El gesto que viene a significar “Que te den” no es algo de ahora, tanto los griegos como los romanos ya lo usaban cuando, como nosotros, querían insultar a alguien. Lo cierto es que hay algo en ese gesto; es desafiante, molesto y agresivo. Con un “Que te den” puedes dar por zanjada una conversación, mandar al traste una amistad de años o molestar al tipo que casi choca contigo en un cruce.

En el vídeo titulado The Middle Finger in Movies se recogen multitud de escenas de películas donde vemos a Brad Pitt, Chevy Chase, Bill Murray, Jack Black, Jennifer Aniston, Kate Winslet, etcétera moviendo el dedo corazón con gran ligereza.

Aunque me he reído mucho con la recopilación, no pude evitar recordar como lo hacían en Friends. ¿Os acordáis del gesto de Ross?

Asghar Farhadi supo demostrar gracias a About Elly que el cine iraní no era exclusivo de Abbas Kiarostami, mucho más popular por entonces. Ahora con A Separation se afianza como uno de los directores asiáticos más prometedores gracias a la cantidad de reconocimientos que viene cosechando en distintos festivales internacionales y en ser el segundo film iraní en obtener una nominación al Oscar para mejor película extranjera y el primero en entrar dentro de la categoría de mejor guión original.

Filmada con una extraña prolijidad si consideramos el uso de la cámara en mano, Farhadi, quien también estuvo a cargo del guión, retrata con detalle y sin apuro los problemas de una sociedad difícil como la Iraní donde no se deja de lado ni los entresijos de la justicia, sobre todo, ni las diferencias sociales, religiosas o aquellas más universales, incluso, como la ruptura familiar, la agresividad, la cólera, la injusticia.

Parecería que la efusiva acogida que le ha dado la crítica internacional no nos deja lugar a dudas de que estamos ante una obra maestra, una incisiva mirada a la sociedad de nuestro tiempo, sea esta del país que sea. La increíble proliferación de films refritados y regurgitados del cine actual posiblemente explique la grandeza de un film sencillo, humano, realista y el por qué tanto espectadores como críticos la han tomado como el aire fresco que la gran pantalla necesita, al menos, como opción aparte. Sin embargo, personalmente me atrevo a nadar un poco contra la corriente y expresar abiertamente que del film me esperaba otra cosa.

Quizá el problema venga dado a las expectativas que uno se crea a priori cuando un film es promocionado. Desde todos los elementos paralingüísticos, y lingüísticos claro, uno va elaborando la posibilidad de una determinada historia. Por supuesto que sería totalmente ingenua si esperase que porque el film llevase la palabra separación en su título, de eso tenga que hablarme específicamente. Farhadi concentra tanta fuerza en los personajes secundarios que termina desdibujando de alguna manera a los protagonistas. Las interpretaciones de Peyman Maadi y Leila Hatami quedan en sombras, lucen frías gracias al extraordinario poder escénico que el director otorga a personajes como Sareh Bayat, e incluso, a su propia hija Sarina Farhadi, quien interpreta a la hija del matrimonio, testigo silencioso y doloroso del drama, verdadera víctima del conflicto.

La separación aquí es usada como un disparador de otro tipo de conflicto distinto al de la separación en sí. Aunque se nos cuenta en la escena inicial el por qué del deseo de divorciarse de Simin, el director no se detiene a contarnos sobre la pareja sino en las consecuencias funestas que esa decisión termina por desencadenar. A partir de ahí, un hecho provocado por la cólera dará lugar a discusiones, muchas, todo el tiempo, con la fuerza necesaria para gritarnos que los problemas son muchos, son serios, son graves.

Y ahí es donde personalmente termino por desconectar de la historia. Tantas son las lecturas que uno podría hacer como películas podría enhebrar partiendo del conflicto inicial. Es indudable la maestría de Farhadi para retratar la tensión, para ambientarnos dentro de ese mundo en que los personajes se mueven y cómo se interrelacionan pero a la vez carece de la habilidad necesaria para asentar el relato y provocar una identificación con los personajes que nos permita emocionarnos con lo que les pasa. ¿Quiere hablarnos de la burocracia insufrible de una justicia en la que uno debe pelear por su cuenta, sin abogados entendidos, discutiendo como lo harían los hermanos frente a una autoridad paternal?, ¿hablar de la mentira y cómo esta puede constituir un pecado tremendo dentro de los conceptos religiosos regidos por el Corán?, ¿quiere hablarnos de cuánto lamenta Simin que a su marido no le importe si ella se queda o se va?, ¿si es que se lamenta de todavía amar a un hombre capaz de perder el juicio hasta provocar un crimen?.

Lo sé, muchos podrían acometerme, y seguramente lo harán, con todas las respuestas posibles. Después de todo así se plantea la historia, como la vida misma en la cual a veces todo nos sucede al mismo tiempo, un hecho termina generando una cadena de circunstancias indomables. Pero, a riesgo de sonar mediocre, y quizá sea que no la haya entendido bien del todo, tanta fuerza puesta ahora aquí, luego allá, no me dio oportunidad de interesarme del todo por lo que estaba pasando. El ritmo por momentos acelerado, por otros, extremadamente contemplativo me rindió al aburrimiento, ¿para qué negarlo?.

Eché de menos la profundidad de los diálogos que Farhadi supo elaborar en About Elly constituyendo la música que casi no tiene el film, la destreza de plantear una historia sencilla sin pretenciones grandilocuentes. A separation no deja de ser una película para ver, valoro la mano austera pero certera de este director para crear escenas que aunque sencillas no dejan de impactar y llegarle al espectador; después de todo a la mayoría, les ha encantado que es lo que cuenta.

Arrasadora en la Berlinale del año pasado, este es un film que seguro ganará el corazón de la Academia; un pronóstico que lanzo un tanto apresurado pues no he tenido oportunidad de ver a sus competidoras extranjeras. Pero que a pesar de su ritmo un tanto desordenado para mi gusto le reconozco mucha fuerza en ciertos tramos, un final excelentemente planteado, de esos que no necesita palabras ni ademanes para hacerse entender; ese tipo de clima y logro es el que me hubiera gustado ver sólidamente a lo largo de las dos horas de duración.

Son pocos los niños prodigios del cine o la televisión que tras un personaje o escena icónica hayan podido desarrollar una buena carrera hasta el día de hoy. Haley Joel Osment aun lleva, y posiblemente llevará toda su vida, el estigma de aquella escena de The Sixth Sense en la que arropado hasta la nariz declaraba asustado a Bruce Willis el famoso veo gente muerta. Su carrera desde aquel momento no ha parado de desarrollarse si contamos las veces que ha prestado su voz a la serie de vídeo juegos de Kingdom Hearts; pero fue recién en el 2003 que lo vimos en un largometraje producido por un estudio importante como es New Line Cinema en el film Secondhand Lions junto a Michael Caine y Robert Duvall.

A partir de aquel entonces su papeles parecerían haberse encaminado por el desafío del cine más bien independiente o de estudios más pequeños como es el caso de Home of the Giants en el 2007 o el año pasado en Montana Amazon. Pues bien, el joven actor que ya cuenta con 24 años, ha estrenado hace poco en el Santa Barbara International Film Festival una amena comedia dramática titulada Sassy Pants nacida de un corto escrito y dirigido por Coley Shon, una actriz, ahora directora, que pelea por ver su film distribuido masivamente luego de haber tenido una excelente recepción en el festival y de contar con una premiación en el Sundance del 2009 cuando aun era un corto.

Lo curioso del film es que aun partiendo de una directora novel y de un presupuesto muy acotado, presenta un reparto llamativamente conocido para este tipo de circuito independiente. Junto a Osment participan Anna Gunn, Dietrich Bader, Martin Spanjers y la genial Jenny O’Hara, la que muchos recordarán por Mystic River y una punta de papeles en diferentes series exitosas como NCSI, Dr. House, Nip/tuck o Six feet under.

Sassy Pants cuenta la historia de Bethany, una muchacha recién graduada que vive con su hermano y una madre controladora que la ha obligado a completar estudios en su propia casa. Soñando con independizarse de un entorno familiar opresivo, su madre la inscribe para completar sus estudios universitarios a distancia, vía online, y eso sumado a un amor al que su madre se opone, provoca su huída repentina al trailer donde vive su padre con su pareja, un muchacho casi de su edad interpretado por Osment.

Con motivo de su presentación en el festival de Santa Barbara, Collider ha publicado una muy buena entrevista en la cual podemos saber qué significó para el joven actor interpretar un papel totalmente distinto a los que hiciera hasta el momento.

He interpretado otros personajes a los que les agregué características de gente que conocía pero con este simplemente traté de entender desde el guión porqué Chip hace las cosas que hace. No es fiel a Dale, pero aun así quiere estar con él y se va con él a Mexico. Había algo de espíritu libre en su actitud que me la puso muy fácil.
Lo que tiene de cliché estos personajes es el del mágico amigo gay que tiene todas las respuestas y Chip no es ese tipo de gente. Él solo hace lo mejor que puede por su amiga. El hecho de que Bethany esté rodeada de toda esta gente tan diferente, que ayudan tanto como obstaculizan, pero que intentan hacer lo mejor que pueden, es realmente lo que lo hace tan real y a la vez incómodo. Siento que has hecho un buen trabajo cuando te imaginas al personaje pero al interpretarlo la gente dice: oh, he conocido a alguien así. Ahí es cuando sientes que lo has hecho bien.

Según palabras de la propia directora el film no cuenta aun con alguien que lo distribuya, ha recorrido distintos festivales con éxito pero aun está en la búsqueda de alguien que confié en la película. Osment no interpreta a un personaje que sea centro de la historia, su intervención se reduce a unas cinco o seis escenas, pero seguramente muchos pagarían por ver una interpretación del actor mucho más jugada que las que le hemos visto hasta el momento. La verdadera protagonista de la historia es Ashley Rickards, actriz mayormente conocida por series televisivas como American Horror Story o One Tree Hill.

Por lo que podemos ver en el tráiler a continuación, es una historia con tintes de comedia dramática que pinta ciertamente interesante y que parecería divertir tanto como emocionar. Habrá que esperar si podemos tener la alegría de verla en pantalla grande o, al menos, en una salida directa en DVD.

