bien su sonido sigue siendo negro como la noche, las influencias electrónicas le han dado una nueva cara mucho más refinada y menos saturada. Los escoceses decidieron llevar al estudio una serie de sintetizadores análogos rusos y baterías electrónicas para combinarlas con las guitarras llenas de efectos de Andy MacFarlane. No obstante, y al contrario de lo que pasó en sus dos primeros discos, éstas se han quedado en esta ocasión al fondo del telón y no como protagonistas de la obra.

Así, este conjunto de canciones ofrece una mezcla entre la oscuridad del primer álbum y la intensidad del segundo pero con un nuevo acercamiento. En lugar del mazazo directo a la cabeza, esta vez el trío comienza poco a poco y sin demasiada estridencia, retomando influencias como las de Nine Inch Nails, Depeche Mode e incluso The Cure y Joy Division para crear melodías sombrías pero también con un aura pop más amable y menos cruda que en sus anteriores producciones.

Aquí hay sencillos muy obvios como “Alphabet” o “Another Bed”. La primera tiene una vibra totalmente thecuresca con unos sintetizadores sacados de las épocas más brumosas de Depeche Mode, aunque también sigue sonando a The Twilight Sad gracias sobre todo a la excelente voz de Graham, quien cierra diciendo “I was hoping on a good day that you would be mine (estaba esperando que un buen día serías mia)”. “Another Bed” por otro lado suena más industrial, con influencias de gente como Trent Reznor y compañía en sus sintetizadores atiborrados y un cierto aire de indiferencia en las vocales.

En el departamento de la saturación también hay buenas opciones, aunque la producción de Andrew Weatherall (quien también ha trabajado con gente como Primal Scream y Beth Orton) le ha puesto, como ya dijimos, una cara mucho más fina y menos cacofónica a la propuesta. En esta área tenemos canciones como “Dead City”, con su sonido electrónico de hechuras industriales y un ritmo más movido que también es lo más cercano a su anterior placa que podrán escuchar en esta ocasión.

“Sick” trabaja con acordes repetitivos y contenidos en capas lineales de vibra misteriosa e influencias joydivisionescas, las cuales también son notorias en “Don’t Move”, una canción que sin embargo suena mucho más dura, prendida y saturada, con un solo de guitarra intermedio y coros a dos voces que le dan un aire de novedad al asunto.

Los acordes de sintetizador que llevan la melodía de “Nil” también pagan tributo a lo más oscuro de Joy Division, sin embargo, al mismo tiempo conservan el sello de este trío. El resultado es definitivamente uno de los mejores temas de la placa.

La banda rinde homenaje a las capas superpuestas y la cacofonía de anteriores intentos en “Don’t Look at Me”, uno de los temas que tal vez recuerdan más a su segunda propuesta, aunque realmente le falta algo del poderío de esas melodías. “Not Sleeping” ofrece una especie de descanso atmosférico introductorio para “Another Bed”, que como ya dijimos es de los temas más fuertes de la placa. La agrupación cierra duro con “Killing it in the Morning”, melodía de influjos Nine Inch nailescos y un tono un poco más atiborrado y energético.

Así llegamos al final de este conjunto de nueve canciones que por su número podría sonar breve, sin embargo, tenemos temas de cuatro, cinco y hasta seis minutos de duración para compensar el número de tracks. En favor de este disco debo decir que nunca te cansa, pues fluye de principio a fin ofreciendo pequeños cambios de ritmo, superposiciones y melodías para formar un álbum completo, algo que de hecho fue la intención de la banda desde un principio, pues pensaron esta producción como un conjunto de canciones y no sólo como una colección de melodías.

Ahora, si bien el grupo ha utilizado mucho del rock ochentero como inspiración para esta producción, su sonido conserva el sello lóbrego y particular de sus inicios, aunque actualizado y mejor producido. Es cierto que por momentos parecen más fríos y menos apasionados, pero también hay que resaltar que hubo disposición para el cambio y para tomar riesgos que pudieron haber salido muy, pero muy mal.

Debido a que el álbum se filtró hace ya una semana, las opiniones en la red respecto a esta nueva placa también han comenzado a fluir. Y me ha llamado la atención que a muchos parece haberlos decepcionado, por considerarlo un intento flojo y sin la belicosidad de antaño. Esto sobre todo debido a que Graham y compañía han abandonado las capas superpuestas y extremadamente saturadas de su segunda producción, una cualidad aparentemente perfecta para aquellos a quienes les gusta el rock duro y ruidoso y no las sensibilidades de las bandas modernas.

Es decir que, a aquellos a quienes les gustaba esta banda por esas cualidades, este álbum les sonará suave y sin ninguna fibra. Sin embargo, a aquellos que saborearon más las canciones de su primer intento, o que apenas están conociendo a estos escoceses, esta nueva producción les va a encantar. Personalmente he estado escuchando el disco ya desde hace varios días y me parece de esos álbumes que crecen conforme los vas oyendo más y más.

Es muy cierto que esta vez The Twilight Sad ha abandonado el rock directo y sin cortapisas para producir un sonido mucho más fino que incluso en algunos momentos alcanza las esferas del pop. Sin embargo, en el intento han salido bien librados al conservar su personalidad y al mismo tiempo renovar su propuesta musical con nuevos elementos.

Así, No One Can Ever Know es el gran regreso de una de esas bandas que parecen trabajar siempre al margen del mainstream con audiencias pequeñas y cautivadas; y de las que no te cansas de preguntar por qué no son más famosas o más reconocidas. Repito que habrá quien prefiera el rock duro y sin cortapisas de su anterior intento, sin embargo, la inmediatez y atractivo de este nuevo ofrecimiento merecen una larga oportunidad.

Fecha de lanzamiento: 6/02/2012
Discográfica: Fat Cat Records
Compra el disco: en su web.
Escucha el disco: en Spin.
Tres canciones destacadas: “Dead City”, “Alphabet”, “Nil”