Entre las críticas más consultadas esta semana sigue colándose algunos de los títulos participantes en Documenta Madrid, como El alcalde, aunque las más consultadas han sido, con diferencia, las de The Lords of Salem y The great Gatsby.

Rescates y recomendaciones

Inusuales han sido los rescates con los que nos habéis sorprendido esta semana, por un lado tenemos a Robin Williams y el trailer de World's greatest dad, muy en consonancia con un especial sobre 12 películas infantiles (y juveniles) se colaban entre las entradas más leídas de esta semana, así como otra lista, en este caso de cine argentino contemporáneo.

Entre las recomendaciones de esta semana, no podían fallar la guía sencilla por el festival de Cannes, dividida en 1 y 2, en las que hacemos un repaso por todas las películas que optan por la Palma de Oro. También destacamos la recopilación de cine indignado, a propósito del segundo aniversario del movimiento del 15-M, en el que recogemos las diferentes maneras en las que ha reflejado el cine tanto la crisis económica como su efectos en la sociedad y el descontento de la misma por la situación actual. Por último, ya concluido Documenta Madrid, Rafa nos regaló un par de estupendas entradas: una en la que Jaime Chávarri compartía detalles de El desencanto y una entrevista con Christine Cynn, una de las directoras de la película documental The act of killing, que se alzaba con el principal premio de Documenta Madrid.

Paseando por Hipertextual

Muy interesantes son las historias cinematográficas que nos encontramos paseando por Hipertextual, como todo lo que concierne al proceso de financiación de El cosmonauta, primera película española producida a través de crowdfunding. Y como no sólo de cine vive el cinéfilo, seguro que algunos querrán echar un vistazo al regreso de una serie mítica como 24 o S.H.I.E.L.D., una serie de Marvel para la ABC de la que nos hablaban en ALT1040.

Otros formatos acaparan también la atención de Cuchara Sónica, que nos ofrecía un repaso por los mejores momentos musicales de una serie como The walking dead o nos adelantaban que Thom Yorke, el líder de Radiohead, y Robert del Naya, uno de los integrantes de Massive Attack, colaboran en la composición de la banda sonora de un documental sobre la evasión fiscal en el Reino Unido, The UK Gold. Desde Ecetia comentan la sorprendente nueva adaptación de videojuegos que vemos en el cine, Angry birds, que llegará a los cines en 2016, y desde MonkeyZen nos nos sorprendían con noticia de que Joe Wright estaría siendo considerado para dirigir 50 shades of Grey, con la amenaza de la incorporación de su (insoportable) musa Keira Knightley, a quien esta misma semana veíamos en un cortometraje dirigido por Karl Lagerfeld para Chanel. El aniversario de la muerte de Saul Bass, también les dio la oportunidad de mostrarnos la influencia de las secuencias de crédito del fabuloso diseñador gráfico en los títulos de crédito del cine contemporáneo.

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Un proyecto maldito en el que el director depositó todas sus esperanzas y ambiciones, pues deseaba crear un film manifiesto, una película donde las imágenes captasen los efectos psicotrópicos del LSD pero sin tomar dicha sustancia: pretendía ser una película que transformase la percepción de la realidad. Sin embargo, pese a ser ideada hasta sus detalles más ínfimos, fue rechazada por Hollywood, que no se atrevió a financiar un proyecto tan costoso. Y es que Star Wars todavía no ha sido estrenada y, por lo tanto, un film de ciencia ficción que conquistase a un público planetario no parecía una idea materialmente posible; y eso y la extrema duración de la película, que Jodorowsky quería instaurar en 12 horas, o incluso 20 horas.

Pero, sea como sea, esta película existe, no como artefacto, como materia, pero sí como idea. Y el documental Jodorowsky´s Dune pretende rastrear esas huellas que dejó en el mundo, porque numerosas personas iniciaron movimientos para poner en pie el proyecto. Por ello, ubica frente a la cámara a todos los implicados en el proyecto para que narren, directamente, su idea y participación en Dune. Y con anécdotas disparatadas, descubrimos que Jodorowsky trató de conseguir para la película a Orson Welles, Salvador Dalí, o al grupo Pink Floyd para la música. Locos y lúcidos de un tiempo en el que abundaba la genialidad, y Dune parecía un espacio perfecto para que todos ellos soltaran sus amarras y diesen rienda suelta a su talento. Porque el equipo reclutado para Dune es, realmente, sobrecoger, todos ellos con su excentricidad, ya que Jodorowsky no buscaba técnicos, sino guerreros espirituales, como él los llamaba: la película se convertía por sus propios integrantes en un combate contra la concepción del cine como industria.

Ejemplo de ello es el rechazo del especialista en efectos especiales Douglas Trumbull, artífice de los efectos de 2001: A Space Odyssey, y que Jodorowsky no quiso en su equipo porque lo consideraba demasiado racionalista, experto en la técnica pero carente de alma. En cambio, tomó a Dan O´Banon, que venía del cine de John Carpenter y cuya personalidad era mucho más imaginativa. Aunque, entre los guerreros, destaca la figura de Jodorowsky, el gran luchador por el cine entendido como arte.

Se trata, pues, de un documental sobre el cine, que pretende mover a la explosión de la risa con una sucesión de hechos disparatados y un discurso desenfadado. Sin embargo, a la vez, se convierte en un documental de investigación que, a la vez que fundir las voces de los implicados, inicia una reconstrucción de la película. De este modo, el documental se convierte en el único medio que puede aproximarnos a lo que dicha película pudo ser y nunca fue, y lo hace a través de una interesante propuesta estética: rescata el storyboard y lo convierte en animación, de modo que podemos asistir a fragmentos del film a través de la textura de la animación. Porque sería un error reconstruir con actores reales una película que sólo existió en la mente: es la animación, un modo de representación que ha de nacer, inevitablemente, desde la mente, y no puede captarse directamente de la realidad con una cámara, el mejor medio para fabular con el film. De hecho, el propio Jodorowsky recomienda este recurso si una vez alguien se anima a adaptar su proyecto.

Pero, a la vez, Jodorowsky´s Dune analiza los efectos que esta película ha tenido sobre la historia del cine. Y es que el storyboard fue enviado por Jodorowsky a todos los estudios de Hollywood y muchos de los participantes en el proyecto participaron en películas de ciencia ficción posteriores, como el especialista en efectos especiales Dan O´Banon, que después trabajaría en Alien. Por ello, el documental se encarga de extraer algunas referencias de este Dune no nato en películas posteriores, como Alien o Prometheus, de Ridley Scott, ya sean simetrías en la composición de planos o ideas figurativas calcadas. Y es que la crítica de Jodorowky´s Dune se encamina, también, hacia la amnesia del cine, y reivindica que toda, al fin y al cabo, toda idea forma parte de la realidad, aunque se haya motivado su materialización.

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Y si algo ha certificado esta película es que el director chileno sigue con el mismo vigor que siempre: no ha perdido sus capacidades imaginativas, y puede equipararse al nivel de fabulación de sus obras maestras. Aquí nos presenta un cine casi de tendencia mística, todo ello filtrado a través del surrealismo y el simbolismo que tiñe toda su obra. Y su presentación ha ofrecido uno de los momentos más emotivos del festival, pues cuando ha comenzado la rueda de preguntas, una joven le ha preguntado a Jodorowski si podía subir a darle un abrazo. Y a ello no se ha negado, lo que ha provocado un intercambio de palabras íntimas entre ambos, aunque las de la joven temblorosas a causa del llanto. Y él ha señalado en la rueda de prensa su carácter autobiográfico:

Es un película de reconciliación con mi padre. Y, por ello, me ha desbordado, porque el cine está para eso, para que desborde incluso a su creador y artífice.

Y, si algo destaca del film pese a ambientarse en Chile, es su carácter internacional, pues numerosas manos se han puesto manos a la obra para financiar esta película y poder ofrecer las visiones simbólicas de este director inclasificable:

El film es un 50% francés, un 25% mexicano, un 12,5 % de un amigo chileno-japonés, y un 12,5 % producido por mí. Así, la propia película revela quien soy yo, un franco-chileno que rueda sus películas siempre en México. Pero es que esta película no es representante del cine chileno, sino del cine de Pangea, el único país que en realidad existe.

Like Father, Like Son

Pero la Sección Oficial ha tenido, también, dos grandes bastiones a defender sus películas. Una de ellas es la última obra de Kore-eda, de la que se rumorea como seria candidata a la Palma de Oro. Se trata de Like Father, like son, que sería la versión en inglés del refrán “De tal palo, tal astilla”, y que implica una ironía directa sobre su contenido, pues el film parte del motivo del intercambio de bebés en un hospital por una negligencia, y las consecuencias psicológicas que tiene sobre la familia su descubrimiento. Porque, de nuevo, es la familia su foco de atención, como señaló en la rueda de prensa:

No es el único tema que abordo en cada película, pero es cierto que es el tema que más me interesa, es un tema que me gusta explorar. Soy padre y perdí a mis padres. Es natural que desarrolle este tema en mis películas.

Pero lo que parece un análisis de la paternidad, al final genera el contraste entre dos formas de vida, la de Ryota, el orgullo protagonista de su trabajo y su estatus económico; y la del padre contrario, mucho más descarriado según los valores hegemónicos, pues apenas tiene dinero pero lo subsana con una alegría innata:

Mi punto de partida era un personaje muy orgulloso, y mi intención era crear un contraste. Quería provocar un trastorno en su sistema de valores, y es por esto que la otra familia tiene una identidad tan fuerte.

Pero si algo destaca también es la interpretación de los niños: su conducta parece movida por una gran espontaneidad, y parece que para ellos ha desaparecido la cámara en el ejercicio de su actuación; aunque el valor reside en la propia dirección de actores de Kore-eda también, que siempre logra un naturalismo en la interpretación de los niños:

Fueron los dos niños de la quienes me motivaron a hacer la película con ellos. Mi historia se inspira en sus personalidades. Improvisamos constantemente, y esos instantes fugaces a veces dan a la película un aspecto documental. Logramos capturar instantes que habían pasado desapercibidos durante el rodaje.

Pero es Ryota, el protagonista, quien logra embarcarnos también en su tránsito por sus distintas emociones, y que logran fraguar un sentimiento estable hacia su hijo biológico y no biológico. Y en la rueda de prensa señaló los consejos del director para lograr fundirse con su papel:

No soy padre, y esto era algo que me preocupaba cuando me ofrecieron el papel de un padre. Pero Hirokazu Kore-Eda me explicó que se trataba de la historia de un hombre que aprende a ser padre, de modo que fue así como enfoqué mi personaje. El tema de la película plantea que, al igual que los niños, los adultos crecen. El director no les dio el guión a los niños, con ellos no actuábamos, simplemente nos divertíamos. Nuestro trabajo consistía en capturar las reacciones de los niños. Casi ni se daban cuenta de que estábamos rodando una película.

Arnaud Desplechin

Y un director consagrado del panorama francés presentaba lo que parece ser su primera película americana. Eso sí, con una fusión de identidades en su reparto, pues cuenta con la vertiente francesa en Mathieu Amalric y con la vertiente americana en el puertorriqueño Benicio del Toro. Y Del Toro hace de un indio que, tras combatir en la 2ª Guerra Mundial, sufre trastornos que deberán ser tratados por un psicoanalista francés. Así, nos encontramos de nuevo en un drama de la segunda posguerra mundial, sobre sus consecuencias en la mentalidad, como la maravillosa The Master, de Paul Thomas Anderson. Pero, para el director, no es su primera película americana, sino una película que está en el sitio donde debería estar:

Como decía Renoir: "Nada más parecido a un zapatero de la India que un zapatero de París". En ningún momento pensé que era mi primera película americana. Tenía que hacer esta película y sólo podía hacerla allá.

Y esta obra está basada en una novela de Devereux, que parece perfecta para el cine de Desplechin, con referencias continuas al psicoanálisis:

Entré a una librería y con solo ver el título me dije que había sido escrito para mí. Lo que me gusta de Devereux es que democratizó el psicoanálisis, lo llevó a las reservas indias. Y otorgó a personajes surgidos de condiciones muy humildes la misma nobleza del os personajes de Thomas Hardy.

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Y aquí encontramos una cierta ironía ya desde su título: tal padre, tal hijo, o de tal palo, tal astilla, que traduciríamos; pero el problema es que el que parece una mímesis de su padre es, en realidad, hijo de otro progenitor. Porque esta película parte del motivo del intercambio de hijos en el hospital a causa de una negligencia, lo que lleva a que cada pareja cuide a un hijo no biológico, ajeno a sus genes. Y, tras varios años, se descubre la realidad del intercambio, y este hecho plantea una dicotomía entre los padres: ¿deben intercambiarlos o deben dejar las cosas como están?

En todo caso, la primera respuesta es un acercamiento entre las dos familias, y así el film comienza su mutación, pues si en su inicio parece una radiografía de la paternidad, a continuación se transforma en un análisis de dos modelos de familia. Dos modelos que contrasta de una forma muy sutil y muy inteligente, normalmente mediante una síntesis en un plano: por ejemplo, un plano general mostrando sus distintos vehículos o la diferencia de calidad de las cámaras con las que se fotografían: a través de los objetos nos describe, mediante el contraste, dos modos de existencia de la familia.

Pero el film pretende centrarse, ante todo, en las consecuencias psicológicas de esta jerarquización económica, especialmente en los padres: y es que Ryota, el protagonista, se define por su competitividad, que traslada a las relaciones con su propio hijo, de quien exige una respuesta de eficacia en el piano. En cambio, el otro padre curiosamente se dedica a arreglar objetos y juega habitualmente con los niños: es capaz, pues, de recuperar objetos, no de adquirir constantemente, del mismo modo que todavía dispone de una poética de la infancia que no ha perdido. Y, en el seno de su familia, estos padres encuentras de forma súbita la figura de un extraño, un ser que se revela como conocido y desconocido al mismo tiempo. Pero esta relación dialéctica con un hijo no biológico se aborda con un tono de comedia dramática que evita el tremendismo.

