Y es que al igual que ocurriera con muchos de los cambios que ha introducido el director en el film, la escena a la que remitidos ha traído de cabeza al director. Se trata del enfrentamiento clásico entre Greedo y Han Solo. Una escena que contrariamente a lo que piensa la mayoría del público, el director opina que los fans están equivocados. Lucas modificó la escena original años después para que quedara claro quién fue el primero en disparar, polémica de la que no se ha escapado ya que la nueva versión dejó más dudas sobre el momento. Según Lucas:

La controversia en torno a quién disparó primero, si Greedo o Han Solo en el Episodio IV… lo que hice fue tratar de limpiar la confusión, pero es evidente que molesta a las personas porque querían que Solo (el cual parecía ser el primero en disparar en la versión original) pareciera ser un asesino a sangre fría, pero en realidad no lo es. El problema es se había hecho en primeros planos y se presta a la confusión acerca de quién hizo qué a quién.

Lo que hice fue ampliar la escena en la que dejó en claro que Greedo es el que disparó primero, pero todo el mundo quería pensar que Han disparó primero, porque quería pensar que en realidad sólo era un asesino…

Juzguen ustedes mismos, esta es la escena original y la “versión”…

Aquí no quedó la cosa, durante la entrevista para The Hollywood Reporter, Lucas no duda en comparar los cambios de Star Wars con el gran clásico y obra de culto, Blade Runner. De la misma forma, el director incide en la idea de que todo se magnifica cuando se habla de Star Wars:

Si nos fijamos en Blade Runner, se ha cortado de 16 maneras y hay todo tipo de versiones diferentes de la misma. Star Wars se trata básicamente de una versión, cada vez mejor a medida que avanzamos en el tiempo… todo el arte es tecnología y mejora cada año. De igual el arte, ya sea cine, pintura o música, los avances tecnológicos se hacen cada vez más evidentes.

El problema es que cuando yo hago el más mínimo cambio todo el mundo piensa que es el fin del mundo. Mi trabajo es tratar de hacer la mejor película posible, los cambios no son inusuales.

Por último Lucas habló de la controvertida ley SOPA. A juicio del propio director, la propuesta no es más que un proyecto defectuoso que necesita de un amplio debate entre todas las partes, un punto de vista que se agradece de alguien que se encuentra en el epicentro de la gran industria, la misma que precisamente la promueve. Les dejo con las palabras del director:

Si tuviéramos un sistema inteligente para escribir leyes todo el mundo se reuniría y escribiría la mejor respuesta posible… Todo el mundo quiere películas, programas de televisión, medios digitales… el gobierno debe sentarse con todas las partes y escribir un proyecto de ley razonable. Creo que ahora tenemos un proyecto de ley defectuoso, que no es inusual, pero es lo que es, una legislación descuidada. Todos debemos estar en esto juntos.

Clark se convirtió en Superman, así terminó Smallville. No había otra manera de finalizar la serie, el joven granjero y luego periodista del Daily Planet por fin se enfunda el traje rojo y azul, sobrevuela el mundo y toma posiciones para convertirse en el mayor superhéroe de la historia. La serie de la CW estuvo en antena diez temporadas, 218 capítulos durante los cuales vimos como Clark y sus compañeros se enamoraban, sufrían, luchaban, reían, se volvían locos, etcétera.

La serie protagonizada por Tom Welling finalizó el pasado 13 de mayo de 2011 pero resucitará de la mano de DC en forma de cómic. La editorial estadounidense lanzará el próximo mes de mayo un cómic titulado Smallville Season 11; y podrían subtitularlo “Sigamos exprimiendo la idea hasta que no quede nada”. El cómic se situará seis meses después del final de la serie; y nadie mejor que Bryan Q. Miller, guionista de Smallville, para escribirlo. En esta nueva etapa no solo tendremos a Clark, sino que también aparecerán otros personajes como Oliver Queen (Green Arrow), Chloe, Lois, Lex.

Smallville Season 11 saldrá primero en formato digital semanal, eso será el 13 de abril de este año. El 16 de mayo empezará a venderse la tirada en papel. El cómic en papel contará con cubiertas de Gary Frank; mientras que en la edición digital serán de Cat Staggs. El arte correrá a cargo de Pere Pérez.