Hoy es viernes y, hablando de estrenos, tenemos algunas películas que podremos ver en las grandes pantallas dentro de unas semanas. Afortunadamente ya no hay que esperar mucho para ver las próximas películas que se estrenarán en marzo y que, en algunos de los casos, ya hemos comentado en ocasiones por aquí.

Los primeros pósters serán quizá de los que ya hayamos hablado más, ya que la polémica creada entre los dos diferentes proyectos de Snow White estaba creando mucha expectación sobre cómo sería llevada la historia y cómo sería recreada. En esta ocasión, ya primera en estrenarse será la película más ensoñadora de ellas, Mirror Mirror, creada por Tarsem. Esta película tiene previsto su estreno para el 30 de marzo y está protagonizada por Lilly Collins y Julia Roberts.

Otra de las películas que os hemos estado hablando en los últimos meses ha sido John Carter, que nos ha extrañado por su cambio final de nombre y por la manera de llevar adelante una historia de Guerra Civil, aunque eso sí, en Marte.

La última de las películas es la protagonizada por Jonah Hill y Channing Tatum y que podremos verla el día 16 de marzo en los cines es 21 Jump Street. La película trata de dos jóvenes adolescentes que forman parte de la policía y que tienen que desmantelar un círculo de drogadicción en un centro de jóvenes.

Jason Reitman lo ha vuelto hacer. En su cuarto largometraje, Young Adult, vuelve a hacer gala de un fabuloso sentido del humor tomando como base una historia tan patética como real, cercana y auténtica. Desde luego no se puede dejar fuera de la responsabilidad del éxito de su película tanto a su protagonista, Charlize Theron, como a su guionista, Diablo Cody, quien sin duda conoce a la perfección la psicología de los treintañeros y cuarentones contemporáneos y los problemas y traumas a los que se enfrentan. Ambas comparten, además, créditos como productoras, al igual que el director de la cinta.

Como es habitual Jason Reitman nos regala una secuencia de créditos absolutamente deliciosa que, si por un lado sirve para introducirnos en la película, también cumplé una función de identificación con aquella generación que todavía utilizara las cintas de cassette. Esa misma secuencia, complementada con el prólogo que la precede, es suficiente para presentarnos a Mavis Gary (Charlize Theron) una mujer impulsiva, inestable y alocada. Un retrato en el que lo peor de Marvis es igualmente lo mejor de Marvis. Y esta es una máxima que sirve para toda la película porque una de las virtudes del relato es que lo más divertido es también lo más patético, con toda la dureza que tal afirmación conlleva.

Si el estilo visual de toda la película, y al igual que en sus títulos anteriores, es sencillo, no por ello es simple, pues sabe perfectamente cuándo y dónde fijar la atención, deteniéndose en un detalle o abriendo el plano sólo cuando Marvis abre también su propio objetivo psicológico. Porque Marvis es inteligente, y se da cuenta de lo que sucede, salvo que muchas veces, prefiere no verlo o mirar hacia otro lado. Preciso y casi matemático, Reitman no se prodiga demasiado en movimientos de cámara, salvo cuando quiere resaltar alguna emoción de los personajes. Nunca me había reído tanto como con un zoom como el que hace sobre Marvis cuando escucha The Concept, el tema de Teenage Funclub, pero no cuando conduce, sino más adelante, en el concierto de la esposa de Buddy (Patrick Wilson).

Pareciera que todo el discurso estuviera apoyado precisamente, no en esa secuencia, sino en la subjetividad que se desprende de lo que siente Marvis escuchando esa canción que, salta a la vista, no es lo mismo que sienten Buddy o su esposa. La conclusión que plantea Diablo Cody en su texto es, precisamente, que tan sólo depende de la óptica con la que veamos las cosas podremos superar los traumas y problemas que nos hayan puesto en el camino. Porque da lo mismo que vivas en un entorno rural o en la gran ciudad, la frustración y el éxito siempre serán relativos en función de cómo sea tu visión sobre ellos, o tu aceptación del mundo en el que te ha tocado vivir.

Patrick Wilson está justito en su personaje, pero todos los demás componentes del reparto están excepcionales en su interpretaciones. Quizás Patton Oswalt merezca una mención especial pues habría sido fácil que su personaje hubiera sido una caricatura con cualquier otro actor. Una buena dosis de sentido del humor se percibe en los propios artífices de la película al haber recurrido a Elizabeth Reaser para el papel de Beth, la madre y esposa que a Marvis le hubiera gustado ser. La broma viene a propósito de la participación de la actriz en The Twilight Saga, objeto de una sutil broma en la película. Pero quien desde luego se merece todos los honores y el Oscar de este año es Charlize Theron, muy superior a Meryl Streep o Rooney Mara. ¿Cómo? ¿Que no está nominada? Sinceramente no lo entiendo por que está absolutamente patética cuando se miente a sí misma y radiante y resplandeciente cuando tiene que engañar a los demás. Nota a favor del diseñador de vestuario por los tres fabulosos estilismos de la actriz en cada una de las citas con Buddy. Irresistible, como la propia película.

No es una noticia nueva que la película de terror de 2012, Insidious, tendrá secuela. Y es que viendo los datos de recaudación que cosechó, el estudio ha querido seguir con la inversión fácil y ha decidido continuar la historia. Eso estaba claro desde hace tiempo, aunque hoy se ha confirmado oficialmente: la segunda parte ya cuenta con guionista, que será el mismo que en la obra original, es decir, Leigh Whannell.

Poco más se conoce sobre cómo será esta segunda entrega y qué novedades aportará con respecto a la primera. Lo que está claro por ahora es que la producción sigue adelante, comenzando a avanzar, y que el rodaje tiene previsto iniciarse dentro de unos meses con vistas a ser estrenada el próximo año. También hemos conocido que muy probablemente James Wan vuelve a colocarse tras las cámaras para dirigirla, y que tanto Oren Peli como Jason Blum vuelvan a ejercer de productores. Lo que no está claro aún es si Patrick Wilson y Rose Byrne aceptarán repetir sus papeles de la primera entrega.

Pero esta no es la única secuela que se está gestando en Hollywood. También hemos conocido que Sony se ha hecho con los derechos de distribución de Berandal, la que será la secuela de The Raid. ¿Y qué película es esa? Ciertamente es bastante desconocida para el gran público, puesto que por ahora sólo se ha podido ver en algunos festivales, pero su paso por Toronto, Sundance y Sitges han hecho que su notoriedad se dispare, ya que ha sido muy bien aceptada por el público. Hay que tener en cuenta que se trata de una cinta de acción indonesia, difícil de distribuir en Occidente, pero que tras este caluroso acogimiento ya se está negociando su distribución por Europa y América (a Estados Unidos llegará el 23 de marzo).

Lo mejor de todo es que su director, Gareth Evans, pretende convertir toda la historia en una trilogía, y si las cosas le siguen yendo tan bien en cuanto a la recepción del público, puede que se quede corto. El comienzo del rodaje de esta secuela tendrá lugar a finales de este año, y todo apunta que posiblemente para el año que viene se pueda estrenar, quizá de forma más internacional que la primera, dependiendo de cómo sea recibida. De hecho, su éxito ha sido tal que en Hollywood ya preparan un remake (no pierden el tiempo. Aquí os dejo con el tráiler:

No cabe duda de que esta ha sido un año más que estupendo para Jessica Chastain, nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto por The Help, también protagoniza The Tree of Life, una de las películas del año (para bien o para mal) y que se ha dejado ver en algunos de los proyectos más interesantes de este pasado año, como The Debt, Take Shelter, Coriolanus, Wilde Salome o Texas Killing Field. Y no vayan a pensar que esta actriz californiana tiene planeado poner el freno porque está involucrada en unos cuantos proyectos cinematográficos como Mama, Wettest County, la película que dirige Terrenca Malick en a que comparte cartel con Rachel McAdams, Rachel Weisz y Ben Affleck, o el thriller internacional que dirige Kathryn Bigelow y que protagoniza junto a Joel Edgerton.

Precisamente, el actor australiano también ha disfrutado de uno de sus mejores años. A pesar de que ya participara en filmes de alcance internacional como Star Wars: Episode II - Attack of the Clones, Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith, se hiciera notorio entre el gran público el año pasado con Animal Kingdom, aterrizando en el cine estadounidense a través de propuestas como The Thing y Warrior, y que también tiene un porrón de proyectos en preparación, como Wish You Were Here, The Odd Life of Timothy Green o The Great Gatsby. Y ya es seguro que la película de la directora de The Hurt Locker no será la única que protagonice junto a la actriz pelirroja porque ambos acaban de firmar para participar en un interesante proyecto doble para Myriad Pictures al que podría unirse William Hurt.

Se trata de un drama romántico sobre una pareja que vive en Nueva York, propietario de un restaurante él y de vuelta a la Universidad ella, que pasan por un mal momento en su matrimonio. La peculiaridad del proyecto es que conoceremos la historia desde el punto de vista de ambos, pero no por el uso del montaje alterno, sino porque se presentará por partida doble en las películas The Disappearance of Eleanor Rigby: His y The Disappearance of Eleanor Rigby: Hers.

Ambos guiones están escritos por Ned Benson, quien también escribiera el guión de In Defiance of Gravity, dirigida por Cassandra Kulukundis, quien también dirige este doble proyecto. Kirk D’amico, responsable de Myriad Pictures se ha apresurado a recalcar que no se trata de un película y su secuela, de hecho, no importa el orden en el que se vean las películas. La propuesta no pretende pues repetir aquel experimento de Robert Rodriguez y Quentin Tarantino, que bautizaran con el nombre conjunto de Grindhouse, sino que parece estar más cercano al espíritu de la propuesta de Clint Eastwood con Flags of Our Fathers y Letters from Iwo Jima, salvo que con una historia que probablemente tenga muchos más puntos en común. Lo que parece bastante probable es que en la banda sonora de la película podamos escuchar la famosa canción de The Beatles, que también nos dará una pista sobre los problemas de esa pareja.