Y así, del individuo pasa a la sociedad, pero al final casi termina en la reflexión fenomenológica, pues al final, Like Father, like son es un análisis de la temporalidad de las emociones. Porque su objetivo es captar la progresión de síntomas que hacen surgir una emoción, y que terminan por cristalizar en un sentimiento: es este recorrido, que desemboca en la instauración de lazos con el otro, lo que pretende captar la cámara. Y lo hace a través de una interesante propuesta narrativa, característica de su filmografía.

Porque, al final, el cine de Kore-eda es el cine del gesto mínimo, del acto más nimio y banal. Todo su cine se construye mediante la sucesión de acontecimientos de escasa relevancia, pero que van revelando la psicología de los personajes y, a la vez, impulsan su transformación. En esta serie de actos, el director nos ofrece la progresión de una personalidad; y estos actos son captados mediante planos de cierta duración y que parecen imantados con una discreta movilidad: la cámara ejecuta lentos barridos que fijan el gesto en la imagen y cristalizan, así, el cambio en la misma puesta en escena. Todo ello, con un prodigioso uso de la iluminación y la composición, donde se proyecta la psique de los personajes con una gran sutilidad.

Like Father, like son se revela como una película de Yasujiro Ozu filmada en espacios contemporáneos, y que casi erige a Kore-eda como su digno sucesor en la cinematografía japonesa. Pues toda auscultación de la emoción se ejecuta con una admirable contención y, ante todo, con un gran respeto hacia la intimidad de los personajes, siempre con una distancia hacia la eclosión de la emoción. De hecho, hay algún pillow shot, tomas filmadas a la altura de la mirada que le corresponde a un personaje arrodillado, que sin duda crean una resonancia con el maestro japonés. Y el clímax, en una separación emocional marcada por una separación física a través de un camino, parece una reconversión de una escena de La hierba errante, de Ozu, donde dos amantes están separados por una lluvia, aislados en aceras opuestas de una calle, y lanzan sus palabras a través del agua; unas palabras de disputa y reconciliación a partes iguales.

Y además, Like Father, like son logra impulsar un perspectivismo en la disección de las emociones, pese a que partimos de un personaje central, Ryota. Él es el guía, y sin duda, la cámara siempre utiliza su mirada como primer impulso. Pero a continuación, está cámara logra trasladarse y captar el resto de visiones, pues aquí todo personaje secundario encuentra un espacio para la emisión de su voz.

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El hecho de ubicar la cámara en el origen de los focos, y no en su destino, es lo que hace mucho más interesante el film que Somewhere, donde se repetían temas de Lost in Translation y no había ningún elemento realmente innovador. Porque ahora estamos junto a personajes con un deseo asintótico que no pueden satisfacer, admiradores de una fama que desean alcanzar, pero que ante todo desean tocar: el contacto con los objetos les basta. Estamos, por ello, en un film plagado de objetos, porque su subjetividad, es decir, su deseo más íntimo, reside en ellos. Así, ya no andamos con personajes célebres y lánguidos, sino con personajes mucho más potentes y enérgicos, con un punto de fuga en su personalidad que colman a toda costa con la cleptomanía de lentejuelas. Estamos ante kinkas pijas que roban bolsos y zapatos por las noches, y eso siempre seduce más que el pijerío en su pureza.

Emma Watson aquí se desliga de su túnica y toma los atuendos más atrevidos, que permiten hacernos conscientes que, bajo Hermione había una auténtica bitch. Y Coppola juega con ello, con esa estética de la frivolidad, pues sus personajes se hacen fotos a sí mismos con el móvil con dos dedos en sus ojos, y fundan sus conversaciones en la celebridad. Sin embargo, tienen una cierta entidad, pues estos personajes, en particular el único masculino, muestran una carencia, una no aceptación en su entorno, que les lleva al refugio de la fama: no hay sexo, porque el sexo está en la mirada.

Pero no sólo es en el grupo social retratado donde encontramos la innovación: Sofia Coppola ha proyectado una estética acorde con la mitomanía que mueve al robo a sus personajes. De este modo, ha abandonado el estatismo de Somewhere, síntoma de la parálisis de sus personajes, y ha construido un mundo estético que atrapa por los sentidos: la cámara en mano persigue a sus personajes con audacia cuando ejecutan los robos, y ante todo, hay una seducción a través de la combinación de música e imagen.

La escena de apertura es paradigmática de este hecho, con un robo realizado con música electrónica de fondo, y con planos montados al ritmo de la pieza musical, próximo a ciertas pautas del videoclip. Del mismo modo, los planos dentro de la discoteca son sintomáticos de esta hipnosis, a través de la conjugación de música e imagen, que logra instaurar en el espectador. En este sentido, parece que estemos ante un Spring Breakers suavizado, donde el sexo se sustituye por un coito a través de las imágenes. Desde mi punto de vista, Sofia Coppola ha avanzado en su faceta como directora, y ha logrado su film más atmosférico y sugerente.

Asimismo, hay un plano fundamental: un robo que se produce en una casa acristalada, y que filma con un plano general, y nos muestra a los ladrones transitando por habitaciones mientras encienden y apagan las luces; un plano que sintetiza su deseo, robar no para ellos, sino robar para la explicitación de su objeto adquirido ilegalmente. Ellos toman lo de otros para adquirir una segunda piel, una identidad diferente, hacia los demás, y por ello, no es un robo en secreto, pues se produce un desprendimiento de la intimidad a través de la cleptomanía.

La idea de la película surgió de la lectura, por parte de Sofia Coppola, de un artículo de Variety donde narraban el caso de la cleptomanía. Así, otro gran rasgo del film es su capacidad para combinar una estética que desborda con un cierto halo de documental: Coppola nos recuerda que estamos ante un caso real introduciendo numerosos recortes de revistas, imágenes de televisión o incluso utilizando el Facebook, que aquí adquiere rango cinematográfico, pues pocos directores han sabido integrarlo en su narrativa: es una película sobre la fama y, por lo tanto, no puede dejar de lado un cubismo de texturas en su metraje, pues bombardea al espectador con los artefactos que permiten la transmisión de la fama y la generación de la admiración.

Aunque Coppola no olvida la celebridad, pues ésta aparece en la profundidad de campo o en los puntos de fuga de la película, a través de dos recursos: en primer lugar, a partir de imágenes de revistas y grabaciones de la televisión, mostrando la textura directa de la fama, siempre filtrada por la imagen televisiva; y en segundo lugar, a través de los objetos de las estrellas, que son sintomáticos de un narcisismo de las propias celebridades, pues encontramos las paredes de la casa de Paris Hilton forradas con sus propias imágenes, en una especie de idolatría propia. Y tanto ellas como los aspirantes al mito son vistos desde el filtro de la ironía: una ironía libre y siempre respetuosa con los personajes, sin llegar a tomarlos como una broma. Una ironía que estalla, ya, desde su comienzo, cuando unas letras similares a las Comic Sans irrumpen en el plano. Y así, Coppola construye un film de imágenes pleno de ironía para recordarnos todo el sistema que hemos construido de mitomanía a través de los medios.

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Sólo el capítulo del verano, que se inicia con su cuerpo bronceado en la playa, y que bebe directamente del cine de Rohmer, sirve como motor narrativo: la joven se encuentra en la costa y allí conoce a un joven con quien pierde la virginidad. Este acto, del que apenas vemos su respuesta, se marca en la elipsis del fin del verano como un punto de inflexión, pues cambia su conducta respecto al sexo: es en el otoño cuando decide dedicarse a la prostitución.

Pero a lo que asistimos es a un baile de espejos, un símbolo que surca todo el metraje y se erige en presencia dominante. Y es que la joven siente una escisión en dos, en la imagen de la joven estudiante y en su reflejo de prostituta de lujo nocturna, verdadera proyección de su subconsciente más profundo. Esta segunda faceta como prostituta irá dominando la narración y fagocitará a la faceta diurna, que queda como un residuo donde emerge, bajo el signo de contestaciones y conductas excéntricas, la nocturnidad.

Y así, al final, la verdadera virtud del film es la convivencia entre los dos polos de la personalidad, que si en un principio se distinguen con claridad, progresivamente se funden. Porque Jeune & Jeune se construye como un clivaje, como un díptico que convive en el mismo plano, y fundido a través de la bisagra de la protagonista: en cada imagen asistimos, a la vez, a lo perverso nocturno y a lo consciente diurno, fundiendo así lo apolíneo y lo dionisíaco en el desarrollo del relato.

Por todo ello, Jeune & Jolie se construye como una revisión de Belle de Jour, de Luis Buñuel. Una revisión que no requiere de planos autónomos donde se registre el inconsciente de la protagonista, como la magnífica escena de latigazos de Catherine Deneuve en el film de Buñuel. Porque la joven de Ozon logra convivir con su escisión a través de una gelidez de su erotismo, y así la película logra una contención perversa que, en todo momento, parece que va a estallar: pero se contiene y, con ello, traslada al espectador.

A la vez, Jeune et Jolie es un film sobre la mirada: no en vano, el primer plano es un plano voyeur, con la sombra de unos prismáticos que se corresponden con la mirada de su hermano, confidente en sus aventuras. Es una mirada intrusiva, que la objetiviza y la convierte en ese objeto oscuro del deseo que será; pero después, consciente del poder de su cuerpo, toma la mirada como arma que desenvaina en la ópera para conquistar a un antiguo cliente. Así, la mirada depositada sobre ella inicia un giro de 180º y ella impulsa, con sus ojos, la propia narración. Pero estas miradas sólo son posibles en el espacio público, mientras que la intimidad del oficio de prostituta ciega toda visión: aquí todo es un deseo sexual que escapa por los orificios.

Y así, tras un verano de descubrimiento y un otoño de profundización, dotado de imágenes realmente sórdidas y escenas de gran poder, llega el invierno de la reflexión. Porque si el verano era el prólogo, y el otoño el acontecimiento, el invierno, donde el frío sepulta la posibilidad de revuelta, es el perfecto espacio para los efectos. El acto que en otoño adquiere entidad, se descubre en un invierno en el que todos los miembros de la familia se ven afectados: así, un desequilibrio interno provoca una explicitación de los desequilibrios familiares.

Y, finalmente, llega la primavera, con la presencia majestuosa de Charlotte Rampling y recordando, a la vez, el carácter cíclico de los actos humanos, como las propias estaciones del año. Ella se erige en el nuevo espejo de la joven adolescente, y en un plano cenital, con sus rostros reposando sobre la cama (un plano muy Ozon), se densifica el drama: parece comprender que su acto de rebelión, que ha sido también motivado por una innecesaria aspiración económica, desemboca siempre en la muerte. Y una vez con esta consciencia, la película no puede sino terminar, pues es aquí, en este nuevo estatus de la película, donde ya abandonamos la adolescencia y nos sumergimos en la adultez que definen los títulos de crédito.

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Internacional: México, Chile & Argentina

• Epic (EEUU, 2013) Género: animación, aventura Dirección: Chris Wedge Reparto: Jason Sudeikis, Steven Tyler, Amanda Seyfried, Pitbull, Beyoncé Knowles, Josh Hutcherson, Judah Friedlander, Colin Farrell, Aziz Ansari, Blake Anderson, Christoph Waltz, Chris O'Dowd Argumento: es historia de una joven adolescente, Mary Katherine, que se adentra en un secreto mundo, donde debe ayudar a un grupo de bichos que tratan de salvar su jardín, amenazado por la presencia de una araña maléfica. Para ello deben buscar la ayuda de los Hombres Hoja, una leyenda del lugar. En Extracine: tráiler

México

• The last exorcism Part II (EEUU, 2013) Género: terror, fantástico Dirección: Ed Gass-Donnelly Reparto: Ashley Bell, Spencer Treat Clark, Andrew Sensenig, Judd Lormand, Julia Garner,Muse Watson, E. Roger Mitchell, David Jensen, Raeden Greer, Joe Chrest Argumento: Nell Sweetzer (Ashley Bell) es encontrada (aterrorizada y sola) en el rural de Luisiana. De vuelta en la relativa seguridad de Nueva Orleans, Nell se percata que no puede recordar fragmentos de los últimos meses; solo que es la única superviviente de su familia. Mientras Nell comienza el dificultoso proceso de forjarse una nueva vida, el maléfico poder que la poseyó está de vuelta con otro plan inimaginablemente aterrador que harán de su primer exorcismo un mero ensayo de lo que está por venir.

• The Call (EE.UU., 2013) Género: thriller Dirección: Brad Anderson Reparto: Halle Berry, Abigail Breslin, Morris Chestnut, Michael Imperioli, Ella Rae Peck, Roma Maffia, Justina Machado, José Zúñiga Argumento: Un operador de línea del 911 deberá enfrentarse a sus propios temores para salvar la vida de una joven de un asesino.