En los últimos años varias series han alargado su vida convirtiéndose en cómics, el ejemplo más llamativo es el de Buffy The Vampire Slayer que está publicando su novena temporada. Otras series usan este formato para ampliar su universo: Fringe, Battlestar Galactica o Castle. El cómic sirve tanto para continuar una historia como para completarla o explicarla; este recurso permite mucha más libertad creativa que una serie siempre sujeta a límites presupuestarios.

Veo innecesaria la existencia de un cómic basado en Smallville, ya tenemos los cómics de Superman ¿para qué quiero este sucedáneo?. Luego me pregunto si harán crossovers con otras series de DC. Para mi que sobra pero seguro que muchos fans de la serie lo disfrutarán.

Foto: Zap 2 it

Aunque se veía venir, uno de los médicos más queridos y odiados al mismo tiempo de la televisión dice adiós, la presente y octava temporada, será la última para House. Su creador, David Shore, ya llevaba cierto tiempo intentando negociar con la FOX, la cadena que lo emite, cómo darle un digno final. Si tenemos en cuenta sin embargo que es uno de los programas que mejor funcionan en la parrilla norteamericana, con unas audiencias notables y una trayectoria de éxito, aparte del carismático Hugh Laurie, era un hueso que claramente a la cadena le costaba dejar de roer.

Hace unas horas, tanto David Shore como Laurie y el equipo ejecutivo de la serie emitían un comunicado confirmando, para pesar de todos los fans de la serie, que en Mayo, cuando acabe la temporada actualmente en emisión, esta acabará de manera definitiva. Ha sido una serie que durante todo este tiempo ha sabido renovarse una y otra vez muy acertadamente, con cambios de elenco y nuevas incorporaciones incluidas, pero también habían sido muchas las ocasiones en las que el cansancio, después de los casi 170 episodios que lleva, empezaba a hacerse patente.

Personalmente, ver House, y más como estudiante de Medicina, siempre ha sido para mí una experiencia gratificante, una especie placer culpable (porque lo que hace Laurie la mayor parte de las veces en la pequeña pantalla es, por suerte o por desgracia, la peor manera en la que un médico podría comportarse) al que me va a costar decir adiós. Pero todo tiene su fin, y encontrar el lugar adecuado donde poner el punto y final es casi tan importante como encontrar en el que se debe empezar (Ya podrían tomar nota los de *How I Met Your Mother**), disfrutemos lo que queda y esperemos con ganas el episodio final, que Shore ya ha confirmado que piensa finiquitar por todo lo alto.

Este fin de semana se han entregado los premios anuales de SFX Sci-Fi en una gala celebrada por la revista británica SFX especializada en fantasía y ciencia-ficción. Estos premios son otorgados en base a las votaciones de los lectores.

Entre los premiados se encontraba Neil Gaiman por su genial y sorprendente The Doctor’s Wife, guión del cuarto episodio de la sexta temporada de Doctor Who. Un capítulo emotivo, divertido y adorado por los whovians. Gaiman, famoso guionista y responsable de The Sandman, uno de los cómics más influyentes de las últimas décadas, envió un discurso de agradecimiento demostrando bastante buen humor y simpatía.

No fue el único premio que se llevó Doctor Who, esa noche se hizo con tres premios más: Mejor Serie, Matt Smith el de Mejor Actor y Alex Kingston el de Mejor Actriz.

Foto: Doctor Who

Quizás muchos no conozcan al músico por su nombre, pero sin duda han estado en contacto con su trabajo en muchas ocasiones, probablemente conozcan más temas suyos que de la mayoría de artistas. El creador de la música de La Guerra de las Galaxias, E.T.: El extraterrestre y Jurassic Park cumple 80 años.

Williams es sin duda uno de los compositores musicales más exitosos del último tiempo, aprovechado al máximo por la industria de Hollywood es uno de los que construyó el clima de algunas de las películas más importantes de la historia. Su obra comenzó hace más de 50 años y todavía tienen vigencia. El artista sigue en actividad, de hecho, ha compuesto la música de War Horse y de Las Aventuras de Tintin recientes estrenos de Steven Spielberg ambos trabajos que le han valido la nominación a los premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas com mejor trabajo original para una película.