- Soy un dios.
- ¿Eres Dios?
- Soy un dios. No “el” Dios. Creo.
- ¿Por qué has sobrevivido a un atropello?
- ¿Van a pedir ya?
- No sólo sobreviví a un atropello. No sólo exploté ayer. He sido apuñalado, envenenado, congelado, ahorcado y quemado y cada día me despierto sin un solo rasguño. Soy inmortal

La historia de Groundhog Day nos traslada al pequeño y nevado Punxstawnwey, donde cada dos de febrero se celebra el Día de la Marmota. La tradición dice que la marmota puede determinar cuánto tiempo queda de invierno. Phil Connors (Bill Murray), es el hombre del tiempo de una cadena de televisión que se desplaza hasta Punxstawnwey para cubrir la noticia. Una tormenta de nieve le obliga a pasar la noche en la localidad junto a su cámara y su productora (Andie MacDowell). Al despertar descubre que sigue siendo el Día de la Marmota. Todo se repite menos él, la única persona que parece ser consciente de lo que pasa. El tiempo pasa pero Phil vive siempre el mismo día.

La película se estrenó en 1993 y se convirtió en un clásico instantáneo. Dirigida por Harold Ramis, con guión del propio Ramis y Danny Rubin; cuenta con un reparto solvente y armónico encabezado por Bill Murray y Andie MacDowell, que se ven acompañados por Chris Elliott, Stephen Tobolowsky, Brian Doyle-Murray y Marita Geraghty.

Podría estar horas hablando sobre esta película, pero vamos a resumir los puntos básicos que la convirtieron en un éxito y en una obra de culto. Groundhog Day es recordada y venerada por muchos que año tras año celebramos el Día de la Marmota con una sonrisa en el rostro.

Bill Murray

En 1993 ya era un actor de sobra conocido para el gran público gracias a su participación en Ghostbusters (1984), su secuela, y un puñado de comedias de cierto éxito. Harold Ramis consideró a Steve Martin, Tom Hanks y Chavy Chase para el papel protagonista pero hizo una apuesta personal por Bill porque le parecía que tenía el punto de cinismo y sarcasmo que necesitaba el personaje de Phil Connors. El director recuerda que cuando trataba de explicarle una escena, Bill lo interrumpía y preguntaba:

Solo dime: ¿Phil bueno o Phil malo?

Una vez vista la película es imposible imaginar a otro actor para encarnar a Phil. Hay que reconocer que Bill Murray está genial, transmite toda la incredulidad, desesperación y frustración de su personaje maravillosamente. Y no se queda ahí, porque la evolución emocional de Phil es lenta y sutil. El actor con maestría y sin caer en la sobreactuación nos regala la que tal vez sea la mejor interpretación de su carrera.

Murray es un actor al que por desgracia se ha menospreciado, pero es un hombre versátil capaz de expresar y transmitir emociones y estados de ánimo sin apenas esfuerzo. No todos los actores logran ese nivel de simplicidad interpretativa.

Los temas

Puede parecer una película menor pero lo cierto es que encierra un discurso filosófico de lo más sugestivo donde confluyen temas tan relevantes como la esencia del tiempo, el sentido de la vida, el suicidio, la existencia de Dios o el destino.

Al principio Phil se aprovecha de su situación, abusa de los demás, roba, busca su bienestar. Cuando se cansa, porque ese estilo de vida y esa conducta, a la larga no le hacen feliz, decide suicidarse. Sin embargo tampoco puede morir, le vemos acabar con su vida de múltiples maneras. El sueño del ser humano de ser inmortal para él es una terrible maldición, no hay escapatoria.

Durante todo el tiempo que permanece en Punxstawnwey su libre albedrío permanece intacto, actúa con libertad y solo cuando hace lo correcto, cuando deja de mirarse el ombligo y se preocupa por los demás; entonces Dios, el destino o el universo accionan el normal flujo del tiempo.

El amor, Phil aprende a amar, ya no sólo a Rita sino que también a los demás. Sin embargo sería imposible que se diese ese sentimiento hacia los otros si no empezara por amarse a si mismo. Cuando conocemos a Phil es un hombre gris, huraño, resentido y cínico. Las experiencias que va acumulando en ese interminable Día de la Marmota lo transforman, aprende a valorar las cosas buenas de la vida, a valorar la compañía de la gente y los lazos que nos acercan los unos a los otros. Phil se descubre a si mismo como un ser humano completo, capaz de dar y de recibir amor.

Ned Ryerson

Stephen Tobolowsky es el inolvidable secundario cómico que esta película necesitaba. Ned es un antiguo compañero del colegio de Phil, es un vendedor de seguros todo sonrisas y buen humor. Un pesado que Phil desea evitar. Todos tenemos algún Ned en nuestras vidas y en algún momento desearíamos poder darles un puñetazo y escapar corriendo. Bing.

Hace poco les contábamos sobre el nuevo proyecto de Darren Aronofsky, Noah, que retratará la épica historia de Noé. Tras anunciar que Fassbender podría interpretar al patriarca si podía hacer espacio en su apretada agenda, Deadline informó ayer por la noche que finalmente el director de Cisne negro expresó su deseo de llegar a un buen acuerdo con el actor de Gladiator, Russell Crowe, para interpretar el rol principal de este personaje bíblico.

Actualmente Crowe se encuentra filmando en manos de Allen Hughes el thriller dramático Broken City y tiene ya en post producción cuatro títulos más entre los que se cuentan Man of Steel, donde interpreta a Jor-El y Les Miserables en la que da piel al obsesivo inspector Javert. Si bien aun no hay contratos firmados de por medio, las fuentes parecerían coincidir que Aronofsky llegará a buen puerto con el actor para una producción que cuenta en mano con casi 100 millones de presupuesto.

Pero Aronofsky no solo quiere al actor de Master and Commander sino que además se mostró interesado en conseguir el sí de Liam Neeson para el papel del villano, un personaje que se encargará de echar por tierra cualquier creencia sobre una posible inundación que borre a la humanidad de la faz de la tierra y quien pondrá en ridículo al pobre Noah en cuanto al plan de construir un arca.

Neeson, por su parte se encuentra gozando de una excelente acogida de su reciente estreno, The Grey, y tiene ya a punto de salir Wrath of the Titans en la que interpreta a Zeus. Eso sin contar que en post producción se encuentra una de las más esperadas producciones del año en la que interpreta a Ra’s Al Ghul: The Dark Knight Rises.

Noah es un proyecto en el que Aronofsky se encuentra trabajando hace años pero que recién ahora puede ver la luz gracias a que la Paramount accedió a financiarla. En el 2008 decía el director con respecto a este proyecto:

Es el fin del mundo y la segunda nave más famosa luego del Titanic. Asique no sé porqué ningún estudio no querría hacerla. Creo que es cuestión de tiempo porque trata sobre un apocalipsis ambiental lo que lo vuelve uno de los temas más grandes, para mí, ahora mismo ya que es lo que está sucediendo con este planeta. Entonces creo que abarca temas grandes, temas que conectan con nosotros. Noé fue el primer ambientalista. Es un personaje interesante. Afortunadamente me dejarán hacerla.

Personalmente, y aunque me guste mucho más Fassbender como actor que Crowe, no puedo dejar de admitir que para este papel y para lo que parece será una megaproducción, la posibilidad de ver al gradiador junto a Neeson me parece impagable. Habrá que esperar si llega todo a términos más firmes, pero la opción me gusta más. ¿Ustedes qué piensan?

Lionsgate acabe de lanzar un nuevo trailer para The Hunger Games, el film adaptado de la exitosa novela homónima de Suzanne Collins, primera entrega de una trilogía, dirigida por Gary Ross.

La película será lanzara también en salas IMAX y como ya casi todos los fanáticos que hemos leído el libro sabemos, cuenta con un reparto bien llamativo: Jennifer Lawrence como la valiente Katniss, protagonista de la historia, Josh Hutcherson como Peeta, Liam Hemsworth, Woody Harrelson como el alcohólico ex triunfador de los mortales juegos, la bellísima Elizabeth Banks, el cantante y ocasionalmente actor Lenny Kravitz, Stanley Tucci quien interpreta a un extravagante conductor televisivo que aparece en el trailer y Donald Sutherland como el temible presidente de Panem, lugar donde transcurren los hechos.

Como curiosidad que quizá algunos no sepan, esta historia publicada por primera vez en el 2008, tiene un argumento inmensamente parecido a Battle Royale, film japonés del 2000 dirigido por Kinji Fukasaku también basado en una novela de Koushun Takami. En esta se cuenta cómo el gobierno japonés obliga a muchachos del 9º año de secundaria a batirse en un sangriento juego conocido como Battle Royale. Además de haber sido llevada al cine, contó también con una adaptación en manga.

Pero sin ánimos de entrar en comparaciones, el film es sin dudas una de las producciones de las que más pendientes se está este año. El estreno en USA y Argentina será en Marzo, mientras que en España se la espera, siempre que no surjan cambios de última hora, en Abril y promete ser un verdadero éxito.

El tráiler que veremos a continuación tiene algunas de las escenas que ya vimos en el anterior y se agregan algunas más que dan una cuota más de acción a lo que vimos hasta ahora. Tenemos algún que otro personaje, como Caesar interpretado por Tucci, al que podemos conocer un poco más y sobre todo muchas escenas llenas de adrenalina.

Si de mi dependiera, ya estaría enviando al FBI a las oficinas de Millenium Films, Nu Image FIlms y Winkler Films, principales responsables de producir Trespass. De la misma manera que detuvieron a los trabajadores de Megaupload, entiendo que deberían detener también a Joel Schumacher, director del bodrio, y Karl Gajdusek, principal responsable de haber robado idea, planteamiento, escenarios, personajes y hasta diálogos de la película española Secuestrados, que dirigiera Miguel Ángel Vivas según guión propio escrito junto a Javier García. Y aquí debería concluir la crítica de Trespass porque no hay nada más que decir, salvo que si la película española provocaba una tremenda sensación de angustia y terror en el espectador al evidenciarse la facilidad y rapidez con la que un grupo de desalmados eludían cualquier sistema de seguridad, queda claro que los estadounidenses saben perfectamente como encajar ese tipo de situaciones. ¡Ja!