• El cuerpo (España, 2012) Género: suspense Dirección: Oriol Paulo Reparto: José Coronado, Belén Rueda, Hugo Silva, Aura Garrido, Juan Pablo Shuk, Cristina Plazas, Oriol VolaArgumento: el vigilante nocturno de un depósito de cadáveres es atropellado tras abandonar sy puesto de trabajo en estado de pánico. Cunado la policía se presenta para investigar, descubre que el cadáver de una mujer recién fallecida ha desaparecido de la morgue. sin ninguna pista que aclare el extraño suceso, el inspector Jaime Peña recurre a Álex Ulloa, el viudo de la mujer desaprecia. Juntos, durante el transcurso de una noche intensa, intentarán descubrir la verdad sobre las misteriosas causas de la muerte de la mujer y la desaparición del cuerpo. En Extracine: nominados a los premios Goya 2013 | directores nominados a los premios Goya 2013

Venezuela

• De rouille et d'os (Francia & Bélgica, 2012) Género: drama, romántico Dirección: Jacques Audiard Reparto: Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, Armand Verdure, Célice Sallette, Corinne Masiero, Bouli Lanners, Jean-Michel Correia, Mourad Frarema, Yannick Choirat, Fred Menut, Duncan Versteegh, Katia Chapero, Catherine Fa, Andès Lopez Jabois, Océane Cartia Argumento: Todo comienza al norte de Francia. Ali se encuentra de repente con un niño de 5 años en sus manos. Sam es su hijo, pero apenas le conoce. Sin hogar, sin dinero y sin amigos, Ali se refugia con su hermana en Antibes. Allí las cosas mejoran rápidamente. les acoge en su garaje y se hace cargo del niño. Ali se encuentra con Stephanie por primera vez durante una pelea en un club. La lleva a casa y le deja su número de teléfono. Stephanie entrena ballenas asesinas en Marineland. Cuando un espectáculo echaba en tragedia, una llamada nocturna vuelve a reunirles. Cuando Ali vuelve a verla, su princesa está confinada en una silla de ruedas: ha perdido las piernas y bastantes ilusiones. Él simplemente le ayuda, sin compasión o lástima. Y ella vuelve a vivir. En Extracine: cartel y tráiler | crítica

Colombia

• Fire with fire (EEUU, 2013) Género: drama, thriller Dirección: David Barrett Reparto: Josh Duhamel, Rosario Dawson, Bruce Willis, Vincent D'Onofrio, Curtis ‘50 Cent’ Jackson, Quinton 'Rampage' Jackson, Vinnie Jones, Richard Schiff, Bonnie Somerville Argumento: Un bombero fuera de servicio es testigo de un asesinato a manos de una banda de mafiosos. Entrará en el programa de protección de testigos hasta que testifique, pero no conseguirá ocultarse por mucho tiempo de la banda por lo que decidirá actuar por su cuenta e ir a por el cabecilla para proteger a la mujer que ama.

• Parker (EE.UU., 2013) Género: acción, suspense Dirección: Taylor Hakford Reparto: Jason Statham, Jennifer Lopez, Michael Chiklis, Clifton Collins Jr., Nick Nolte, Wendell Pierce, Bobby Cannavale, Carlos Carrasco, Micah A. Hauptman, Emma Booth Argumento: Parker es un ladrón con un código ético muy particular. Sólo roba a quienes pueden permitírselo y no hace daño a gente que no lo merece. Pero tras ser traicionado por su equipo y dado por muerto, Parker asume una nueva identidad para, con la ayuda de una hermosa mujer, hacerse con su último botín y que sus antiguos compañeros lamenten haberse cruzado en su camino. En Extracine: tráiler | crítica

• Jagten (The hunt) (Dinamarca, 2012) Género: drama Dirección: Thomas Vinterberg Reparto: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Annika Wedderkopp, Alexandra Rapaport,Anne Louise Hassing, Lars Ranthe, Lasse Fogelstrøm, Susse Wold, Ole Dupont,Sebastian Bull Sarning Argumento: Tras un divorcio difícil, Lucas, de cuarenta años, ha encontrado una nueva novia, un nuevo trabajo y se dispone a reconstruir su relación con Marcus, su hijo adolescente. Pero algo va mal. Un detalle. Un comentario inocente. Una mentira fortuita. Y mientras la nieve comienza a caer y las luces de Navidad se iluminan, la mentira se extiende como un virus invisible. El estupor y la desconfianza se propagan y la pequeña comunidad se sumerge en la historia colectiva, obligando a Lucas a luchar por salvar su vida y su dignidad. En Extracine: recepción en Cannes | Cannes 2012 | crítica

• Cosmopolis (Canadá, Francia, Italia & Portugal, 2012) Género: drama Dirección: David Cronenberg Reparto: Robert Pattinson, Sarah Gadon, Paul Giamatti, Samantha Morton, Juliette Binoche, Kevin Durand, Emily Hampshire, Patricia McKenzie, Mathieu Amalric, Jay Baruchel, Abdul Ayoola, Gouchy Boy, George Touliatos, Philip Nozuka, K'Naan Argumento: con el capitalismo a punto de extinguirse, los disturbios se extienden por Nueva York. El joven multimillonario Eric Packer se dirige en su limusina a cortarse el pelo en su peluquería favorita. Eric descubre que alguien quiere asesinarle a la vez que el caos se apodera de su imperio. En Extracine: cartel y tráiler | tráiler 2 | recepción en Cannes 2012 | crítica 1 | crítica 2 | indignados en el cine

• Stolen (EE.UU., 2012) Género: drama, acción Dirección: Simon West Reparto: Nicholas Cage, Malin Akerman, Josh Lucas, Danny Huston, Sami Gayle, Edrick Browne, Mark Valley, Barry Shabaka Henley Argumento: Will Montgomery es un ladrón maestro que, tras ser traicionado en un atraco que acaba torciéndose, es sentenciado a 8 años de prisión. Una vez puesto en libertad está dispuesto a dejar su pasado criminal atrás e intentar reconstruir la relación con su molesta hija Allison. Pero todo se complica cuando Vincent, su antiguo compañero, secuestra a su hija y le exige 10 millones a cambio de su libertad. Montgomery sólo tiene un día para conseguir el dinero. Tendrá que confiar en sus instintos y en su antigua compañera de robos, la hermosa Riley para dar un último y astuto golpe y, de ese modo, recuperar a su hija con vida antes de que sea demasiado tarde... En Extracine: crítica

• Memorias de mis putas tristes (México, España, Dinamarca & EEUU, 2011) Género: drama, comedia, romántico Dirección: Henning Carlsen Reparto: Emilio Echevarría, Geraldine Chaplin, Paola Medina, Luis Miguel Lombana, Diego Zinker, Olivia Molina, Ángela Molina, Evangelina Martínez, Evangelina Sosa Martínez, Alejandra Barros, Arturo Beristain, Dominika Paleta Argumento: un longevo columnista en un periódico provincial, pasa la vida en soltería pagando a toda mujer con quien tiene encuentros sexuales. En la víspera de su 90 cumpleaños, "el sabio" decide celebrarlo dándose un buen regalo: una noche de locura amorosa con una jovencita virgen.

Chile

• Broken City (EE.UU., 2013) Género: drama, thriller Dirección: Allen Hughes Reparto: Mark Wahlberg, Russell Crowe, Catherine Zeta-Jones, Jeffrey Wright, Barry Pepper, Kyle Chandler, Justin Chambers, James Ransone, Natalie Martinez, Alona Tal, Griffin Dunne, James Ransone Argumento: Siete años después de haberse visto obligado a dejar su puesto en la policía de Nueva York por un escándalo producido por un desafortunado tiroteo, el detective privado Billy Taggart es contratado por el alcalde de la ciudad, Nicholas Hostetler, para que investigue la presunta infidelidad de su mujer. Pero cuando el supuesto amante de ésta aparece muerto, las cosas se complican mucho más de lo que Taggart podría haber previsto. El detective, que no tarda en descubrir que no era más que un peón en una partida mayor, se adentra en la zona gris que une los mundos del crimen, la política y los negocios. En Extracine: tráiler | crítica

• Side effects (EE.UU., 2013) Género: drama, thriller Dirección: Steven Soderbergh Reparto: Rooney Mara, Channing Tatum, Jude Law, Marin Ireland, Carmen Pelaez, Polly Draper, Haraldo Alvarez, James Martinez, Vladimi Versailles, Jacqueline Antaramian, Michelle Vergada Moore, Catherine Zeta-Jones Argumento: Emily y Martin son una próspera pareja neoyorquina cuyo mundo se desmorona cuando Emily intenta suicidarse. Incapaz de superar su depresión, Emily acepta seguir una nueva medicación recetada por su psiquiatra, el Dr. Jonathan Banks, pensada para calmar la ansiedad. Pero el fármaco comienza a tener inesperados efectos secundarios que amenazan con destruir las vidas de todos los implicados…En Extracine: tráiler | crítica

Argentina

• The Great Gatsby (EEUU & Australia, 2013) Género: drama, romántico, musical Dirección: Baz Luhrmann Reparto: Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire, Carey Mulligan, Joel Edgerton, Isla Fisher,Elizabeth Debicki, Amitabh Bachman, Jason Clarke, Adelaide Clemens, Max Cullen,Steve Bisley, Richard Carter, Vince Colosimo, Brendan Maclean, Kate Mulvany Argumento: El Gran Gatsby sigue los pasos de Nick Carraway, un hombre parecido a Fitzgerald que aspira a ser escritor, cuando abandona la región central de los EE.UU. y llega a Nueva York en la primavera de 1922, una época de decadencia moral, jazz palpitante y de los reyes del contrabando de alcohol. Persiguiendo su propio Sueño Americano, Nick acaba siendo vecino de Jay Gatsby, un millonario misterioso que da fiestas continuamente. Al otro lado de la bahía vive su prima, Daisy, y su marido mujeriego y aristócrata, Tom Buchanan. De esta manera Nick entra en el mundo cautivador de los súper ricos con sus ilusiones, sus amores y sus engaños. A medida que Nick es testigo de aquello, tanto dentro como fuera del mundo que habita, escribe una historia de amor imposible, sueños incorruptibles, y grandes tragedias, y alza un espejo a nuestra propia época y luchas actuales. En Extracine: tráiler | carteles | cannes 2012 | banda sonora | Carey Mulligan | crítica

• Scary MoVie (EE.UU., 2013) Género: comedia Dirección: Malcolm D. Lee Reparto: Ashley Tisdale, Simon Rex, Erica Ash, Katt Williams, Terry Crews, Gracie Whitton, Lidia Porto, Charlie Sheen, Darrell Hammond, Tyler Posey, Ava Kolker, Lindsay Lohan, Snoop Dogg, Moll Shannon, Jerry O'Connell Argumento: el joven matrimonio formado por Dan y Jody empieza a detectar una actividad muy poco normal en su hogar tras acoger a las hijas del hermano de Dan, que han pasado tres años solas en el bosque. Cuando el caos invade la vida laboral de Jody como bailarina de danza clásica y la de Dan como primatólogo, ambos llegan a la conclusión de que les ronda el siniestro fantasma de la "mamá" de las pequeñas. Juntos, y con la ayuda de numerosas cámaras y de cualificados expertos, harán todo lo posible por proteger a su nueva familia.

• Pecados (Argentina & España, 2011) Género: drama, romántico Dirección: Diego Yaker Reparto: Cristina Brondo, Mariano Reygada, Carmelo Gómez, José Soriano, Henny Trayler Argumento: Historia de amor entre dos jóvenes que viven en un recóndito pueblo argentino.

IMPORTANTE: estos estrenos quedan sujetos a cambios de última hora.

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Abel Ferrara dirige a Gerard Depardieu (ahora ruso en vez de francés) y Jacqueline Bisset en una película que se centra en el escándalo sexual que llevara a la dimisión del director gerente del Fondo Monetario Internacional, Dominique Strauss-Kahn, que se quedara igualmente sin opción a presentarse como presidente de Francia, como era su intención. Si tenemos en cuenta de que estamos hablando de una película dirigida por el responsable de Bad lieutenant, lo cierto es que no debemos esperar necesariamente una condena del personaje, tal y como hiciera en su momento la prensa, otra cosa es que esté lleno de contradicciones. Lo cierto es que no puedo evitar que el morbo se apodere de un servidor ante los últimos planos del trailer, que termina, precisamente, donde dio comienzo todo el escándalo.

Welcome to New York - Trailer por TheDailyMovies

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No es la priera vez que angustia y realidad se mezclan en una película dirigida por Paul Greengrass. Entre las dos entregas de la saga Bourne que dirigió, The Bourne supremacy y The Bourne ultimatum, ya nos ofreció en United 93 el dramático y sobrecogedor relato de uno de los aviones que fueron secuestrados por los yijadistas el 9 de septiembre de 2001, con el propósito de estrellarlo contra objetivos militares. Un secuestro que termino en tragedia, pero por la valiente acción de los propios pasajeros del vuelo que, conscientes de la seriedad del secuestro y de que su destino iba a ser el mismo en cualquier caso, lograron estrellar el avión contra el suelo causando el mínimo daño contra la población. Curiosamente, también uno de los últimos títulos de Tom Hanks estaba vinculado con los atentados del 11-S, dado que en Extremely load and incredibly close interpretaba a un padre de familia que se encontraba en una de las torres del World Trade Center cuando se producía el ataque de los aviones en el edificio.

En este nuevo relato la angustia se extiende a lo largo de tres días en los que el capitán del carguero se ofreció como rehén a cambio de salvaguardar la integridad del resto de su tripulación. Una historia que, afortunadamente, no terminó igual que la del secuestro del avión, gracias a la actuación de los Navy SEAL y que parece hecha a la medida del actor estadounidense que últimamente tiene algunos problemas para levantar cabeza después de fracasos rotundos como Larry Crowne y otros más relativos como Cloud Atlas. En el trailer se puede apreciar que el tono de la película está más cerca de mostrar el drama de sus protagonistas, que de ofrecer una historia heróica, como probablemente hubiera sucedido si el mismo material hubiera caído en manos más sensacionalistas.

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En The Bling Ring, Sofia Coppola parece mostrarnos el reverso de su filmografía, sin descentrar su foco de atención: si durante toda su carrera ha analizado la fama y el lujo, pero desde su epicentro, desde su experiencia, en esta ocasión nos movemos al lado contrario, la aspiración del lujo. Y es que, basándose en una anécdota real, surgida de la revista Variety, Coppola ha filmado a una serie de jóvenes que se dedican a robar en casas de sus celebridades predilectas en Los Ángeles, conservando como fetiches los objetos sustraídos. Aunque la directora ha impulsado una transformación entre la realidad y la película final:

Cambié los nombres de los personajes para que los jóvenes no se vuelvan más conocidos. Conocí a dos o tres, era fascinante escucharles contar su historia con todos los detalles. Una chica quería a toda costa ver el perro de Paris Hilton. ¡Eso no se inventa!