Precisamente la primera sensación terrorífica que se experimenta en Trespass se produce en el momento en que ves el coche y la casa del protagonista, que provoca el efecto contrario que en Secuestrados pues estás deseando que les destrocen la cara. Pero, no. La cara ya la tienen destrozada porque la película está protagonizada por las dos momias peor restauradas de Hollywood: Nicol & Nicol (¿no se les habrá ocurrido formar un dúo musical?). Perdón por la broma, quería decir Nicolas Cage y Nicole Kidman. Sin duda los directores de casting de la película eran unos auténticos cachondos. Pero si los protagonistas con los que se supone que nos tenemos que identificar son un cuadro físico, no esperen mucho más del retrato psicológico de los chicos malos de la película. Auténticas caricaturas de camellos, drogadictos y enfermos mentales que con su torpeza todo les sale absolutamente mal.

Trespass brilla por su total ausencia de verosimilitud y lo peor de todo, por su empeño en explicar cosas innecesarias, que encima resuelve fatal. Todos y cada uno de los flashbacks con los que se nos tortura no sólo no aportan nada, sino que dejan clara la incapacidad de los artífices de la película para convencernos de nada. Lo pero de todo es que pretenden justificar sus motivos para convertirse en criminales de ultra pacotilla y que utilizan un discurso inconcebiblemente manipulador al recurrir a falsos flashbacks ¿debería denominar este recurso como una influencia nefasta de C.S.I.?

¿Y quien se va a creer que con esa cara ella solita iba a haber diseñado la casa? ¡Por favor! Si salta a la vista que no ha sabido diseñar su cara. ¿Cuando dicen que salen las nominaciones a los premios Razzie? Trespass tiene todos los boletos para arrasar en todas y cada una de las categorías, incluso hasta en la de copiar y pegar, porque no han sabido mantener las virtudes de una propuesta como Secuestrados. ¿Habrá nominación para el maquillaje y peluquería? ¡Que incluyan a los cirujanos, por favor! ¿Cuantos bodrios consecutivos tiene que hacer un director como Joel Schumacher para que dejen de contratarle?

Te propongo un juego. Yo te digo nombres de actores y títulos de películas y tú tienes que tratar de unirlos. Sin duda para muchas proyectos es muy importante el nombre del actor con el que se asociará su película, sobre todo cuando tienen el rodaje a la vuelta de la esquina, como aquel que dice. Tampoco deben tomar muy a la ligera una tarea que después les servirá para una mejor promoción de la película, por eso es vital conseguir nombres como los de Gary Oldman, Al Pacino, Colin Firth, Christopher Walken, Ed harris, Alan Arkin o John Hawkes para encabezar los repartos de títulos en preparación como Stand Up Guys, The Devil’s Knot, Motor City, Pain and Gain o Switch. Quizás con tan pocos datos sea un juego algo difícil, así que os daré algunas pistas.

Stand Up Guys

No uno sino tres de los anteriores nombres encabezan el reparto de esta película que planea dirigir Fisher Stevens, conocido actor televisivo quien se hiciera con un Oscar por sus labores como productor del documental The Cove. En este caso se trata aborda una comedia de acción cuyo rodaje comenzará en abril en Los Angeles.

Según un guión escrito por el primerizo Noah Haidle, conocido anteriormente como Old Timers, el argumento trata de dos viejos amigos dedicados a turbios negocios, de los que uno ha sido contratado para matar al otro. Decididos a disfrutar de una última noche de locura juntos, aprovechan esos momentos para reflexionar sobre sus propias vidas. No vas nada desencaminado si has pensado en Christopher Walken como uno de los amigos y en Al Pacino como el otro. Has acertado de pleno y a ellos se uniría Alan Arkin en el papel del policía que va detrás de ambos. Aunque lo cierto es que no importaría si el policía fuera Al Pacino o Christopher Walken y los otros dos se repartieran los criminales. Funcionaría igual de bien.

The Devil’s Knot

De corte menos comercial, pero con actores perfectamente conocidos, arranca el nuevo proyecto del cineasta canadiense Atom Egoyam, que gira en torno a una historia real sobre tres adolescentes que fueron llevados a juicio en 1993 por el asesinato de un muchacho de ocho años, condenados y encarcelados a pesar de no haberse encontrado pruebas físicas de su implicación. Una polémica historia que se diera a conocer en el documental Paradise Lost, al que continuaran dos secuelas, Paradise Lost: Revelations y Paradise Lost 3: Purgatory, y a los que hay que sumar un documental alternativo dirigido por Amy Berg: West of Memphis.

Qué duda cabe que el que fuera director de filmes tan complejos como The Adjuster, The Sweet Hereafter o Felicia’s Journey está altamente cualificado para abordar un proyecto de estas características. Por eso se encuentra ya trabajando en el guión que escribieran originalmente Scott Derrickson y Paul Boardman -Love in the Ruins, Urban Legends: Final Cut, Hellraiser: Inferno, The Exorcism of Emily Rose- con la idea de comenzar a rodar este verano en Louisiana.

Reese Witherspoon interpreta a la madre de la víctima que si en un principio estaba convencida de la culpabilidad del trío sospechosos, finalmente acabó persuadida de que les habían acusado injustamente. ¿Se te ocurre algún actor indicado para este proyecto? Si has pensado en el que fuera ganador del Oscar al mejor actor el año pasado has acertado porque el británico Colin Firth será el investigador privado que se pusiera a favor de la inocencia de los tres acusados.

Motor City

Dominic Cooper -An Education,Tamara Drewe, Captain America: The First Avenger, My Week with Marilyn- y Amber Heard -Zombieland, The Ward, Drive Angry, The Rum Diary- ya integran el reparto de esta película sobre un ratero de tres al cuarto al que engañan y envían a prisión. Cuando es liberado decide vengarse de los que le engañaron. Cooper es el pardillo con sed venganza y Heard será su novia.

Si añado que dirige Albert Hughes no te constará demasiado escoger entre los nombres citados el de Gary Oldman, nominado este año por Tinker Tailor Soldier Spy, y que ya fuera antagonista de Denzel Washington en Book of Eli, la apocalíptica película dirigida por Hughes. Oldman se encuentra actualmetne en negociaciones para interpretar al papel del capo que maneja los hilos.

Pain and Gain

Varios culturistas de Miami conspiran para secuestrar, robar y asesinar a un rico empresario. Pero como a mayor testosterona menor capacidad intelectual, la banda abandona el cuerpo del empresario dándole por muerto, solo que no lo está. Tras recuperarse en secreto, decide contratar los servicios de un detective privado para localizar a sus raptores y vengarse de ellos. En este caso basta con decir que dirige Michael Bay y que, a pesar de que Paramount y Hasbro querrían hacer una nueva entrega de Transformers, el director de Armageddon y Pearl Harbor prefiere volver a trabajar con un actor con el que coincidiera en The Rock.

No estando Nicolas Cage ni Sean Connery en la lista previa, estaba claro que en este caso será Ed Harris quien le plante cara a Dwayne “The Rock” Johnson, que también está ligado al proyecto. Con un guión escrito por Christopher Makus y Stephen McFeely -The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe y sus secuelas, Captain America: The First Avenger-, todo está previsto para comenzar a rodar en primavera.

Switch

¿Cómo te quedas si te cuento que están preparando la precuela de Jackie Brown? Desarrollada quince años antes que la película protagonizada por Pam Grier, la idea es seguir la carrera criminal de Ordell y Louis cuando hacen equipo para secuestrar a Mickey Dawson, la esposa de un constructor corrupto de Detroit. Cuando el marido de la secuestrada se niega a pagar el rescate por su mujer los ex-convictos están obligados a reconsiderar su plan, y la esposa enfurecida les utiliza para conseguir su venganza.

Se trata de la adaptación de otra novela de Elmore Leonard, Switch, que a estaba protagonizada por Ordell y Louis, interpretados por Robert De Niro y Samuel L. Jackson en la película de Quentin Tarantino. Dan Schechter adapta el guión y dirige la película, cuyo rodaje está previsto para mayo. Si uno de los dos secuestradores será Yasiin Bey (aka Mos Def), poco te costará adivinar que el otro será John Hawkes, que acaba de estrenar con éxito The Surrogate en Sundance y que estuviera nominado al Oscar al mejor actor secundario por Winter Bones. Si participaba en Martha Marcy May Marlene y en Contaggion, también podremos verle en Lincoln, por lo que ni deberíamos ni vamos a perderle de pista.

Los estrenos que tienen lugar por estas fechas son siempre los mismos: las películas que, en mayor o menor medida, tienen alguna nominación a los Oscar. Como los premios se entregan el 26 de febrero, las distribuidoras aprovechan estos dos primeros meses del año para estrenar las últimas películas que aún no haya llegado a la cartelera y así aprovechar el tirón mediático y la presión de medios y público con su opinión sobre la cinta. En muchos casos esto puede inclinar la balanza hacia una película u otra.

Así pues, como buena tradición anual que se repite metódicamente, este fin de semana también podremos disfrutar de alguna de las películas nominadas en las salas de nuestro país, menos en Estados Unidos, donde ya se han estrenado prácticamente todas las películas que parten como favoritas para hacerse con algún premio. En el resto llegarán Moneyball a España, The Iron Lady a Argentina y The Descendants a México, entre otras muchas, por lo que opciones no nos faltarán para elegir.

Estados Unidos

• The Woman in Black. (Estados Unidos/Reino Unido, 2012) Género: Fantástico, Suspense. Director: James Watkins. Reparto: Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds, Janet McTeer, Lucy May Barker, Mary Stockley. Argumento: Un joven abogado tiene que trasladarse hasta una recóndita provincia británica para atender las últimas voluntades de uno de sus clientes más adinerados. Una vez allí se topará con una intrincada red de misterios, en el centro de la cual reside una mujer de luto. En Extracine: Primeras imágenes | Tráiler | Cartel.

• Perfect Sense. (Estados Unidos, 2011) Género: Drama, Romance. Director: David Mackenzie. Reparto: Ewan McGregor, Eva Green, Connie Nielsen, Ewen Bremner, Stephen Dillane. Argumento: La película se centra en la epidemióloga Susan (Green), quien encuentra un paciente algo particular. Se trata de un camionero de Glasgow que ha experimentado en un momento de tristeza para luego calmarse, y darse cuenta que ha perdido el sentido del olfato. Susan se entera de que hay varios casos similares en otras ciudades próximas; y que incluso Gran Bretaña tiene más de 100 casos que han ido apareciendo en las últimas 24 horas. En Extracine: Tráiler.

• Chronicle. (Estados Unidos/Reino Unido, 2012) Género: Acción, Ciencia Ficción. Director: Josh Trank. Reparto: Dane DeHaan, Alex Russell, Michael B Jordan, Michael Kelly, Ashley Hinshaw, Bo Petersen. Argumento: Tres estudiantes de instituto y unos amigos hacen un increible descubrimiento, que les lleva a desarrollar unos superpoderes más allá de su imaginación. Poco a poco aprenden a controlar sus habilidades, y en un principio las utilizan en su favor, pero sus vidas empiezan a descontrolarse y sus lados más oscuros toman el control. En Extracine: Tráiler.

España

• Moneyball. (Estados Unidos, 2011) Género: Drama. Director: Bennett Miller. Reparto: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright, Chris Pratt. Argumento: Billy Beane es el director general de un equipo de béisbol de Oakland, que logra mantenerse en los primeros puestos de su categoría e incluso llegar a la final durante varios años consecutivos, y todo ello a pesar de contar con uno de los presupuestos más bajos de todas las grandes ligas. En Extracine: Tráiler 1 | Tráiler 2 | Crítica.

• The Muppets. (Estados Unidos, 2011) Género: Comedia, Musical. Director: James Bobin. Reparto: Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper, Rashida Jones, Emily Blunt. Argumento: Durante sus vacaciones en Los Ángeles, Walter, el fan número uno de los Muppets, y sus amigos Gary y Mary descubren que el hombre de negocios Tex Richman planea arrasar el Teatro de los Muppets para perforar y extraer el petróleo hallado debajo. Walter, Mary y Gary deciden reunir de nuevo a los Muppets y montar el mayor Telemaratón jamás visto para recaudar el dinero necesario para salvar el teatro. En Extracine: Tráiler 1 | Tráiler 2 | ¿Qué esperar | Crítica.

Argentina

• The Iron Lady. (Reino Unido, 2011) Género: Biopic, Drama. Director: Phyllida Lloyd. Reparto: Meryl Streep, Jim Broadbent, Anthony Head, Richard E Grant, Roger Allam, Olivia Colman, Nick Dunning, Julian Wadham, Alexandra Roach y Hugh Ross. Argumento: La historia sigue de cerca a Margaret Thatcher en sus años como Primera Ministra de Gran Bretaña. La historia se organiza a través de distintos flashbacks que cuentan la historia entre 1979 a 1990; incluyendo la Guerra de las Malvinas. En Extracine: Tráiler | Cartel | Crítica.

Argentina/México

• The Descendants. (Estados Unidos, 2011) Género: Comedia, Musical. Director: Alexander Payne. Reparto: George Clooney, Judy Greer, Shailene Woodley, Matthew Lillard, Beau Bridges, Robert Forster, Mary Birdsong, Rob Huebel, Michael Ontkean, Troy Manandicm, Scott Morgan, Milt Kogan, Nick Krause. Argumento: Matt King está casado y es padre de dos niñas pero su vida dará un drástico giro al morir su mujer en un accidente de barco. Intentará así recomponer su vida familiar y, a la vez, reorganizar sus posesiones y sus herencias. En Extracine: Cartel y tráiler | Tráiler 2 | Crítica.

México

• Machine Gun Preacher. (Estados Unidos, 2011) Género: Acción, Crimen. Director: Marc Forster. Reparto: Gerard Butler, Michelle Monaghan. Argumento: Sam Childers es un hombre común y corriente, que está desperdiciando su vida. Al descubrir que la religión le puede ayudar, viaja a África para ayudar a otras personas menos afortunadas y así intentar lavar su conciencia. Una vez allí descubrirá que existen otros problemas más graves, y mucho más difíciles que afrontar, que el hambre o la pobreza. Él es el único que intentará solucionarlo, aunque para ello tenga que arriesgar su propia vida. En Extracine: Tráiler | TIFF 2011.

• The Double. (Estados Unidos, 2011) Género: Suspense, Acción. Director: Michael Brandt. Reparto: Richard Gere, Odette Yustman, Martin Sheen, Stephen Moyer, Topher Grace. Argumento: La película comienza con el asesinato de un senador en Washington a manos de un espía ruso. Un agente de la CIA retirado (Richard Gere) se ve obligado a unir sus fuerzas con un joven miembro del FBI (Topher Grace) para atrapar al criminal. En Extracine: Tráiler.

IMPORTANTE: Los estrenos quedan sujetos a cambios de última hora

No dudo que muchos se sorprenderán de que escoja la película con la que se diera a conocer Jennifer Beals en 1983 como uno de mis placeres culpables. Segunda película dirigida por Adrian Lyne, la película fue todo un éxito de público que no sólo sirvió para impulsar la carrera de su protagonista, sino también la de su director que todavía cosecharía un mayor éxito con Nine ½ Weeks. Si quizás esta me gustaría más desde un punto de vista cinematográfico, encuentro un auténtico placer inexplicable cuando alguna vez he revisado Flashdance. Ningún problema con que sea una película pop o que tenga esa onda romántica. Tampoco tiene nada que ver con que sea un musical, que por cierto se llevara el Oscar a la mejor canción, Flashdance… What a feeling, con música de Giorgio Moroder e interpretada por Irene Cara. Entonces, ¿por qué me siento culpable?

El problema lo tengo, sin ninguna duda con su director: Adrian Lyne. Si se a lo largo de su breve trayectoria -ocho largometrajes en treinta años no es demasiado- acabaría revelándose como un retrógrado conservador que pretendiera erigirse como el defensor de la moral correcta y verdadera en todos y cada uno de sus títulos posteriores, por lo que me cuesta reconocer que me la metiera doblada con Flashdance. Echaré la culpa a que la vi cuando era adolescente. Básicamente, lo que quiero decir es que en su momento me pareció muy simpática la historia de una soldadora cuyo sueño es convertirse en bailarina, para lo que se entrena en un club de pseudo streap-tease con una clientela de dudosa moralidad y conoce a un atractivo joven que se quiere “sacarle de la calle”. Es como si estuviéramos hablando de un precedente de Pretty Woman, pero mezclado con Fame, que era anterior. Salvo que aquí ella no está dispuesta a que él interceda en su favor, sino que quiere alcanzar su sueño por sí misma.

Visionados posteriores me han permitido percibir que por mucho que ese planteamiento inicial de mujer emancipada, con un trabajo tan masculino como soldadora, no es más que un falso envoltorio que esconde la típica historia de chica-conoce-chico y lo deja todo por él. Que es lo que finalmente acaba siendo la película porque, por mucho que la prueba final sea estupenda y ella consiga emocionar al tribunal y al público, la película termina con la chica en los brazos del chico, que es lo que se puede esperar de una mujer conservadora, católica y decente. ¿Creéis que después de pasar por el conservatorio hizo realmente carrera o se casó con su hombre y le dio unos hijos estupendos a los que les enseño solfeo?

Pero no me sorprende nada encontrar esta actitud de machismo soterrado en el argumento de Flashdance, cuando me entero de que su guionista no es otro que el inefable Joe Eszterhas, quien posteriormente se convertiría en guionista estrella de Hollywood gracias a su trabajo para Basic Instintc, otra película estupenda que esconde tanto machismo como lesbianas. Aunque lo mejor es descubrir que su productor no es otro que Jerry Brukheimer, uno de los productores detrás de las películas (y series de televisión) más machistas, conservadoras y retrógradas que ha dado el cine (y la televisión) en los últimos años. Luego no resulta nada extraño que con un par de esta guise acabe asociado un director como Adrian Lyne, quien a través de su propia trayectoria profesional se embarcaría en impartir lecciones de ética y moral. A saber:

• Nine ½ Weeks demostraba que si conoces a alguien y liberas una pasión desenfrenada no esperes que la relación dure más allá de dos meses,
• Fatal Attraction advertía terroríficamente sobre los peligros del adulterio,
• Jacob’s Ladder le quitaba hierro al asunto a los experimentos sobre drogas que se habían realizado con soldados en la guerra de Vietnam -poco más recuerdo de la película, salvo que esta ya me molestó mucho-,
• Indecent Proposal reincidía sobre la fidelidad en la pareja y lo malo que era un señor que pretendía acostarse con la mujer del prójimo quien acababan irremediablemente sólido por mucha pasta que tuviera y por muy bien que fornicara,
• Lolita ni me molesté en ir a verla, con la novela de Vladimir Nabokov y la película de Stanley Kubrick tengo más que suficiente, no necesito que un mojigato me diga que está mal quedarse colgado de una adolescente,
• Unfaithful, de esta ya ni te cuento, con un título tan explícito no puedo ni imaginarme lo que pretendía de contar, a pesar de que fuera una adaptación de un filme de Claude Chabrol.

Siempre me he preguntado ¿cómo es que a nadie se le ha ocurrido nunca abrir un club con un escenario como ese? Claramente el diseñador de producción, Charles Rosen, tan sólo respondía a unas necesidades prácticas para que no se viera la cara de la bailarina mientras hacía su número musical, por eso colocaba un gran panel iluminado desde atrás que favorecía el contraluz que impedía que el espectador se diera cuenta de que la que bailara no era realmente Jennifer Beals. Si el resultado era elegante y efectivo a la vez que novedoso y rompedor, en realidad también respondía a una tendencia de la época, de la que se aprovechaba igualmente su director de fotografía, Donald Peterman, que llenaba toda la película de fuertes claro-oscuros, aun cuando estaban en penumbra, como sucede en la secuencia del baile final. Y es que si la Flashdance pierde la batalla en moralidad, lo cierto en que la gana en estética, sobre todo cuando de cine de los años ochenta estamos hablando pues es absolutamente representativa de esa época.