The Bling Ring es una película ubicada en la ciudad más poblada de California pero que habla, en realidad, de todo EEUU, de esa aspiración a la virtualidad de la fama, casi hasta un punto enfermizo. Pretende analizar esa relación de dependencia que se crea entre admirador y celebridad, y que se convierte a veces en un subtexto de la ideología de EEUU, basada en el éxito:

Los Ángeles desempeña un papel esencial en la cultura norteamericana. Es lo que muestra esta película: un mundo de celebridades, de telerrealidad. Esta historia no podría haber ocurrido en otra parte. Estos niños vivían muy cerca de estas estrellas.

Y Emma Watson protagoniza esta película, que sale del universo de Harry Potter para sumergirse, así, en los extremos de la mitomanía. Y, sin duda, parece que ha conseguido desligarse de su personaje mágico para adquirir otro tono más frívolo y más desengañado; veremos si logra encauzar su carrera mejor que sus compañeros de reparto juveniles de la saga de J.K. Rowling:

Es extraño para mí. Tengo la impresión de que Harry Potter forma parte del pasado. Sigue estando presente, todavía está en la cabeza de la gente. No intento negar el trabajo que he realizado desde hace tres o cuatro años, mi vida ha sido increíble. Me deleito protagonizando personajes diferentes, tengo mucha suerte.

Jeune et jolie, François Ozon

Pero, aunque Sofia Coppola se lleve el protagonismo, es el director francés François Ozon quien ha cosechado las críticas más positivas del festival. Su drama erótico, sobre una joven de 17 años, estudiante de día y prostituta de lujo de noche, parece encauzarse en la senda de Belle de jour, de Luis Buñuel, en la disección de una doble vida que es, a la vez, la única posibilidad de fundir dos facetas del yo. Todo ello sustentado en un hipnótico estilo visual que le caracteriza cuando está en estado de gracia. Un estado que parece acompañarle últimamente, tras firmar esa obra maestra que es Dans la maison (En la casa). Y, así, pretende desidealizar la adolescencia, abordándolo con una mayor sordidez en lugar de una fascinación por la libertad que se puede experimentar:

A menudo, se idealiza la adolescencia en el cine mundial, se la ensalza exageradamente. Yo conservo un recuerdo más bien doloroso y difícil de mi propia adolescencia. Tenía ganas de abordarlo desde la distancia para hablar al respecto de forma diferente.

Y esta joven se sumerge, progresivamente, en un mundo donde es psicológicamente torturada, pero al que se adapta a través de una conversión en un ser gélido, de un frío erotismo. Ozon ha hablado de estos puntos de inflexión en la vida:

Lo que me parece esencial para abordar las dificultades de la vida, como por ejemplo al descubrir un problema como este, es aceptar que se ha producido una ruptura. Hay que decirse a uno mismo: "No voy a juzgar lo que ha pasado pero tengo que aceptar que algo que se ha roto".

Y su musa ha sido Marine Vacth, modelo profesional que ha decidido saltar a las pantallas para llegar al cine de Ozon:

Cuando vi a Marine, enseguida me pareció diferente a las demás, que abordaron el papel desde un prisma muy realista. Tenía la sensación de estar dentro de un documental. Con Marine, sucedía algo totalmente diferente. Al mirar sus ojos, existía un mundo interior, un misterio y eso era exactamente lo que estaba buscando para la película.

Heli

Y desde México nos llega Heli, de Amat Escalante, una historia sobre la violencia en México, que el director nos retrata a partir de un progresivo descenso a los infiernos. Un descenso que pretende mostrar la dialéctica del individuo con una sociedad en la que no logra adaptarse:

He querido analizar la violencia situándola en su contexto, y no simplemente mostrarla... subrayar que existen personas que la provocan y otras que son testigos. He querido mostrar esta violencia tal como es y filmarla de forma inédita para atraer la atención del público.

La crítica ha encontrado un claro influjo del estilo de Carlos Reygadas, con sus imágenes viscerales, y que es un fijo en Cannes también. Pero es difícil señalar esto cuando el propio Reygadas parece mostrar un estilo diferente en cada película. Escalante ha recurrido a un tremendismo en el retrato de la violencia y a un cierto neorrealismo para poder analizar, a través de la historia de una familia, su inevitable conexión con la violencia.

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• The Great Gatsby (EEUU & Australia, 2013) Género: drama, romántico Dirección: Baz Luhrmann Reparto: Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire, Carey Mulligan, Joel Edgerton, Isla Fisher, Elizabeth Debicki, Amitabh Bachchan, Jason Clarke, Adelaide Clemens, Max Cullen, Steve Bisley, Richard Carter, Vince Colosimo, Brendan Maclean, Kate Mulvany Argumento: Nick Carraway es un hombre parecido a Fitzgerald que aspira a ser escritor, cuando abandona la región central de los EE.UU. y llega a Nueva York en la primavera de 1922, una época de decadencia moral, jazz palpitante y de los reyes del contrabando de alcohol. Persiguiendo su propio Sueño Americano, Nick acaba siendo vecino de Jay Gatsby, un millonario misterioso que da fiestas continuamente. Al otro lado de la bahía vive su prima, Daisy, y su marido mujeriego y aristócrata, Tom Buchanan. De esta manera Nick entra en el mundo cautivador de los súper ricos con sus ilusiones, sus amores y sus engaños. A medida que Nick es testigo de aquello, tanto dentro como fuera del mundo que habita, escribe una historia de amor imposible, sueños incorruptibles, y grandes tragedias, y alza un espejo a nuestra propia época y luchas actuales. En Extracine: tráiler 1 tráiler 2 | la versión de 1974 | banda sonora | crítica

• El cosmonauta (España, 2013) Género: drama, ciencia-ficción Dirección: Nicolas Alcalá Reparto: Katrine de Candole, Leon Ockenden, Max Wrottesley, Greg Blackford, Steve Galache Argumento: en 1975, el primer cosmonauta ruso que llegó a la Luna no consiguió regresar. Se le dio por desaparecido en el espacio. Él, sin embargo, a través de fantasmales mensajes de radio, afirma que ha vuelto a la Tierra, pero que la ha encontrado vacía, sin un alma. Su irreal presencia y su voz irán destruyendo poco a poco el mundo de sus seres queridos.

• The Lords of Salem (EEUU, 2012) Género: fantático, terror Dirección: Rob Zombie Reparto: Sheri Moon Zombie, Christopher Knight, Dee Wallace, Clint Howard, Udo Kier, Barbara Crampton, Maria Conchita Alonso, Lisa Marie, Sid Haig, Bruce Davison, Michael Berryman, Meg Foster, Billy Drago, Patricia Queen, Ken Foree, Judy Geeson, Bonita Friedericy, Daniel Roebuck, Richard Lynch, Torsten Voges Argumento: Heidi es DJ en una emisora de radio en Salem, Masachussetts; un día recibe una misteriosa caja de madera que contiene un disco de vinilo, “un regalo de The Lords”. Heidi lo escucha y los extraños sonidos que surgen de sus surcos provocan inmediatamente flashbacks del violento pasado de Salem. ¿Se está volviendo loca Heidi, o es que los señores de Salem pretenden regresar para vengarse de la Salem actual? En Extracine: tráiler | crítica

• La última isla (España, 2012) Género: drama Dirección: Dácil Pérez de Guzmán Reparto: Julieta Serrano, Antonio Dechent, Eduardo Velasco, Carmen Sánchez, Maite Sandoval, Xavier Boada, Virginia Ávila, Lucía Perales, Pablo Perales Argumento: Alicia es una niña mimada y egoísta que está loca por los videojuegos. Como sus padres trabajan y nadie se ocupa de ella, su madre decide mandarla a una isla donde vive la vieja tía Belinda. Sin agua corriente ni electricidad, junto al mar y al pie de volcán, Alicia teme que las vacaciones sean un muermo. Por añadidura, se rumorea que su tía es bruja, que hay un hombre que persigue dragones y dos niños muy extraños. Algo misterioso y magnético emana de la montaña.

• Dark Tide (EEUU, 2012) Género: drama, aventuras Dirección: John Stockwell Reparto: Halle Berry, Olivier martinez, Ralph Brown, Luke Tyler, Mark Elderkin, Thoko Ctshinga Argumento: nueve años después de sufrir el ataque de un gran tiburón blanco, Brady, una monitora de buceo, decide enfrentarse al miedo y volver a bucear en aguas profundas junto al gran escualo cuando le hacen una oferta irrechazable para nadar entre tiburones.

• Indignados (Francia, 2012) Género: drama, documental Dirección: Tony Gatlif Reparto: Isabel Vendrell Cortès Argumento: inspirada en los textos de Stéphane Hessel, se centra en el movimiento de protesta que se extendió por toda Europa en 2011 desde el punto de vista de una inmigrante ilegal que relata sus experiencias dentro del movimiento.En Extracine: indignados en el cine

• Kawboy (Holanda, 2012) Género: drama Dirección: Boudewijn Koole Reparto: Rick Lens, Loek Peters, Susan Radder, Cahit Ölmez, Ricky Koole Argumento: Jojo tiene unos diez años y vive con su padre, casi siempre ausente debido a su trabajo. Según Jojo, su madre – una cantante country– está de gira. Su padre no pasa por un buen momento y Jojo oscila entre una precoz independencia y la necesidad de contención.

• Ali (España, 2011) Género: drama Dirección: Paco R. Baños Reparto: Nadia de Santiago, Verónica Forqué, Adrián Lamana, Luis Marco, Julián Villagrán, Angy Fernández, Clara Vázquez, Adrián Pino Argumento: Alicia vive en "el país de Ali", un lugar donde no es frágil ni vulnerable. Tiene dieciocho años, una madre, dos amigas, un vecino y un trabajo en un supermercado. Aunque piensa que lo controla todo, ahora Ali se ha enamorado y tiene que atreverse a abandonar el país de Ali para asomarse al país de Alicia. En Extracine: crítica

La entrada Estrenos de cartelera en España: cine español e indignados contra Gatsby aparece primero en Extracine.

Fuera quedan Jean-Marc Barr, Caroline Goodall, Kate Ashfield, Saskia Reeves, Hugo Speer, Felicity Gilbert, Michaël Pas, Jesper Christensen, Jens Albinus, Cyron Melville, Shanti Roney, Omar Shargawi, Tania Carlin, Severin von Hoensbroech, Peter Gilbert Cotton y muchos otros que completan el reparto de la película. En realidad, hay alguien más, el propio Lars Von Trier aparece al lado de Jamie Bell, pero con la boca bien tapada con una cinta adhesiva, en lo que me parece una clara vocación de no volver a comparecer ante la prensa. Al menos seguro que no en Cannes.

Y junto con esta flamante imagen se nos propone una nueva cita. Si en Copenhague podrán disfrutar con el estreno de Nymphomaniac a principios de diciembre, el día de Navidad, 25 de diciembre, todas las familias danesas podrán darse el placer de ir juntos al cine a ver Nymphomaniac. Al fin y al cabo puede verse como una película familiar que comienza con el nacimiento de una niña, siguiendo su evolución hasta convertirse en una mujer de 50 años. Que esté enferma y se diagnostique a sí misma como ninfómana, ya es otra cuestión a considerar. Y al fin y al cabo ya se nos ha dicho que habrá dos versiones, una softcore y otra hardcore, así que lo mismo se puede ir a ver una con los niños, y la otra ya sólo con los amigos. ¿No?

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Diez años después de que tuvieran lugar los acontecimientos ocurridos en Rise of the planet of the apes, una creciente nación de simios genéticamente evolucionados, bajo el mando de Caesar, se ve amenazada por una banda de seres humanos que ha sobrevivido al devastador virus que desató la rebelión de los simios. Alcanzan una frágil paz poco duradera, ya que ambos bandos son llevados al borde de una guerra, que decidirá cuál será la especie dominante de la Tierra. Los simios invadirán la cartelera a partir de la primavera de 2014. 

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La idea era intentar crear, sobre la marcha, capas de imágenes que impregnaran a Duran Duran sobre el escenario. Un mundo de experimentación y algunos accidentes felices.

Palabras del propio David Lynch sobre la experiencia de filmar a la banda de pop británica en el Mayan Theatre de Los Angeles, en una iniciativa de conciertos online ofrecidos en streaming. Las imágenes fueron emitidas la misma noche del concierto, pero no se habían vuelto a ver desde entonces. Simon Le Bon, cantante de la banda, reconoció que tanto él como el resto del grupo estaban encantados con que David Lynch dirigiera el espectáculo. Estaban seguros de que sería capaz de crear "algo que no se ha visto nunca antes", en lo que dicen fue "un sueño convertido en realidad". El próximo 23 de mayo, banda y cineasta estarán en Cannes para presentar su experiencia multimedia y participar en la una gala contra el Sida.

Aparte de sus incursiones musicales tanto en colaboración con artistas como Julee Cruise, Jocelyn Montgomery o John Neff, como en solitario, con su fascinante álbum Crazy Clown Time, no es la primera vez que David Lynch elabora una pieza audiovisual de este tipo. Si regularmente siempre ha contado con músicos cho actores en algunas de sus películas, Sting en Dune, John Lurie en Wild at Heart, Chris Isaak y David Bowie en Twin Peaks: Fire Walk with Me, Marilyn Manson, Henry Rollins y Twiggy Ramirez en Lost Highway, o Billy Ray Cyrus en Mulholland Drive, también ha dirigido videoclips para Moby, Interpol o Chris Isaak.

Pero quizás su mejor precedente sea una obra tan original como Industrial Symphony No.1: the drama of the broken hearted. Un espectáculo audiovisual representado originalmente el 10 de noviembre de 1989 como parte del New Music America Festival, que sería posteriormente editado y publicado en VHS y DVD. Nicolas Cage y Laura Dern, caracterizados según sus respectivos personajes en Wild at Heart rompen una relación amorosa por vía telefónica, mientras tanto, en una escenario industrial, Julee Cruise canta suspendida en el aire, como si fuera el hada buena del Norte, mientras Michael Anderson, El habitante enano de la habitación roja de Twin Peaks, sierra troncos de leña, a la vez que una pareja fornica con lujuria en el interior de un coche.