No puedo remediar disfrutar con todos y cada uno de los números musicales de Flashdance, incluyendo el momento en que van al gimnasio y se escucha el mítico tema I Love Rock and Roll, interpretado por Joan Jett & The Blackhearts, y aunque la canción de la banda sonora que más me gusta sigue siendo el que interpreta Michael Sembello, Maniac, como casi la mayoría de los mortales una de las coreografías que más me gusta es la del tema He’s a Dream. Verdaderamente quizás lo que más me gusta de Flashdance sea su banda sonora, o sus números musicales, pero en cualquier caso, tampoco me importa.

Como antes os hemos comunicado ya se ha lanzado el primer TV Spot de la película The Avengers, y ahora le toca el turno a G.I. Joe: Retaliation. Ambos tráilers se han realizado para aparecer el día de la Super Bowl, que será seguido por millones de telespectadores ya que es mundialmente reconocido. En esta ocasión no sólo hablamos de 10 segundos, sino que para G.I. Joe han decidido extenderse un poquito más. 30 segundos de tráiler que harán las delicias de todos los que esperamos arduamente esta película.

G.I. Joe: Retaliation es una de las películas más esperadas del 2012 y suponemos que tendrá prácticamente la misma aceptación por parte de los usuarios de cine. Aunque no atrae al mismo espectador que las películas de acción y las de superhéroes, ya que la franquicia tiene su propio público desde hace años, estos suelen ser fieles seguidores de la historia. Esperemos que con esta película sigan así.

En la cinta podemos ver a los actores Channing Tatum, Adrianne Palicki, D.J. Cotrona y Bruce Willis.

La película se estrenará el 29 de junio de este año.

Las primeras imágenes de la nueva adaptación cinematográfica de Anna Karerina ya han aparecido. No es la primera vez que la inmortal obra de León Tolstoi es llevada al cine. Esta vez la dirección corre a cargo de Joe Wright, conocido por Atonement y Hanna; y los tres actores principales son la etérea Keira Knightley, el ya consagrado Jude Law y la joven promesa Aaron Johnson (Kick-Ass). Ellos forman el triangulo amoroso en el que se centra la historia, mujer, marido y amante. El guión ha sido escrito por Tom Stoppard (Shakespeare in Love) y cuenta como una aristócrata atrapada en un matrimonio infeliz con un hombre mucho mayor se enamora perdidamente de un joven militar. Ese romance supondrá un escándalo que tendrá dramáticas consecuencias.

Wright ha decidido apostar en esta nueva adaptación por el riesgo estético. Valientemente ha rodado toda la película en un solo escenario, un teatro situado a las afueras de Londres mientras que el mundo exterior se simula con casas de muñecas y trenes de juguete. Dicho así suena bastante peculiar, tendremos que esperar al estreno de Anna Karenina para ver el resultado. Wright ha explicado a diversos medios de comunicación que ha elegido esta propuesta visual porque así puede reflejar con mayor detalle y precisión el tema central de la novela del ruso. El productor de la cinta, Paul Weber, ha explicado que esto permite “un universo elástico” para el desarrollo del drama.

Esta película supone la tercera colaboración entre Wright y Keira Knightley; si con Pride & Prejudice y Atonement la actriz consiguió multitud de nominaciones y premios por estos dos trabajos es bastante probable que su interpretación en Anna Karenina también le reporte muchas alegrías. Knightley afirma que esta será “la versión más teatral” que se haya hecho de la novela.

El estreno está previsto para el próximo 7 de septiembre.

Foto: What Culture

Ayer fue un día muy especial para los fanáticos del cómic que esperan ver con ansias la llegada de The Avengers, pues se sabía que vía Twitter el director Joss Whedon junto a los actores Samuel L. Jackson, Tom Hiddleston y Clark Gregg, estarían respondiendo preguntas así como revelando diez segundos de lo que próximamente se verá como el trailer del film durante la emisión del Super Bowl.

Dentro del ping pong de preguntas y respuestas, el director dejó muy en claro que los rumores sobre el posible cameo de Spider-man eran completamente falsos: No hay Spider-Man, aseguró. No obstante a la pregunta de cuál personaje que no entrara en la historia le gustaría haber podido incluir, respondió que era un gran fanático de The Wasp. Si bien es un personaje que realmente sería fantástico ver junto a estos vengadores, muy bien conjetura Adam Chitwood desde Collider que Marvel seguramente rechazó la idea para centrarse en personajes más conocidos por el público en general.

Uno de los anuncios importantes que también hicieron por este medio, fue que si bien el film será estrenado en Mayo en 3D, estaban remasterizando la cinta para adaptarla al formato de las pantallas IMAX. Notición para aquellos que quieran disfrutar de la película en proporciones épicas.

Una de las preguntas interesantes que plantearon a Whedon fue si el argumento estaría relacionado con alguna de las clásicas historias de The Avengers:

Es un plato combinado: clásico, extremo, un poco de “Richie Rich” y “Mastering the Art of French Cooking”.

En honor a la verdad, Whedon sorteó las preguntas con mucha maestría para no revelar cosas importantes, sin embargo Samuel Jackson y Tom Hiddleston aportaron un poco más al tema de las caracterizaciones. El primero explicó que se verá a Nick Fury y Smulder interactuando todo el tiempo de una manera controversial pero aseguró que no habrá ninguna historia sobre el pasado de Fury aun. Mientras, Hiddleston comentó que Loki será un personaje en el que no se focalizará tanto la idea de la venganza sino más bien la de la propia identidad; pero detalló que lo veremos:

“Más travieso. Más malvado. Más arrogante. Más delirante. Más dañado. Más agresivo.

Finalmente agregó que Loki estará buscando en sí Pertenecer. Un porpósito. Autoestima. Todo a través de sueños delirantes. Y para acrecentar la ansiedad de los twitteros antes de desconectarse publicó algo tan llamativo como:

Por cierto… AL FINAL, CADA UNO TERMINARÁ POR SU CUENTA.

Durante el encuentro twittero también hubo publicaciones de fotografías en “vivo” que pueden ver visitando los perfiles de los participantes en @Avengers @clarkgregg, @SamuelLJackson, y @twhiddleston.

Enero se nos planteó como un mes difícil. Gran cantidad de festivales, nominaciones al Oscar y una variedad de visionados que provocó un dolor de cabeza para acordar los 5 puestos de la lista. Films popularísimos y que el público ha acompañado como Drive y Crazy, Stupid, Love, que ya había integrado la lista de las mejores comedias del 2011, han tenido que quedar fuera, y no porque algo tengamos contra el pobre Gosling. Un pequeño empate nos obliga a considerar en el mismo puesto a dos films a tener en cuenta si aun no los habéis visto: The Future y Violeta se fue a los cielos.

5. Midnight in Paris

Woody Allen nos hace viajar no sólo a la encantadora París sino también al pasado, al corazón del arte, llevados de la mano de un personaje que sorprendentemente interpretado por Owen Wilson es una emulación excelente del neurótico director. Un guionista puesto a desarrollarse como novelista termina descubriendo una puerta al Paris de los locos años ‘20, sus referentes culturales y lo que podría ser el amor de su vida mientras trata de manejar un presente bastante insatisfactorio. Mr. Allen no deja de plantearse cosas, aquí lo hace con una enternecedora comedia romántica que aunque muchos apuntan que no es lo mejor de su filmografía puede robarle el corazón a cualquiera.

4. The Artist

Y seguimos en Francia. Una de las películas más multipremiadas y con más nominaciones a la próxima entrega de la estatuilla dorada. Esos films que amas u odias aun cuando la crítica general la ha puesto por las nubes. Una historia sobre cómo el cine mudo y su paso al cine sonoro cambia por completo la vida del artista. Interpretaciones memorables, curioso hasta cómo ha pegado el personaje del perro en los espectadores, y una osadía descomunal para un director más experimentado en TV que en la gran pantalla.

3.The Descendants

Alexander Payne logra un drama con toques tibios de comedia muy bien acabado para contar la historia de una familia a punto de desbarrancarse no sólo por un terrible accidente que deja a la madre en coma sino también, y sobre todo, por un secreto muy bien guardado. Otra de las que parecen ser las preferidas de estos próximos Oscars que ha conformado a los espectadores en general aun cuando no sea el mejor papel de George Clooney. Si algo hemos aprendido con este film es que aun en paraísos terrenales como Hawai puede uno sufrir con ganas.

2. The Future | Violeta se fue a los cielos

Dos dramas diferentes entre sí pero que no pueden obviarse. The Future y Violeta se fue a los cielos comparten un segundo puesto muy merecido. La primera, dirigida y escrita por Miranda July es un ejercicio de reflexión sobre la vida y la forma en que la vivimos, un grito de carpe diem original en su narrativa y en sus personajes, un punto de partida para el drama como es la incorporación de un gato a la familia logra una exquisita pintura sobre la vida que se lleva hoy día.

La segunda es un retrato de la cantante Violeta Parra dirigido por el chileno Andres Wood con la que ha logrado el Gran Premio del Jurado en Sundance. Basado en el libro que escribiera Angel Parra, hijo de la cantante, este film es un recorrido por la vida de Violeta, sus aciertos y sus errores con una narrativa deliciosamente poética. Excelente sobre todo la interpretación que de la cantante logra Francisca Gavilán.

1. Miss Bala

Y llegamos al primer puesto con Miss Bala, film dirigido por Gerardo Naranjo sobre la historia de una muchacha que sueña con participar en un concurso de belleza pero termina fatídicamente unida a un grupo de narcotraficantes que la llevará a vivir una pesadilla. El film que también ha recibido incontables reconocimientos en distintos festivales, incluso ha logrado una nominación a los premios Goya, no pudo hacerse un lugar camino al Oscar pero bien vale como una dura representación del México violento dominado por la droga. Extrema por momentos, Miss Bala ha ganado el primer puesto de este top de Enero muy merecidamente.