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El caso es que, por un momento, da la impresión de que sí, de que Baz Lurhmann iba tanto a recuperar las apropiadísimas aportaciones que Truman Capote preparaba para la adaptación dirigida por Jack Clayton, que finalmente fueron rechazadas, como que también iba a aprovechar el contexto sociopolítico en que nos encontramos actualmente, producto de una sociedad tan despilfarradora como la que se muestra en la novela original, que tendría como consecuencia la Gran Depresión. Pero no. A pesar de habría sido acertado y oportuno, ni se muestra a Nick Carraway como un homosexual enamorado platónicamente de Gatsby, ni a Jordan Baker como una lesbiana cautivada por los encantos de Daisy Buchanan. Todavía peor, la edulcorada versión de Luhrmann se aleja incluso de otras cuestiones reflejadas en versiones anteriores, como la violencia doméstica, la maternidad dudosa o la sexualidad ambigua. Está claro que una versión original y transgresora era pedir demasiado, no estamos hablando de un cineasta que tenga la necesidad de expresarse artísticamente, sino de un artesano con ganas de llenarse los bolsillos tanto como Gatsby.

La película de Baz Luhrman tiene exactamente el mismo sentido que las disparatadas fiestas que organiza Jay Gatsby. Ninguno. En realidad las fiestas del mítico personaje si lo tienen, sentido no, pero sí un propósito, pero la película de Luhrmann acaba perdiéndose entre lo que pretende y lo que cuestiona. Porque el cineasta australiano no muestra la ostentación y la superficialidad de los invitados a las fiestas como el síntoma de una sociedad decadente, que es lo que pretendía Fitzgerald, sino como las fiestas que a él mismo le encantaría organizar, el mundo al que le encantaría pertenecer. Contradicciones que están presentes en el relato cuando unas veces Gatsby evidencia que no le interesa nada la gente que acude a su casa cada fin de semana, mientras que después se vanagloriará de una mansión que llena de "gente interesante".

Lo único que realmente parece interesarle a Baz Luhrmann es la historia de amor entre Jay y Daisy. Una historia que no vemos, sino que nos cuentan. Porque The great Gatsby es una película perfectamente diseñada para un público que ni ha visto las versiones anteriores, ni ha leído el libro. Y mira que en Estados Unidos es lectura obligatoria en los institutos. Tanto para que nadie pueda malinterpretar ninguna ambigüedad, como para que tenga la posibilidad de perderse en una historia tan clara y obvia como esta, la voz de Nick Carraway, no sólo sirve para introducirnos en la historia, sino para explicarla con todo lujo de detalles. Lástima que ni siquiera él la entienda bien, porque lo que él cuenta no es, ni mucho menos lo que se muestra.

Personificada en Carey Mulligan, Daisy Buchanan no resulta tan insoportable como lo era en la forma de Mia Farrow, pero sí trasciende con mucha más claridad la superficialidad de su voluble carácter. Mientras que Robert Redford sí conseguía resultar fascinante como Jay Gatsby, Leonardo DiCaprio se empeña en saltar de un registro dramático al más puro slapstick -la secuencia del té en casa de Nick es para abandonar la sala- y rozar en ocasiones el melodrama de sobremesa o hasta el patetismo cuando el personaje dice que tiene 32 años, cuando resulta que aunque DiCaprio tenga 39, representa una persona de 45 (o más). Decir que la aportación de Tobey Maguire es justa, es casi demasiado. No puedo decir que sea mediocre, pero es que tampoco me comunica mucho. No entiendo cómo se hace para que un actor con el físico de Joel Edgerton salga tan feo y desagradable, aunque en ese sentido está muy en consonancia con Isla Fisher, que nos ofrece una Myrtle Wilson como una ordinaria insoportable cuyo mejor momento es sin duda cuando aterriza en el pavimento. Otro personaje totalmente desaprovechado es el de Jordan Baker, interpretada por una insulsa Elizabeth Debicki que sólo transmite unas ganas irrefrenables de abofetearle constantemente.

Desde mi punto de vista, el error es precisamente seguir al pie de la letra el libro (o el guión previo de Francis Ford Coppola). La lectura es una experiencia individual, uno establece el vínculo con Gatsby a través de Nick, con lo cual entendemos perfectamente su fascinación. Pero en la película, en esta y en las anteriores, aunque se comience y se termine con Nick, tan sólo sirve como un conductor, revelándose el propio Gatsby como el verdadero protagonista de la película. Encima, al no coincidir lo que cuenta Nick, con lo que uno está presenciando en la pantalla, la confusión es total. Si a esto sumamos la repetición de secuencias calcadas de la versión de Clayton, desde ese cartel del oculista hasta las cortinas en perpétuo movimiento o la secuencia de las camisas, el aburrimiento se intensifica. Ese intento de dotar de algo más de profundidad al relato, tratando de identificar a Nick Carraway con el propio escritor, no sólo no aporta nada, sino que evidencia la falta de originalidad y de interés de Baz Luhrmann, desenmascarado definitivamente como un auténtico moderno de pacotilla con una cierta capacidad para crear una ligera sintonía entre el ritmo de la música y sus patéticas imágenes vacías, llenas de petardas recalcitrantes en tacones de vértigo, cargadas de plumas, perlas y todo tipo de ornamentos brillantes que, con toda seguridad, servirán de influencia para drag-queens del mundo entero, que serán las que más y mejor provecho saquen de la película, como ya pasó con Moulin Rouge.

Por no poder, ni siquiera puedo decir aquello de que la fotografía es muy bonita. Porque tampoco es para tanto, ni el diseño de producción tampoco. Tan sólo el excesivo vestuario y la afortunada selección musical, hacen algo más amena la proyección, resultando parcialmente decepcionante que no se haya decidido en convertir la película en un musical à la Moulin Rouge. Eso si, no puedo más que lamentar el uso del maravilloso tema de John Adams, que Luca Guadagnino utilizó de manera espectacular en Io sono l'amore. Decir que utilizarla es una anacronía está un poco fuera de lugar, porque no es el único tema y sonido contemporáneo que se utiliza, pero es que resulta un absoluto desperdicio emocional, igual que absolutamente toda la película. Y si ya es una pérdida de tiempo en su versión normal, verla en 3D ya ni te cuento.

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Ali no es Amélie, aunque a Paco R. Baños se le haya antojado querer otorgar a este, su primer film, el encanto de la película francesa mezclándola, sin embargo, con una realidad bastante más cruda que la de Amélie Poulain. Este film no es el primero en emplear la estructura narrativa de Amélie en un intento por rememorar su éxito (y tampoco será el último). El único problema de este homenaje es que en el caso de Ali se queda en la estructura, en las intenciones (mejores o peores), en el hecho de que, por ser Ali la opera prima de su director, adquiere automáticamente el adjetivo prometedora. Y es entonces, en este momento, cuando llegan las decepciones.

Al soportar (desde luego, no disfrutar) de escasos 90 minutos de metraje, hago un intento por ahondar más allá de la superficie en busca de aquello que sus defensores ven y que su director quiso expresar. Pero por mucho que me empeño, no consigo entrar en ese mundo maravilloso de Ali del que me hablan, ni tampoco ver en este film algo novedoso. No veo en Ali sino un quiero y no puedo constante que no achaco al cine español sino, en particular, a este cineasta y a su terrible gusto para elegir a sus protagonistas (no entiendo que la crítica quiera convertir a Nadia de Santiago en la nueva actriz revelación del cine español, ni como Verónica Forqué, a la que adoré en mi infancia, puede llegar a resultar en este film tan sumamente cansina).

Paco R. Baños nos habla de sus personajes a través de los detalles. Trata de definir su personalidad empleando pequeños rasgos, planos que nos acercan a su universo cotidiano pero que, sin embargo, no logran adentrarnos en su esencia, sus motivaciones, sus miedos, sus desafíos. Como espectadores, nos quedamos en la sala de espera sin poder pasar nunca a la consulta en la que los personajes son diseccionados para a través de ello ser comprendidos. Los personajes resultan, así, sumamente planos y la conexión con ellos se torna imposible. Y como espectadora, una película en la que falla la construcción de los personajes, sumada a la escasa calidad de sus diálogos, las buenas intenciones pierden valor y con ello la película en su conjunto.

Al final de esta película, un nuevo cliché para esté cliché llamado Ali: Ali pierde el miedo a conducir y se enamora. O se enamora y pierde el miedo a conducir, no se bien en qué orden ocurre (ni tan siquiera importa). De todos modos debí quedarme dormida en la parte en que se produce un verdadero cambio en la protagonista, o eso, o es que sencillamente ese momento de transición no existe y el director nos lleva directamente al resultado sin habernos mostrado los detalles de una muy mejorable jugada. Discúlpeme también, Sr. Baños, por no ver la poesía en ese paseo por el pasillo de los congelados del supermercado, por no creerme lo que me cuenta, por pensar que un CD no es suficiente para que su protagonista pierda de repente el miedo al amor ni una película como esta motivo suficiente para ir al cine.

El mensaje de este film es tan difuso que no logro decidir si realmente lo detesto o si lo único que me despierta es la mayor (y peor) de las indiferencias. Sea como sea, Ali es una película mediocre, con un guión indefinido, diálogos nefastos y un reparto que no contribuye a resaltar aquellos momentos de lucidez debidos únicamente a la fotografía de algunos de sus planos.

Todo lo que la música y algunas de sus imágenes hacen por convertir a este film en una película atractiva, sus diálogos propios de una serie de bajo presupuesto se lo quitan. Esas partes en que los diálogos pretenden ser cómicos, me resultan patéticos. O eso, o ya no logro encontrar (si es que alguna vez lo hice) el encanto a los diálogos insulsos. Ali es uno más de esa miríada de films con potencial que no logran pasar de sus aspiraciones estéticas ni llegar sobresalir por culpa de una serie de desdichadas catástrofes que terminan en catastróficas desdichas más para el espectador que había depositado un mínimo interés en este film que para un director novel que no ha recibido todas las (malas) críticas merecidas.

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La Vénus à la fourrure

Ganador de la Palma de Oro en 2002 por The Pianist, es sólo la tercera ocasión en la que una película de Roman Polanski compite en la sección oficial de Cannes. Miembro del jurado en 1968, que dimitiría en favor de las protestas de mayo del 68, y presidente en 1991, es la primera vez que compite con una película rodada en francés y protagonizada por su musa y esposa, Emmanuelle Seigner, junto al también actor y cineasta Mathieu Amalric, que ganara hace un par de años el premio al mejor director por Tournée. se trata de la adaptación de una conocida obra de David Ives, que gira en torno a un director de teatro que después de buscar durante mucho tiempo a la protagonista de su obra, termina obsesionado con una candidata que parece comprender en primera persona las necesidades de su personaje, entablando una peligrosa relación sadomasoquista con su director.

Borgman

Primera ocasión que el cineasta holandés Alex Van Warmerdam compite en la sección oficial, aunque ya estuviera presente anteriormente en Cannes con Kleine ten (Little ony) en la sección *Un certain regard. Su historia se centra en un misterioso personaje, Camiel Borgman, que surge en las tranquilas calles de la periferia acomodada para golpear en casa de una familia burguesa. Y con qué fuerza.

Ware no tate (Shield of straw)

A priori no diríamos que Takashi Miike sea un cineasta típico de Cannes, pero lo cierto es que Wara no tate (Shield of straw) es la segunda de sus películas que entra en competición, que parece unificar los dos aspectos de su filmografía reciente, la más violenta con la más reflexiva, a través del llamamiento que un multimillonario sediento de venganza por la muerte de su nieta lanza a través de la prensa: "Mate a este hombre y recibirá 1 millón de yenes como recompensa". El hombre es cuestión tan sólo es un sospechoso, pero lo que iba a ser el periplo de dos policías escoltando al sospechoso hasta Tokio se convertirá en un western urbano de final incierto. Seguro que recuerdas a sus protagonistas: Tatsuya Fujiwara de *Battle Royale y Nanako Matsushima de Ringu (The ring: el círuclo).

Tian Zhu Ding (A touch of sin)

Tercera película del cineasta chino Jia Zhangke en la sección oficial del festival de Cannes que ofrece una mirada sobre la China contemporánea a través de cuatro personajes. Dahai es un minero exasperado por la corrupción de los dirigentes de su pueblo, San'er es un trabajador emigrante que descubre las infinitas posibilidades que le ofrece su arma, Xiaoyu es recepcionista en una sauna y no soporta más el acoso de un cliente rico, y Xiaohui pasa de un trabajo a otro en condiciones cada vez más degradantes. Cuatro personajes, cuatro relatos que reflejan una sociedad con un desarrollo económico colosal que poco a poco va siendo erosionado por la violencia.

Only God Forgives

Flamante ganador del premio al mejor director hace sólo dos años con Drive, el cineasta danés Nicolas Winding Refn vuelve a Cannes para presentar Only God forgives, de nuevo junto a Ryan Gosling, secundado ahora por Kristin Scott Thomas. Y de nuevo vuelve a recurrir a clichés del cine de género para articular un relato que gira en torno a una venganza en Bangkok en la que están involucrados un policía tailandés y un mafioso británico.

Jeune et Jolie

No parece que François Ozon haya sido profeta en su tierra. Después de presentar Swimming pool en la sección oficial hace una década, es la segunda vez que el festival acepta otra película suya, aunque ha estado presente en otras secciones en cuatro ocasiones más. Protagonizada por Marine Vacth, su película está definida como el retrato de una joven de 17 años a través de cuatro estaciones y cuatro canciones.

Soshite chichi ni naru (Like father, like son)

Tercera película del cineasta japonés Hiralu Kore-eda en la sección oficial que, de nuevo, vuelve a girar en torno a la familia. En este caso la que forman Ryoata, uno de esos arquitectos obsesionados con el éxito profesional, y su esposa, junto a su hijo de 6 años. Todas sus reerencias se desmoronan cuando le informan de quien a criado como su hijo no lo es, y que el suyo ha crecido en un medio más modesto.