Algunas veces nos quejamos de la falta de originalidad de muchos cineastas a la hora de abordar nuevos proyectos. En los últimos tiempos las pantallas se han ido llenando de clones de aquellas películas que resultan ser rentables en taquilla. Unas veces zombies, otras vampiros, de repente todo son superhéroes y otras veces son invasiones extraterrestres. Sí. Pero de vez en cuando surge un cineasta con la capacidad de darle la vuelta a una fórmula manida y consigue cautivarnos con su visión personal de algo que ya habíamos visto.

Hace poco más de una década, cuando tan de moda se pusiera el terror japonés por obra y gracia de la fascinante Rindu, apareciera Takashi Shimizu con Ju-On, que grabara primero en vídeo para hacer después su secuela, con tal éxito que repetiría la misma pareja en formato cinematográfico, volviendo a adaptar su propuesta para el cine estadounidense con The Grudge y su secuela -como ellos ni saben japonés ni leer inglés.

El caso es que, quizás, yo mismo no prestara demasiada atención cuando, el otro día, Ana Belén nos presentaba una imagen de 7500. Se trata de un thriller paranormal que, a partir de un guión de Craig Rosenberg -After the Sunset, Half Light, The Uninvited-, vuelve a reincidir sobre lo que parece un encuentro con unas fuerzas sobrenaturales. En este caso la diferencia o particularidad de la propuesta se incrementa debido a que los sucesos extraños se producen en un avión con 273 pasajeros, en tránsito desde Los Angeles hasta Tokyo.

¿No decían que volar era el medio más seguro de viajar? Cualquiera lo diría después de echar un vistazo al teaser tráiler de 7500 en el que todo parece indicar que Takashi Shimizu va a saber utilizar todos los recursos a su disposición para hacernos pasar un rato estupendo pasando miedo.

7500 está protagonizada por Leslie Bibb -Iron Man, Law Abiding Citizen, Iron Man 2, Zookepper-, Ryan Kwanten -conocido por True Blood-, Amy Smart -Dead Awake, House of the Rising Sun, The Reunion, Columbus Circle-, Jerry Ferrara -Brooklyn Rules, Seven Days in Utopia- y Jamie Chung -Sorority Row, Grown Ups, Sucker Punch, The hangover Part II- y tiene como fecha de estreno el próximo 31 de agosto, por lo que todavía tienes tiempo de sobra para hacer tu reserva.

Justin Timberlake no fue el primer caso de cantante que se pasa al mundo del cine. De hecho, la mayoría de estos ejemplos acaban realizando un par de películas de más o menos éxito y o bien abandonando el cine completamente o quedando reducidos a películas de bajo presupuesto que aprovechan el tirón del cantante. Sin embargo, el caso de Timberlake parece ser especial, puesto que no deja de sumarse a proyectos, y cada uno de ellos más interesante que el anterior.

Desde luego haber trabajado con David Fincher en The Social Network ya era todo un paso adelante en su carrera cinematográfica, aunque aún quiere más. De hecho se ha sumado a dos nuevos proyectos, a cada cual más interesante. El primero de ellos es Inside Llewyn Davis, la próxima película de los hermanos Coen, donde compartirá reparto con intérpretes de la talla de Oscar Isaac, Carey Mulligan o John Goodman. Tampoco se conocen muchos detalles de la misma hasta el momento, pero que se hayan fijado en Timberlake para darle un papel es porque han visto algo interesante en él.

El segundo proyecto personalmente me parece más atractivo. Se trata de Trouble With the Curve, el regreso de Clint Eastwood ante las cámaras. Cuando todo apuntaba a que sólo se dedicaría a dirigir, llegó este proyecto donde interpretará a un veterano ojeador de béisbol que sus problemas de vista amenazan con retirarle. El papel de Timberlake será el del ojeador de los New York Yankees, rival de Eastwood. Parece ser que la relación entre los dos no quedará ahí ya que también vivirá un idilio con la hija de Eastwood, a la que dará vida Amy Adams.

La película no estará dirigida por el veterano actor, sino por Robert Lorenz, ayudante de cámara en muchos títulos suyos como The Bridges of Madison County, Mystic River o Million Dollar Baby. No se por qué me da que igualmente Eastwood también se encargará de parte de la dirección, aunque sólo sea como consejero.

Lo que está claro es que la carrera de Timberlake está en ascenso, y que cada vez se le toma más en serio en Hollywood. Lo malo es que tendremos que esperar para comprobar si realmente tiene ese talento que algunos directores ven en él o si quedará en un nuevo ejemplos de cantante/actor fracasado.

Hace ya algo más de un año que os hablábamos sobre el proyecto de Dredd. En ese momento, pudimos ver la primera imagen del actor Karl Urban, que es el que se pondría bajo la piel de Judge Dredd, protagonista de la cinta. Hoy, muchos meses después, podemos ver otra foto más.

Aunque esta nueva foto no nos sorprende, y aunque no tiene la calidad que esperábamos, ya que está extraída de un reportaje de revista, es hora de ir comenzando a hablar sobre la película, que podrá verse en los cines y en su versión 3D el 21 de septiembre de este año. Ocho meses más de espera para poder ver esta película tan esperada y tan fiel al perfil de actor de Karl Urban.

Suponemos que las imágenes que aparezcan sobre la cinta y que capten a Judge Dredd serán muy parecidas, ya que el traje evita que podamos ver mucho la interpretación que se encuentra debajo. Igualmente, tenemos ganas de ver más, quizá en las próximas fotografías veamos a Olivia Thrilby y a Lena Headey, que también aparecen en la cinta.

La película nos lleva a las calles de una ciudad salvaje. Mega City One está en problemas y Judge Dredd es el único que puede hacer que puede enfrentarse a la ley. Con esta película, el director da un giro al personaje, siendo un poco más oscuro y sombrío.

Si hay algo que destaca esta semana en general es la cantidad de estrenos que han desplazado a films muy bien posicionados tanto en Estados Unidos como España, México y Argentina. En el caso de esta última, el fin de semana supuso un recambio turístico que sin embargo no afectó demasiado la concurrencia a las salas. Por otro lado, Mission Impossible, Ghost protocol es totalmente desterrada de las primeras cinco posiciones dejando espacio para Man on a Ledge, el nuevo film de Sam Worthington.

Sherlock Holmes resiste aun cayendo algunas posiciones y el estreno de Underworld Awakening se cuela dejando muy debajo a cintas a las que se les tenía un poco más de fe. Llama la atención que dos comedias muy criticadas, como One for the Money en Estados Unidos y Peter Capusoto y sus tres dimensiones en Argentina, hayan tenido un apoyo popular que las coloca dentro de sus respectivas listas en las terceras posiciones.

Estados Unidos

The Grey parece arrasar en su estreno y se queda con el primer puesto que antes fuera ocupado por Underworld Awakening. Red Tails pierde dos posiciones y Man on a Ledge desplaza el último lugar que ocupaba Beauty and Beast 3D. Contraband y Extremely Loud & Incredible Close directamente desaparecen de entre las cinco primeras posiciones y como dijeramos se gana su lugar la nueva comedia protgonizada por Katherine Heigl.

1. The Grey
2. Underworld Awakening
3. One for the Money
4. Red Tails
5. Man on a Ledge

España

Se mantiene firme en su primer puesto The Descendants, el film nominado al Oscar que protagoniza Clooney. El detective cae pero no desaparece y el estreno de J. Edgard gana su lugar desterrando de la lista a la dama de hierro.Parece que las comedias tienen lo suyo, porque también vemos aquí que Jack & Jill se mantiene aun con un descenso de posición. Otro estreno que parece imbatible es Underworld Awakening logrando un segundo puesto.

1. The Descendants
2. Underworld Awakening
3. J. Edgar
4. Jack and Jill
5. Sherlock Holmes, a Game of Shadows

México

Desaparecen de la lista tanto Ghost Protocol como The Darkest hour y Sherlock Holmes. El estreno de la última entrega de licántropos contra vampiros hace descender a la chica del tatuaje una posición y se cuela la entrañable Hugo en un tercer lugar. Los pequeños espías, que ya cuentan con una cuarta entrega, quedan aun dentro de las más vistas con un descenso al último puesto.

1. Underwolrd Awakening
2. The Girl with a Dragon Tattoo
3. Hugo
4. Man on a Ledge
5. Spy Kids 4

Argentina

Como dijera al principio, Argentina tuvo su recambio turístico de verano. Unos van y otros vuelven de vacaciones y por lo general la asistencia a las salas decae un poco. Sin embargo esta vez los números se han dado muy bien y la lista de las más vistas tiene bastantes cambios. El estreno de Immortals se gana el primer puesto logrando que Sherlock caiga un lugar. Puss in boots queda fuera de las cinco primeras y The Muppets pierde dos posiciones. Mientras el estreno de J.Edgar queda entre las más vistas derrotando a la última de las misiones imposibles.

1. Immortals
2. Sherlock Holmes, a Game of Shadows
3. Peter Capusoto y sus 3 dimensiones
4. The Muppets
5. J. Edgar

Fuentes: BoxOfficeMojo | RentrakSpain | Canacine | Ultracine

Ya con su ópera prima Andres Wood se diera a conocer internacionalmente consiguiendo una Mención Especial al Mejor Director Debutante en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián por Historias de fútbol. Ganador de un Goya a la mejor película Hispanoamericana por La buena vida, y nominado también por Machuca, el cineasta chileno parte como favorito para recoger el mismo galardón, en este mismo año en el que su película, Violeta se fue a los cielos, ha recibido el Gran Premio del Jurado a la Mejor Película Dramática Internacional en Sundance.

Violeta se fue a los cielos es un bopic sobre la polifacética artista chilena Violeta Parra. No te preocupes si no te gusta su música o el folklore chileno. Ni siquiera necesitas haber oído hablar de Violeta, saber lo que hizo o lo que dejó de hacer. El guión de la película se encarga de fijar la atención sobre momentos muy puntuales de la vida de Violeta. Los mejores y los peores. Andrés Wood amplifica con elegancia y eficacia el relato elaborado por Eliseo Altunaga -colaborador habitual en los guiones de otras de sus películas. Ni juzga sus actos, ni toma partido por sus opiniones, permite que sea el espectador quien se forme su propia opinión sobre el polémico y controvertido personaje.