Nebraska

A además de ser miembro del jurado del año pasado, Alexander Payne ya había estado en competición presentando About Schmidt. Con un reparto encabezado por Bruce Dern, vuelve ahora para presentar el viaje que realizan un padre alcohólico demente, junto a su distante y paciente hijo, desde Montana hasta Nebraska con la excusa de recoger un premio de un millón de dólares, que se supone ha ganado. Rodada en blanco y negro, el viaje servirá para que el padre se reencuentre con su pasado y consigo mismo.

La grande bellezza (The great beauty)

Es posible que Paolo Sorrentino consiguiera el premio del jurado con Il divo, hace exactamente un lustro, y que esta sea la quinta de sus películas que compite por la Palma de Oro, pero después del fiasco que resultó ser This musa be the place, un servidor ya no espera gran cosa de esta nueva película suya repleta de aristócratas aburridas, arribistas insaciables, políticos corruptos, criminales de alto standing, periodistas insaciables, actores egocéntricos, nobles decadentes, artistas de tres al cuarto, intelectuales de pacotilla y un sin fin de personajes que tejen una Babilonia posmoderna viviendo la dolce vita contemporánea.

Behind the candelabra

En Cannes fue, precisamente, donde empezara el periplo de Steven Soderbergh cuando, hace algo más de dos décadas, recibía la Palma de Oro por su ópera prima, Sex, líes and videotape. Sólo dos veces más conseguiría colar una película en la sección oficial, para dar fin a su trayectoria con el insólito biopic de Liberace en la cuarta ocasión. Resulta irónico que finalmente no vaya a ser estrenada en salas de cine, pero aún así haya sido aceptada en el festival. Michael Douglas y Matt Damon protagonizan toda esta excentricidad.

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Lo que seguro podremos disfrutar es con un reparto encabezado con Forest Whitaker, que protagoniza una película en la que está rodeado por un magnífico reparto que incluye a Oprah Winfrey, Liev Schreiber, Terrence Howard, Vanessa Redgrave, Cuba Gooding Jr, Alex Pettyfer y David Oyelowo. Y todo esto sin contar con lo que sin duda será el plato fuerte, comprobar como se desenvuelven John Cusak como Richard Nixon, James Mardsen y Minka Kelly como John Fitzgeral Kennedy y señora, Alan Rickman y Jane Fonda (me preocupa su aspecto en el tráiler) como Ronald y Nancy Reagan, o Melissa Leo y Robin Williams como el presidente Eisenhower y su esposa.

Si a esto sumamos que Lee Daniels repite con dos de las presencias que fueran más estimulantes del reparto Precious, como Lenny Kravitz, que después se ha prodigado en The Hunger Games, y Mariah Carey, que sorprendía a más de uno con su interpretación de trabajadora social, queda claro que en lo que respecta al reparto de The butler, el proyecto se perfila como altamente interesante. Me pregunto si por fin habrá despedido Forest Whitaker al agente que le involucró en proyectos demenciales como Repo Men o The experiment. Cierto es que quizás haya estado demasiado enredado en la pequeña pantalla, con una serie como Criminal mines: suspect behaviour, pero la verdad es que tenemos que remontarnos siete años atrás para recuperar una de sus interpretaciones mas interesantes, como la que ofrecía en The last king of Scotland. ¿Será con la interpretación de este mayordomo que recuperaremos a un extraordinario actor? Ojalá vaya a ser así.

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El origen de la Gran recesión

Independientemente de que los indignados tengan muchas reivindicaciones, lo cierto es que, de alguna manera, podemos decir que todo comenzó con la crisis económica al a que algunos aluden como la Gran recesión, supongo que para diferenciarla de la Gran depresión del 27. Qué curioso que esta nueva crisis comenzara de nuevo en los Estados Unidos, en 2008, y que adquiriera proporciones mundiales. Dos películas como Inside Job y Margin Call abordaban directamente el origen de la crisis, la primera en clave documental y perfectamente explicativa, la segunda en forma de ficción en clave demostrativa. Pero quizás me sorprenda más un documental previo, Let's make money, que recogía de una manera objetiva opiniones encontradas sobre la licitud de la especulación y los peligros del neoliberalismo.

Las consecuencias de la crisis

Seguro que todos conocemos a alguien que afirma que si le hubieran preguntado nos hubiera dicho la que se nos venía encima. Muchos podrán decirlo, pero un cineasta como Costa-Gavras también puede demostrado porque tres años antes de que estallara la crisis hablaba de los peligros de la competitividad laboral en Le couperet. Una extraordinaria película que se complementa a la perfección con Le capital. En medio nos encontramos con títulos como Up in the air o The Company men, que mostraban las terribles consecuencias de la recesión con el incremento del paro.

Reflejando la indignación

El cine de entretenimiento no tiene porqué estar reñido con la actualidad. de hecho, resulta mucho más creíble y reconfortante cuando refleja lo que está pasando en el mundo. Y eso es lo que, en mayor o menor medida mostraban títulos como Rango, en la que la especulación inmobiliaria era lo que generaba el comportamiento de los habitantes de un pueblo que bien podría haber estado en la provincia de Murcia, o Safe house, que además de mostrar el movimiento indignado de Sudáfrica, denunciaba la manera en la que los gobiernos enmascaran la verdad en su propio beneficio, que no en el del pueblo, algo que también sucedía en Elefante blanco. Seguro que a muchos le sorprendían mis reflexiones sobre The dark knight rises, en la que me postulaba más en favor de Bane, que se alzaba como un perfecto de alter ego indignado en un mundo en que la policía estaba manipulada por la política. Quizás el discurso quedaba finalmente embarrado por la necesidad (o la opción) de Christopher Nolan por plegarse a las necesidades del sistema, por eso me parece mucho más contundente la película francesa Une vie mellieure, en la que se muestra de una manera perfectamente humana y real las consecuencias de la crisis en los que no la provocaron, pero la sufren irremediablemente.

Rebeliones metafóricas

Siempre me ha fascinado el cine que dirigiendo su argumento por un derrotero muy concreto, en realidad habla de otra cosa que la que muestra. Quizás el ejemplo de Cosmopolis sea más una parábola que una metáfora, pero al fina y al cabo también parte de una premisa tan sencilla como un corte de pelo. Tremendamente anticipada resulta la indignación del pueblo danés, que ya en los tiempos de la Ilustración puso las cosas en su sitio, tal y cho se muestra en A royal affair. Aunque la película que más me sorprendió y me cautivó en este sentido fue, sin duda, Killing them softley, en la que detrás del comportamiento de unos gángsteres se podía intuir la de banqueros y políticos, además de las claras alusiones al engaño en el que vive la sociedad cuando ejerce su derecho al voto.

Indignados desde el corazón

Cuando casi podemos afirmar que España fue el primer país indignado de Europa, el cine español, que tan reivindicativo está siempre contra los políticos, tardó en reaccionar y reflejar lo que era un clamor popular. El movimiento inglés, denominado Occupy, tuvo su reflejo en We're not broke, mientras que Tony Gatlif recogía directamente las reflexiones de Stéphane Hessel en Indignados, que se estrena esta semana en España. Verguenza me da que Pedro Almodóvar, que siempre es el primero dispuesto a coger el micrófono en alguna causa que considera lo merece, no sólo tardara en reaccionar, sino que saliera por peteneras con una alegoría en clave cómica como Los amantes pasajeros, cuya gracia no llegaron a ver ni los británicos. Menos mal que llegó Isabel Coixet y dijo lo que haba que decir en Ayer no termina nuca, una película tan sencilla y contundente, como sensible y emotiva. A falta de conocer lo que Isaki Lacuesta nos contará con Murieron por encima de sus posibilidades, un gran veterano como Basilio Martín Patino se demarcaba antes que ellos con un documental tan sincero y valiente como 15-M Libre te quiero. Quizás el documento menos politizado, para bien o para mal, quizás la mirada más objetiva del 15-M.

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Intentar explicar lo que Rob Zombie pretende con su película, sería tanto como preguntarle a un adolescente cómo escoge entre las diferentes tribus urbanas que le ha tocado vivir. Claro que el director de la película dista bastante de ser un adolescente. En el fondo, se me antoja que su propósito (por apostar algo) pudiera ser el de postularse como creador de videoclips para bandas y artistas como Nine Inch Nails, Marilyn Manson o David Bowie, aparte de para sí mismo. Si bien su relato es insoportablemente torpe, desesperantemente obvio y absolutamente previsible, su capacidad para crear imágenes interesantes no deja de llamar la atención. Eso sí, es una belleza carente de fuerza, sin estimulación alguna, porque sus delirios satánicos no llegarían ni a escandalizar a los conservadores más recalcitrantes.

Tedio, sopor y aburrimiento son, en definitiva, las señas de identidad de una propuesta tan rancia como el pelo rastafari de su protagonista. Lo único que consigue llamarme la atención, aparte de las alusiones visuales a George Méliès, el cine de terror en blanco y negro que se cuela por todas partes o los delirios de la Factory de Andy Warhol en Flesh for Frankestein, que no bastan para que me sienta identificado artísticamente con su creador, es la pieza musical que perturba a algunas de las mujeres que la escuchan. Resulta decepcionante que no consiga provocar el mismo efecto entre el público asistente a la proyección, porque habría sido mucho más divertido que todos nos desnudáramos y termináramos haciendo un aquelarre delante de a pantalla, en lugar de terminar de ver la película.

El único aliciente que realmente podría tener acercarse a ver The Lords of salem, aparte de la intervención de Bruce Davison, absolutamente entregado como siempre, sería la recuperación de actrices como Maria Conchita Alonso, que no había visto desde hace mucho tiempo, y el redescubrimiento de "brujas" como Judy Geeson, que se hiciera muy famosa a finales de los sesenta y principios de los setenta tras su participación en títulos como To Sir, with Love o 10 Rillington Place; Patricia Quinn, auténtica musa de la modernidad desde que interpretara a Magenta en The Rocky Horror Picture Show; o la entrañable Dee Wallace, que seguro que muchos recuerdan todavía de títulos como The Howling y E.T. the extra-terrestrial. Y ¿qué me dicen de Meg Foster? Lo que no me cabe duda es que Rob Zombie tiene criterio para escoger con gracia y estilo a los integrantes de su reparto, lástima que en lugar de torturarnos con sus delirios cinematográficos no se haya decidido por crear una agencia de casting.

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Queridísimos verdugos

Uno de los aspectos que más conmocionan de la película es la naturalidad con la que los verdugos narran directamente a cámara las atrocidades que cometieron, sin avergonzarse ni desarrollar un sentimiento de culpa, e incluso se atreven a escenificar los métodos de asesinato a los que recurrieron en el genocidio. Y la entrevista a Christine Cynn nos permitió descubrir que ni siquiera fue necesario convencerlos o fingir que el documental no era crítico con el genocidio: "Fue fácil contactar con los asesinos y los perpetradores del genocidio. Tuve relaciones con varios perpetradores, el protagonista fue el asesino número 41 al que entrevisté. Pero ellos no tiene problemas en salir delante de la cámara: están orgullosos de lo que han hecho todos ellos. No tienes que convencerlos, porque piensan que ha sido esencial su papel para derrocar al comunismo".

Pero, en realidad, esta película es lo que estos verdugos estaban esperando. Porque los ejecutores se habían inspirado en el cine para construir sus propios métodos de matanza, especialmente en el cine policíaco, y por lo tanto, esta película podría ser la recreación de esta ambigüedad que vivieron durante el genocidio, fundiendo cine y realidad: "Los asesinos estaban atraídos por el cine y querían estar en el cine, y él quería expresarse en la cámara como si estuviese dentro de su género cinematográfico favorito. Él realmente quería escenificar los asesinatos, porque se sentía en una película. Había que buscar los trajes y el maquillaje pero él deseaba integrarse en la película y en su estética. La gente me pregunta: ¿cómo llegaste a ellos? Es que ellos realmente deseaban hacerlo, es lo que más querían hacer.

Todo documental es una ficción

Christine Cynn no quiso realizar un documental con imágenes de archivo, que funcione como una especie de arqueología del pasado. Porque lo que ella desea es investigar los espacios en los que nace el mal: pretende una sumersión en los abismos de la maldad. Por ello, no servía una investigación histórica, pues con ello no se accedía a la mente de sus protagonistas: era preciso el recurso a la ficción. En la entrevista a Christine Cynn descubrimos una idea fundamental: "Con esta película trataba de documentar la imaginación".

Además, Christine Cynn sabe que la realidad no se puede captar en bruto en un documental, pues la cámara siempre implica una construcción. Por ello, prefiere tomar la ficción como método de acceso a la realidad y al pasado: "Y es que siempre hay una ficción en el documental, el hecho de que haya una cámara filmando y se actúe como si no estuviera, es en realidad una ficción, no es verdad. Por qué no usar la cámara para catalizar una realidad que, es en realidad una performance: la cámara recoge una idea, no la realidad en bruto".

Y toda vida es también una ficción

Su película utiliza un lenguaje cinematográfico a la hora de recrear las matanzas, como si asistiésemos a una escena de tortura en un cine policíaco o un thriller. Pero con ello no quiere señalar que la representación de la violencia lleve a una mayor violencia en la realidad: "La idea de que el cine engendra violencia es demasiado simple, no pretendo en ningún momento apoyarla". Su idea es mas compleja, pues pretende señalar la forma en que ficcionalizamos la realidad de forma inconsciente, de modo que somos incapaces de acceder a la realidad en bruto, y actuamos a través de su imagen: "La división entre lo que consumimos y lo que somos no es tan fuerte, y en esa frontera se encuentra la identidad. Nos vemos a nosotros mismos a través del filtro del cine, de la televisión, como un fotograma. Utilizamos el lenguaje del cine para vernos a nosotros mismos. Si hiciésemos una película de ficción sobre uno mismo, utilizarías el lenguaje que conoces de la ficción cinematográfica".

En el fondo es la idea que defendió Jean Baudrillard en Cultura y simulacro, donde advertía que la realidad ha sido suplantada por la imagen que reproducen los medios y, por lo tanto, ya no vivimos sino en un simulacro de la realidad, que ha perdido toda conexión con la fuente que lo engendró. Por eso, los ejecutores recurren al lenguaje del cine para perpetrar sus matanzas. Y es que, a partir de este simulacro, que se reproduce en el cine, donde la historia real ha quedado suplantada por su representación en imágenes y las convenciones narrativas del cine, llegamos a interpretar nuestra propia vida: "no quiero apoyar la idea simple de que somos personajes en nuestra propia existencia. Pero normalmente ordenamos la vida de acuerdo a los principios de una historia cinematográfica, con el comienzo, el final y las fases de la redención, el anticlímax, etc. E incluso organizamos la memoria a partir de las narraciones del cine, y The Act of Killing es una película sobre el precio que supone concebir así la realidad. Y es que la vida no tiene principios ni finales, y sin embargo, siempre extraemos el sentido a partir de los finales que fijamos en la historia vital, aun cuando son ficciones".

Y esto tiene una consecuencia sobre nuestra concepción de la realidad: al ficcionalizar nuestra visión del mundo, hay elementos que quedan expulsados de su representación en el simulacro, y uno de ellos es el dolor, que es desterrado. En el simulacro no hay dolor y, por lo tanto, los ejecutores pueden ejercer la violencia sin sentimiento de culpa, pues no creen que estén causando sufrimiento al vivir en la virtualidad de lo real que hemos construido en el s. XX. Y es que una concepción ficcional de la vida es, sin duda, reductora de la realidad, y The Act of Killing pretende traer a la imagen esa violencia: "Pero a la vez, es una película sobre lo que no está en el fotograma, sobre lo que está desaparecido de esta memoria cinematográfica, pues muchas imágenes no caben en esta forma de organizar el pasado".

La repercusión de la película

Y, si algo certifica esta película es que el cine sigue teniendo una influencia fundamental sobre la sociedad. De hecho, su estreno nos recuerda a esa etapa en el cine occidental en el que una película podía dejar en shock a la cinefilia ante lo que representa en sus imágenes, elemento que ya no se da tan frecuentemente, gracias a que la libertad de expresión y la supresión de toda censura (sea el Código Hayes, o la censura franquista) ha permitido la representación de cualquier acontecimiento en el celuloide. Pero en Indonesia se ha instaurado un pacto de olvido respecto al tema y no es posible hablar abiertamente del genocidio, por lo que podría generar polémica en el país. De hecho, los títulos de crédito están compuestos por gente que no ha podido fijar su nombre porque su vida correría peligro, y sólo podemos descubrir la palabra "anónimo". Por el momento, ha encontrado al menos su hueco entre las salas del país: "soy pesimista por naturaleza, pero el film está teniendo un gran eco en Indonesia. No se ha estrenado en salas comerciales, pero sí en pases especiales, y cada día lo ven más espectadores, e incluso una revista de cine le ha dedicado un monográfico al film. Este hecho es sorprendente, porque el ejército tiene un gran poder sobre lo que se publica. Después de escuchar la historia más terrible en el más terrible de los mundos, he encontrado la esperanza en la resonancia internacional que está teniendo la película, pues puede crear efectos internos".

Y The Act of Killing al menos debe servir para remover la conciencia de la gente y obligarles a revisitar el pasado, no solamente a los que lo vivieron, sino también a las nuevas generaciones que durante años han vivido en una amnesia histórica: "Con The Act of Killing quiero comenzar un debate, especialmente para las generaciones jóvenes, que no conocieron el genocidio. Mucha gente joven está en shock al conocer la matanza a través del film, y se preguntan: ¿por qué ocurrió esto? ¿Por qué nadie me habló de ello, ni los padres ni los profesores? Es un proceso muy positivo si la película genera estos efectos".

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Le passé

Después de conseguir el Oso de Oro en Berlín y el Oscar a la mejor película en lengua extranjera con Jodaeiye Nader az Simin (Nader y Simin, una separación), el cineasta iraní Asghar Farhadi presenta por primera vez película en la sección oficial de Cannes. Una película rodada en francés con ecos de su aclamada película previa, dado que después de cuatro años de separación, Ahmad llega a París desde Teherán, a pedido de Marie, su esposa francesa, para proceder a las formalidades de su divorcio. Durante su corta estadía, Ahmad descubre la relación conflictiva que Marie mantiene con su hija, Lucie. Los esfuerzos de Ahmad para intentar mejorar esta relación dejarán al descubierto un secreto del pasado. En el reparto de Le passe nos reencontramos con presencias tan estimulantes como las de Bérénice Béjo y Tahar Rahim, protagonista la primera de The artist y el segundo de Un prophète, ambas premiadas anteriormente en Cannes.

Only lovers left alive

Viejo conocido del festival de Cannes, tres películas dirigidas por Jim Jarmusch, Broken flowers, Mystery train y Stranger than paradise, y un cortometraje, han sido premiados anteriormente en la croisette. En su séptima película en competición cuenta con las presencias de Tom Hiddleston, Tilda Swinton, Mia Wasikowska, John Hurt, Anton Yelchin, Jeffrey Wright y Slimane Dazi, que le ayudan a crear un relato tan críptico como sus últimas obras, que gira aquí en torno a una historia de amor que se ha extendido a lo largo de varios siglos, que podría peligrar con el colapso del mundo moderno.

Heli

Después de presentar Los bastardos y Sangre en la sección Un certain regard, ganando por esta última el premio FIPRESCI, el cineasta de origen español afincado en México, Amat Escalante, presenta Heli en competición. Se trata de la historia de Estela, una niña mexicana de 12 años cuya familia se ve enredada en un engranaje de violencia cuando ella se enamora de un policía implicado en el tráfico de drogas.

The immigrant

Miembro del jurado de Cannes en 2009, el cineasta estadounidense James Gray, comparece por partida doble en Cannes con Blood Ties fuera de competición y, por cuarta ocasión en la sección oficial, con The Inmigrant. Protagonizada por Jeremy Renner, Marion Cotillard y Joaquin Phoenix, nos remonta a los primeros años veinte, cuando Ewa y su hermana Magda abandonan Polonia por la tierra prometida. Cuando llegan a Nueva York, Magda está enferma de tuberculosis, por lo que es sometida a cuarentena. Sóla y desamparada, Ewa, dispuesta a aceptar cualquier sacrificio, acaba enredada en la prostitución. Un rayo de luz abre el camino hacia una vida mejor en compañía de Orlando, un ilusionista, y su primo Bruno, pero no habían contado con los celos de este último.

La vie d'Adele - Chapitre 1 & 2 (Blue is the warmest colour)

Léa Seydoux y Adèle Exarchopoulos protagonizan la primera película en la sección oficial dirigida por Abdellatif Kechiche, artífice de películas premiadas como L'esquive (Games of love and chance) o Cuscús, en esta ocasión adapta una novela gráfica en la que vemos cómo el universo de Julie se desbarata cuando se enamora inesperadamente de una enigmática joven con el pelo azul. El posible que sus amigos y familiares le den la espalda, pero ella acaba encontrándose a sí misma. Vamos, nada que ver con la cantante británica.

Jimmy P: Psychotherapy of a plains indian

Miembro del jurado de cortometrajes en 1998, Arnaud Desplechin vuelve por octava ocasión al festival de Cannes con una película protagonizada por Benicio del Toro y Mathieu Amalric. Su película se centra en torno a Jimmy Picard, un indio blackfoot combatiente de la Segunda Geurra Mundial, que es ingresado en un hospital militar especializado en enfermedades del cerebro. Vértigo, ceguera temporal y pérdida de la audición son algunos de los trastornos que sufre Jimmy, para los que no hay causas fisiológicas, lo que impone un diagnóstico de esquizofrenia. Sin emabrgo, el hospital decide solicitar una segunda opinión de un especialista en culturas amerindias.

Michael Kohlhaas

Ganador del premio al mejor actor el año pasado por Jagten, Mads Mikkelsen vuelve a la croisette con la cuarta película de Arnaud des Pallières, en la que es su primera en competición. Una historia que nos remite al siglo XVI, cuando un próspero mercader de caballos tiene un vida feliz y acomodada, pero que siendo víctima de una injusticia recluta un ejército para saquear las ciudades y restablecer sus derechos. En el reparto de la película podemos encontrar nombres tan estimulantes como los de Bruno Ganz, Mélusine Mayance, Denis Lavant, Roxane Duran, Paul Bartel y el español Sergi Lopez.

Grigris

Miembro del jurado en 2011, es la segunda vez que una película dirigida por Mahamt-Saleh Haroun compite en la sección oficial de Cannes, obteniendo anteriormente el premio del jurado por Un homo qui crie (A scraming man). Su nueva propuesta se centra en la historia de Grigris, un joven de 25 años que sueña con ser bailarín, a pesar de su pierna paralizada. Si a esto sumamos que a causa de que su tío enferma gravemente decide trabajar para traficantes de gasolina, nos haremos una idea de los nuevos territorios a los que se enfrenta.

Un château en Italie

Si hubiera sucedido anteriormente habríamos pensado que la cineasta francesa Valeria Bruni Tedeschi sacaba partido de su apellido, peor con su hermana, Carla Bruni, podemos afirmar con seguridad de que está por sus propios méritos en la sección oficial del festival. La primera, además, en el que es su tercer largometraje después de Il set plus facie por un chameau… y Actrices, que sí estuviera presente en Cannes, pero en la sección Un certain regard, logrando el premio especial del jurado. Como viene siendo habitual, no sólo dirige y participa en el guión, sino que también protagoniza la historia de una familia de la burguesía industrial italiana que se acaba disgregando mientras que coge forma el amor de Louise y Nathan.

Inside Llewyn Davis

Novena ocasión que los hermanos Joel y Ethan Coen compiten en la sección oficial de Cannes, participando en otras tres ocasiones en otras secciones. Si ya consiguieron la Palma de Oro con Barton Fink, también se han llevado el premio a la mejor dirección en tres ocasiones por títulos como The man who wasn't there, Fargo y, de nuevo, Barton Fink. Se trata de la primera incursión de los Coen en el mundo de la música, a través de un drama ambientado en los años 60 sobre Llewyn Davis, un músico de folk imaginario al más puro estilo Bob Dylan. En el reparto se integran presencias tan diferentes e interesantes como Oscar Isaac, Carey Mulligan, Garrett Hedlund, F Murray Abraham, Justin Timberlake y el habitual John Goodman. Todo un poco excéntrico ¿no?

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Lo que en su día fuera una película de culto, apta sólo para depredadores audiovisuales y ratas de videoclub, planean presentarlo ahora como una peluca de acción aventuras dirigida a un público mainstream. Algo que tendrían asegurado si la negociación para incluir a Arnold Schwarzenegger en el proyecto termina siendo favorable. Michael Herz y Lloyd Kaufman fueron los directores originales de esta entrañable producción de Troma Entertainment en la que Marvin Ferd III, un esmirriado encargado de limpieza de un gimnasio de una pintoresca localidad de Nueva Jersey, experimenta una extraordinaria mutación tras caer en un cubo lleno de líquido radiactivo. La metamorfosis le convierte en un ser de aspecto no menos monstruoso del que ya tenía, pero cuya fregona que sostenía en la mano en el momento de la transformación, le convierte en un genuino héroe dispuesto a "limpiar" el mundo de todo mal. un héroe nada convencional, que se pasea en tutú y tiene una novia ciega, literal y figuradadmente.

Se imaginan a Schwarzenegger persiguiendo a los chicos malos de Tromaville con su fregona? Seguro que entre muchos debe haber cundido el pánico, pero podéis respirar tranquilos: Arny no pretende llevar la fregona ni siquiera interpretar a al personaje protagonista. Su objetivo no es el asistente de limpieza del gimnasio, sino otro personaje. Lo que no deja de preocuparme, porque tampoco creo que ahora esté dispuesto a ceder el protagonismo a otros para recluirse en un discreto segundo lugar con un bonito personaje de reparto. En cualquier caso, tampoco me importa que destruyan y desvirtúen la historia porque siempre siempre siempre podemos recurrir a la película original, lo que directamente suelen provocar todos estos remakes y revisiones de películas tan míticas como entrañables, que nos recuerdan los motivos por el que nos gustan aquellas películas que se hicieron antes.

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Lo mejor de todo es que, tal y como nos adelantaban en uno de los vídeos promocionales, esta visión del virus no se limita a realizar una nueva película de zombies, sino que, como muchos otros autores antes, se trata de una película metafórica en la que no sólo parecen estar hablando de la crisis económica actual, que se extendió de un país a otro como si de un auténtico virus se tratara, sino que aprovecha para criticar y cuestionar medidas y actitudes de ciertos colectivos. No pretendo caer en el spoiler, pero una de las secuencias, la que sucede en Israel, tiene unas interesantes interpretaciones, con esos muros que en principio se levantaron para controlar la entrada de terroristas e impedir que se colaran por ningún sitio, sirviendo ahora muy apropiadamente para contener a los zombis… Si no consiguieron realmente su primer propósito, no hace falta explicar si alcanzarán el segundo.

De todas formas, quizás sea pronto para celebrado, grande sería nuestra desilusión (al menos la mía) si estas tres secuencias fueran lo mejor que Marc Forster y su equipo pueden dar de sí, aunque esperemos que sea sólo una pequeña muestra. También hay que alertar que resulta un poco forzada la capacidad del personaje interpretado por Brad Pitt para llegar a alguna conclusión (como parece que hace) en una de las secuencias, que mientras huye despavorido con su familia de los zombis le da tiempo de comprobar lo que tarda una persona en infectarse. Demasiado listo y espabilado este chico. De todas maneras, me propongo no sacar conclusiones precipitadas y muy alentado por estos adelantos que nos ha brindado Paramount, estaré preparado para todo lo que pueda avecinarse con World War Z.