A través de un relato no lineal en el que pasado y presente se intercalan sin orden aparente, conoceremos a Violeta tanto por sus actos, como por sus obras y las explicaciones que se le pidieran tanto sobre sus logros artísticos, como sobre sí misma. Uno llega a pensar que debió ser muy difícil convivir con Violeta, pero para todos los que tuvieron la suerte o desgracia de sentir tal experiencia, indiscutiblemente mereció la pena.

Es innegable la fabulosa aportación de Francisca Gavilán en su portentosa interpretación de Violeta. La entrega a su personaje es de tal magnitud que logra trascender el tiempo y, no utilizando ningún tipo de maquillaje, logra que el espectador no llegue ni a plantearse la edad de Violeta en ningún momento, trasmitiendo perfectamente su edad emocional a través de la intensidad de su interpretación.

Otro de las grandes virtudes de la película es que a pesar del tono visual árido y realista con el que se muestran algunas de las secuencias, Andrés Wood consigue transformar un relato que pareciera construido en una dura prosa en una obra absolutamente poética y deliciosa. Una obra cargada de sentimientos y emociones que perduran y aumentan con el paso del tiempo. Porque la capacidad emocional de Violeta se fue a los cielos convierte la película en una experiencia tan tierna y entrañable como desgarradamente salvaje, que cautiva nuestros sentidos y se agarra irremediablemente y con fuerza a nuestros corazones.

Cada vez más las producciones independientes van colocándose en una mejor posición, no sólo de cara al público, sino también echándole el pulso al cine comercial que se hace en Hollywood. Si el otro día avisábamos sobre nuevos proyectos que comienzan su andadura hasta convertirse en película, hoy echamos un vistazo a algunas de las alianzas que se establecen en proyectos como Serena, Low Life y Only Lovers Left Alive, los nuevos proyectos de cineastas tan interesantes como Susanne Bier, James Gray y Jim Jarmusch

Serena

A algunos nos parecía improbable que Darren Aronofsky fuera a dirigir a Angelina Jolie en Serena, la adaptación de la novela de Ron Rash que nos sitúa en el Norte de Carolina en 1929, donde una pareja de recién casados se embarca en un proyecto para construir un imperio dedicado al sector maderero. Pero la ambición de la pareja es peligrosa y devoradora. No teniendo miedo a destruir o matar a los que se interpongan en su camino, tendrán que enfrentarse el uno contra el otro cuando Serena descubra que no puede tener hijos, lanzando una venganza mortal contra el hijo ilegítimo de su marido.

Si tanto Aranofsky declinaba finalmente dirigir la película, Jolie tampoco se embarcaba en el proyecto, surgiendo ahora nuevos nombres que les sustituyan. Susanne Bier, ganadora del Oscar a la mejor película extranjera y el premio a la mejor directora europea por Heavnen (In a Better World), reemplaza al director de Black Swan. Y todo pinta a que ganaremos con el intercambio de Angelina Jolie pues veremos a Jennifer Lawrence en la piel de Serna, quien se diera a conocer en un título de ambiente muy parecido, Winter Bones, con el que consiguiera una nominación al Oscar. Su antagonista será Bradley Cooper que tras el ascenso conseguido por The Hanover y sus secuelas ha disfrutado de un espectacular año, profesionalmente hablando, que le ha colocado entre los actores más rentables de 2011.

Low Life

Si eres de los que se quedaron turbados con Two Lovers, el drama romántico dirigido en 2008 por James Gray, sin duda estaréis encantados de saber que el cineasta neoyorquino ya está rodando de nuevo. Low Life será su quinta película, en la que será su cuarta colaboración con Joaquin Phoenix, quien tendrá como compañera de reparto a la cautivadora Marion Cotillard.

El director de Litle Odessa, The Yards y We Own the Light se enfrenta por primera vez al rodaje de una película de época cuyo argumento se centra en torno a una inmigrante polaca que viaja con su hermana a la isla de Ellis. Al enfermar esta última, la primera se ve obligada a hacer unos favores sexuales con el objetivo de conseguir medicinas y mantener viva a su hermana. Una vez en tierra, es coaccionada para guardar silencio sobre lo sucedido y aunque así lo hace, se le proporcionan unos papeles como inmigrante en los que se advierte que es una mujer de malas costumbres. Sin lugar donde ir, cae presa de un ratero que le persuade para trabajar juntos en Nueva York. Si la pareja formada por Phoenix y Cotillard resulta lo suficientemente interesante para encabezar el reparto de Low Life, a ellos se une también el estupendo Jeremy Renner.

Only Lovers Left Alive

Y si eres de los que se casaron con ganas de ver más de la unión profesional entre Jim Jarmusch y Tilda Swinton en The Limits of Control, estás de enhorabuena pues se ha confirmado que la protagonista de Io sonó l’amore se suma al reparto de Only Loves Left Alive. Se trata de un filme que sigue a dos vampiros que han sido amantes durante siglos. Con un presupuesto de casi un millón y medio de dólares y financiación europea y estadounidense, el reparto se completa con las estimulantes presencias de John Hurt, Mia Wasikowska y Tom Hiddleston.

Resulta irónico que un director de Ohio tenga que buscar productores en Europa, mientras que la danesa Susanne Bier se vaya ahora a hacer las Américas para realizar su próxima película. Pero es que los cineastas, como los demás mortales, tendrán que trabajar allá donde puedan.

Cuando una película nos habla del mundo del cine, de todo lo que no podemos ver tras las cámaras, de las producciones y entresijos del negocio, ciertamente tiene mucho terreno ganado. Es siempre curioso poder comprobar como una obra utiliza sus propios medios artísticos para hablar o bien de su arte o bien de su industria. Y eso siempre es algo que atrae a los espectadores desde el principio. Es como ver un documental cuando la historia, los intérpretes y la dirección son puramente ficcionales. Además existen numerosos ejemplos de este tipo de obras, y The Artist se ha convertido en uno de los más recientes.

Pero Michel Hazanavicius no ha querido introducirse en el mundo del séptimo arte desde una perspectiva actual. No pretende en ningún momento que el espectador sea capaz de conocer cómo se realizan esas grandes superproducciones que pueblan las carteleras, ni analizar cómo se crean esos efectos visuales que tanto nos asombran. El director vuelve a los orígenes, al cine mudo (en sus últimos años), a los grandes clásicos, a la esencia misma del cine que nos dejó tantísimas obras maestras que aún hoy se veneran. ¿Para qué? Personalmente opino que hay numerosos motivos: puede que nos quiera demostrar que el verdadero arte no está en avasallar al espectador con grandes efectos, sino en algo mucho más profundo, en la historia y en saber transmitirla de la forma más eficaz posible. Creo que nos quiere abrir los ojos, especialmente a los nuevos espectadores, sobre de dónde viene todo el cine que vemos hoy, que no crean que siempre ha sido así, sino que las bases que asentaron genios como Griffith, Chaplin o Murnau no se deben perder.

Lamentablemente, cada vez nos alejamos más de esa esencia propia del séptimo arte, de transportar al espectador a otros mundos inimaginables con los mínimos medios. Eso es lo que pretendían los grandes maestros del mudo, que en ningún momento sintieron que les faltara algo al no disponer de sonido sincronizado. Puede que lo que vivimos ahora sea una evolución lógica del arte, pero ¿realmente tiene que ser así? Un buen ARTISTA debería saber lo que es prescindible y lo que debe tener una obra para pasar a la historia, y creo que Hazanavicius lo sabe bien.

Lo malo es que lo sabe demasiado bien. Tiene tan claras sus influencias que no se molesta en aportar algo más trascendente a lo que ya había. Superar a los maestros es realmente difícil, pero es el punto negro que acompañará a la cinta. Pese a esto, es realmente fiel a sus ideas, a la concepción que tiene de la historia y sobre todo a cómo llevarla a la gran pantalla, y tiene algunos detalles que nos hacen trasladarnos automáticamente a finales de los años 20 como el plano de apertura o el meditado uso de los carteles para los diálogos.

Es probable que haya espectadores que, desgraciadamente, se echen atrás ante la idea de ver una película muda de más de hora y media. Sin embargo, desde aquí animo a todos ellos a disfrutarla, puesto que transcurre de una manera muy fluida, con una historia interesante (aunque tampoco revolucionaria) donde encontramos todo tipo de sentimientos y con una gran banda sonora firmada por Ludovic Bource que hará las delicias de los más nostálgicos.

Inevitablemente, si hablamos del compositor, también hay que nombrar a dos pilares que sustentan el conjunto y que demuestran estar a la altura del reto: Bérénice Bejo y Jean Dujardin. Típicos personajes que se mueven en ambientes distintos pero unidos por el amor, tampoco son unas concepciones demasiado novedosas. Lo difícil es conseguir transmitir todas esas emociones sin articular ni una palabra: cuando creíamos que nadie sería capaz de conseguirlo, ellos consiguen sorprendernos. Todos los premios que les otorguen son completamente merecidos, y también debería haber una mención especial para el perro del protagonista, centro de prácticamente todos los momentos cómicos.

Pero si algo destaca por encima del resto en The Artist, es por el trabajo que realiza con el espectador. Además de narrarnos una historia muda, que nos llegue y nos interese, también nos hace sentir como esos espectadores a los que iban dirigidas las películas de finales de los 20. Y no sólo eso, sino que es capaz de transmitir la sensación que vivió el público de entonces cuando oía por primera vez a sus grandes estrellas en una película (Garbo talks!). Esa impresión quedan perfectamente plasmados en el final de la cinta, que sirve como nexo de unión entre todo lo que nos ha contado antes sobre el mudo y todo lo que tenía que venir después, ya con el sonoro.

Pero la película tiene muchísimo más: el análisis que hace del star-system, la absoluta verosimilitud que esconde en la historia, puesto que lo que acontece también sucedía en la vida real de los actores, el sospechoso parecido que tiene Jean Dujardin con Gene Kelly, tanto físicamente como en el epílogo. Para descubrirlas todas sólo hay que verla, disfrutarla sin prejuicios, dispuesto a ser trasladado a finales de los 20, cuando los grandes artistas explotaban todo el arte que tiene el cine.