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L´avventura (La aventura, 1960), de Michelangelo Antonioni

Michelangelo Antonioni presentó en el festival de Cannes de 1960 L´Avventura (La Aventura), la primera parte de su tetralogía de la incomunicación. Y este hecho implica, a la vez, presentar una nueva forma de entender la narrativa, que se aproxima constantemente a la experimentación. Porque en L´avventura integró muchas de las ideas sobre su concepción del cine: se trata de una película fundada en el conflicto de puntos de vista, donde cada plano pertenece a una visión, ya sea del realizador o de los personajes; a la vez, es un film sobre la mirada, donde la imagen pretende hacernos partícipes de las impresiones primeras que el mundo causa en sus personajes; también un film sobre una búsqueda que no llega a dar resultado y se esconde por os pliegues del celuloide, del mismo modo que la realidad se camufla a la mirada, por lo que la propia trama se hunde en su desarrollo para convertirse en otra cosa; y recurre también a la prolongación del tiempo narrativo para aproximarlo a un tiempo real, con un vaciamiento de acontecimientos significativos o, mejor dicho, haciendo significativo lo más nimio.

Esto es sólo un breve resumen de algunas de sus propuestas, y claro, la sala estalló en abucheos mientras veían el film, y muchos lanzaban carcajadas en los momentos más dramáticos; de hecho, el propio Michelangelo Antonioni, presente en la sala, decidió abandonar la proyección desesperado, y Monica Vitti terminó llorando por la frustración ante el arduo trabajo realizado. Sin embargo, algunos aplaudieron al finalizar la proyección, y al día siguiente, 37 intelectuales, con figuras como el director Roberto Rossellini o el crítico André Bazin, le enviaron una carta donde declaraban la admiración hacia la propuesta estética de esta película. Y, en el palmarés, L´avventura finalmente se alzó con el Premio del Jurado; cincuenta años después, en la edición de 2009, el cartel del festival se inspiró en un fotograma de la película. Os dejo con la carta de apoyo al realizador y con una entrevista a Monica Vitti comentando la recepción del film en Cannes:

Conscientes de la importancia excepcional del film de Michelangelo Antonioni, L'Avventura, y asombrados por las muestras de hostilidad que ha causado, los críticos y miembros del jurado que firman están ansiosos por expresar su admiración hacia el realizador de esta película.

Viridiana (1961), Luis Buñuel

Viridiana es la única Palma de Oro obtenida por un film español. Eso sí, español sólo a medias: Luis Buñuel, el director, llevaba años exiliado en México y se le había permitido realizar esta película en suelo español tras el éxito internacional de su cine; y la actriz protagonista es Silvia Pinal, estrella del cine mexicano. Pero, consciente de que su historia no pasaría la censura, llevó los negativos a Paris de forma clandestina para realizar la post-producción de sonido, argumentando que allí había mejores estudios de sonido, de modo que la censura del franquismo sólo dio el visto bueno al guión, pero no al resultado final. De Paris, el negativo viajó la noche anterior a su proyección en el festival, y Luis Buñuel ni siquiera se desplazó a la costa azul porque estaba enfermo en Paris. Se proyectó el penúltimo día del certamen, cuando ya estaba casi cerrado el palmarés, pero causó tal revuelo su visionado que el jurado decidió otorgarle la Palma de Oro, ya que en comparación con Viridiana, el resto de películas quedaban en mayor olvido.

Aquí, la polémica no surgió en el seno del festival, pues aquí es de precisar la capacidad del Jurado de estar en la vanguardia y apoyar las propuestas más arriesgadas. Pero alrededor pronto estalló el escándalo: Juan Antonio Bardem y Domingo Dominguín, ambos miembros de la productora Uninci que financió la película, le ofrecieron al entonces Director de cine, Muñoz Fontán, que subiese al escenario a recoger la Palma; tras su regreso a España, fue destituido del cargo por el ministro de Información y Turismo, por dejar que tal film hubiese traspasado las férreas fronteras de la censura. Asimismo, se le prohibió a Uninci la continuidad de sus actividades, y debió cesar su papel en la producción cinematográfica, e impidió a Pere Portabella, productor de Viridiana, la realización de cine. Además, el periódico del Vaticano L´observatore Romano la calificó de blasfema, excomulgó al equipo y señaló que incluso la música de Haendel y Mozart que aparecía se volvía perversa en el seno del metraje. Como resultado de esta noticia, Gabriel Arias Salgado prohibió la exhibición de la película, y ordenó la destrucción de todas las copias, pero se salvó una copia que quedó en Paris. Pero a España ya no llegaría a las salas hasta 1977.

Mayo del 68

En 1968 no hubo Palma de Oro. Y es que, a causa de las revueltas estudiantiles de mayo del 68 que sucedían en el territorio francés de forma paralela, el festival se canceló, debido sobre todo a la presión de una serie de directores de la nouvelle vague, especialmente Claude Lelouch, Jean-Luc Godard y Francois Truffaut, que deseaban detener las proyecciones. De hecho, recurrieron a camuflar las pantallas de cine con el telón para impedir la visibilidad de las películas y su proyección, y el propio Carlos Saura desencadenó el fin del festival al negar la proyección de su película Peppermint Frappé colgando el telón sobre la pantalla. Esta reacción fue en cadena, y tres miembros del Jurado se sumaron a la rebelión: Roman Polanski, Louis Malle y Monica Vitti decidieron dimitir como miembros del Jurado en solidaridad con los estudiantes y obreros detenidos en París y el resto de Francia. De este modo, aquí la polémica no provenía de ninguna película, sino de los directores, que lograron convertir el festival de Cannes en un espacio para la reivindicación.

Taxi Driver (1976)

Con esta obra de Scorsese, la polémica se contradice a sí misma: la voz crítica nació del propio presidente del Jurado, el gran dramaturgo Tennessee Williams, quien señaló que el film era un retrato exagerado y desmesurado de las calles de Nueva York. Sin embargo, el propio Williams fue quien entregó la Palma de Oro de aquella edición a Taxi Driver, de modo que en Cannes, a veces la polémica sirve como un medidor de las posibilidades de una obra para ser premiada.

Idioterne (Los idiotas, 1998)

La segunda película de Lars von Trier que filmó tras la redacción del manifiesto Dogma 95 era un auténtico cóctel molotov en Cannes: la serie de jóvenes que se hacen pasar por idiotas que retrata, junto con la crudeza de su estética y el sexo explícito, causó controversia entre los asistentes a la proyección, y el crítico inglés Mark Kermode gritó "Il est merde! Il est merde!" (Es una mierda), lo que llevó a que le expulsasen de la sala. Pero para Lars, observar esta reacción quizá fuese un auténtico placer.

Armaggedon (1998)

La mítica película sobre la destrucción de un asteroide dirigida por Michael Bay no causó polémica por sus turbias imágenes, sino por la inverosimilitud de las situaciones y los diálogos: durante el clímax de la película, cuando Bruce Willis arriesgaba su vida para sustituir a Ben Affleck en la misión de salvar el mundo, los críticos rieron a carcajadas, pues no eran capaces de creerse el guión. A Bruce Willis no le sintió muy bien tal recepción, así que en la rueda de prensa afirmó que la película todavía no estaba acabada, aunque todo parecía más un intento de eludir las críticas más que afrontarlas.

Trouble Every Day (2001), de Claire Denis

La directora francesa Claire Denis presentó una bizarra propuesta cinematográfica en 2001, Trouble Every Day, que fundía el erotismo y el terror y donde su protagonista, interpretada por Béatrice Dalle, practica el canibalismo con los hombres con los que ha tenido una relación sexual. Numerosos críticos abandonaron la sala y abuchearon al film, y las críticas fueron demoledoras contra la película.

Irreversible (2002), de Gaspar Noé

Irreversible, una de las películas más arriesgadas de Gaspar Noé fue presentada en el festival de Cannes en la sesión de medianoche, hecho que no tenía precedente hasta entonces, pues todas las películas de la sección oficial tienen su pase durante el día, y sólo algunas fuera de competición se estrenan en la noche. La sala fue abandonada por más de 250 personas, e incluso algunas necesitaron ayuda médica, y los que se quedaron toda la proyección, abuchearon tras los títulos de crédito. Y es que la primera media hora contiene un sonido subliminal que puede producir náuseas, mareos y vértigos, y hay una escena de violación de más de 9 minutos que desagradó a la crítica, lo que llevó al crítico David Anson a decir que sería "la película más detestada de 2002".

The Brown Bunny (2003)

El director y actor Vincent Gallo presentó en la edición de 2003 The Brown Bunny, una road movie de argumento mínimo, que causó polémica especialmente por una secuencia de una felación entre el propio Gallo y la actriz Cloë Chevigny, por entonces su pareja. Y todo el revuelo quedó materializado en un intercambio de declaraciones entre el director y el prestigioso crítico Rogert Ebert. Éste afirmó en su crítica que The Brown Brunny era "la peor película jamás proyectada en el festival", y Gallo le llamó "cerdo gordo con el físico de un comerciante de esclavos". Ebert parafraseó una célebre cita de Winston Churchil: "yo podré adelgaza algún día, pero Vincent Gallo siempre será el director de The Brown Bunny"; y Gallo le contestó afirmando que había lanzado una maldición al crítico para que desarrollase un cáncer de colon. Y, finalmente, Ebert zanjó la cuestión, señalando que ver en una pantalla una colonoscopia era mucho más interesante que ver su película. Después de esta polémica, Gallo recortó el metraje para su estreno en salas, y Ebert afirmó que, en la versión nueva, no era tan deplorable.

Marie-Antoinette (María Antonieta, 2006), de Sofia Coppola

El biopic de Maria Antonieta que Sofia Coppola estrenó en 2006, ensalzando aquellos aspectos del tedio del lujo que tanto le fascinan a Coppola, causó ciertas reticencias entre la crítica francesa, quien vio a uno de los iconos de su monarquía banalizado en la imagen cinematográfica, según aducían. Agnes Poirier, del periódico Liberation, vertió duras palabras contra la película:

La historia es mayoritariamente un decorado y Versalles un hotel de lujo para la jet set del pasado y del presente. Y aprendemos sobre Maria Antonieta su amor por los macaroons de Ladure y por los zapatos de Manolo Blanhik.

Anticristo (2009), de Lars von Trier

Anticristo es una de las películas más difíciles de ubicar en la filmografía de Lars von Trier, y sus escenas de mutilación, sexo explícito, tortura y sadismo causaron estupor entre el público que asistió a la primera proyección: por ello, en los títulos de crédito, la sala estalló en silbidos y risas. Pero Lars von Trier fue rápido en responder a los críticos en la rueda de prensa, pues inmediatamente afirmó con una frase lapidaria: "soy el mejor director del mundo".

Kinatay (2009)

La violenta película del filipino Brillante Mendoza, con la que transitamos por los suburbios de Manila acompañados de un asesino a sueldo, llegó a ser calificada como la peor película del festival por la crítica. Variety afirmó que se trataba de un fraude, con violencia gratuita; The Hollywood Reporter señaló el forzado voyeurismo y la fotografia deliberadamente fea. Screen´s International la calificó con un 0, y en total, el film de Mendoza alcanzó un 1,2 en la prensa internacional durante el festival. Pero, junto a las voces críticas, pronto nacieron sus defensores, y éstos procedían del lado de la creación: Lars von Trier, que presentaba en el festival su también polémica Anticristo, alabó sus imágenes gráficas y controvertidas; Andrea Arnold señaló que es eminentemente respetable, y Quentin Tarantino le envió una carta de admiración al director. Finalmente, como suele ocurrir en Cannes, la película obtuvo el Premio a la mejor dirección. Os dejo con las palabras de Tarantino:

Bravo por tu difícil y problemático trabajo. Tu decisión de no dramatizar el asesinato, nunca integrarlo en el suspense cinematográfico, fue atrevido, y para mí, el hecho que coloca la película entre las mejores del festival. Me sentí completamente como un testigo de un horrible asesinato. Creí todo lo que veía. Tu idea no era dramatizarlo, sino capturarlo.

Melancholia (2011)

Y sí, el director danés repite tres veces en esta lista, porque sin duda es el realizador más provocador de los que presentan sus películas en la Croisette. Pero en la presentación de Melancholia alcanzó la cima de la polémica, pues sus controvertidas declaraciones sobre el nazismo llevaron a la organización a declararle persona non grata. Aunque eso sí, sólo durante un año, pues el festival no puede permitirse perder de su sección oficial a uno de los directores clave del cine europeo contemporáneo. En la rueda de prensa se dio la suma del ánimo de provocar del director, y el sensacionalismo de la prensa, que sacó de contexto unas declaraciones que, en mi opinión, venían venían a señalar que toda maldad proviene de lo humano, y por ello, el humano puede llegar a ser un monstruo; y así fue expulsado del festival:

¿Qué puedo decir? Entiendo a Hitler. Creo que hizo algunas cosas malas, sí absolutamente, pero puedo verle sentado en su búnker al final. Creo que entiendo al hombre. No es lo que llamarías un buen tipo, pero entiendo muchas cosas de él y simpatizo con él un poquito. No estoy a favor de la Segunda Guerra Mundial y no estoy en contra de los judíos.

Post Tenebras Lux (2012), de Carlos Reygadas

Y la última polémica que salpicó Cannes fue el año pasado, cuando Carlos Reygadas proyectaba su arriesgada y surrealista propuesta, Post Tenebras Lux, a la crítica en la sesión de la mañana. Tras finalizar la película, los críticos allí congregados abuchearon la propuesta, y un anónimo gritó "¡Viva Buñuel!", en referencia al director surrealista por antonomasia y señalando así el supuesto surrealismo verdadero, el del aragonés, de la incomprensión de Reygadas. Después, en la rueda de prensa, el director fue preguntado por la sensación que le habían ocasionado los abucheos, y Reygadas afirmó que se había sentido halagado, pues ello suponía que había presentado una película nada complaciente. Y, como en otras ocasiones en el festival, el vociferado es finalmente recompensado: Post Tenebras Lux obtuvo el Premio a la mejor dirección.

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