Entre su lista de trabajos como compositor se encuentra una asombrosa cantidad y variedad de películas:

• The adventures of Tintin
• La saga de Indiana Jones
• La saga de Star Wars
• War of the Worlds
• Memorias de una geisha
• La saga de Harry Potter
• Minority Report
• Inteligencia Artificial
• JFK
• Jurassic Park
• El imperio del sol
• E.T.: El extraterrestre
• Solo en casa
• Superman
• Encuentros en la tercera fase

En su palmarés tiene 5 premios Oscar, uno por trabajo adaptado y otro por música original, los premios le vinieron por El violinista en el tejado, Tiburón, La Guerra de las Galaxias, E.T.: El extraterrestre y La lista de Schindler, es también la persona viva que más nominaciones ha recibido. También ha ganado 4 Globos de Oro y 20 Grammys Además compuso la música para 4 Juegos Olímpicos, para Los Angeles 84, Seúl 88 y Atlanta 96 a eso se le suma el de los juegos de invierno en Salt Lake 02.

El reconocimiento más grande en su haber probablemente sea el que le otorgó en 2005 el American Film Institute seleccionando a las mejores bandas sonoras de la historia del cine. Un jurado de más de 500 artistas, compositores, historiadores y críticos eligió la banda sonora compuesta para la saga Star Wars como la más memorable de la historia. Sin duda compartimos plenamente el gusto del jurado de AFI, es una banda sonora que ha marcado a muchos de nosotros.

Este video es un tributo que repasa sus más grandes obras:

Foto (cc): Wikimedia Commons

Hace unas horas y durante la retransmisión del famoso Super Sunday en la Super Bowl de Estados Unidos ha tenido lugar un nuevo spot en la televisión de The Avengers. Marvel estrenaba así el segundo trailer de larga duración de la “batalla” que tendrá lugar este verano a partir del 4 mayo, fecha del estreno mundial.

Y es que si por algo destaca esta nueva colección de imágenes es por la entrada estelar de Hulk al final del vídeo. La pieza presentada para esta ocasión por Marvel comienza con las imágenes ya conocidas de la masacre en las calles de la ciudad. Luego surgirán las palabras de Nick Fury comentando: “El mundo ha cambiado”.

Seguidamente es el Capitán América quién aparece en un primer plano comentando que “ya nada me sorprende”. Luego, una consecución de imágenes donde aparecen Thor, Tony Stark y el mismo Fury para dar inicio a las hostilidades con el ya famoso”Es la hora”.

A partir de ese momento el trailer se centra en una colección de imágenes de todos los superhéroes dejando para el final el clímax que la mayoría de fans ansiaban ver. EL momento ocurre en el segundo 0:48, momento en el que Loki le dice a Stark: “Tengo un ejército”, a lo que Iron-Man le responde: “Nosotros tenemos a Hulk”.

Este será el momento en el que un rugido da pie a la aparición estelar de Hulk rompiendo una ventana, saltando por el aire y destruyendo una nave por el camino.

Ya queda menos para la llegada de la película, menos de tres meses para que The Avengers sacie las ansias de miles de fans en lo que promete ser el blockbuster del año. Será el 4 de mayo.

Por un lado tenemos a J.J. Abrams, creador de Lost, Fringe, Alcatraz, Person of Interest…: por otro lado tenemos a Eric Kripke responsable de Supernatural. Ambos han unido su genio creativo para desarrollar Revolution, un drama futurista y post-apocalíptico con grandes dosis de acción.

La NBC, cadena que atraviesa un bache del que parece imposible salir, ha decidido darle una oportunidad al proyecto encargando el piloto de cara a la temporada 2012-2013. Eso si, previamente Kripke tuvo que reescribir el guión. Mientras el creador de Supernatural se encarga de los guiones J.J. Abrams y su inseparable compañero Bryan Burke se han adjudicado el puesto de productores ejecutivos.

La sinopsis oficial de la serie no tiene nada de excepcional: en un mundo donde todas las fuentes de energía han dejado misteriosamente de funcionar y donde la tecnología solo sirve para acumular polvo, un grupo de supervivientes intentará reunirse con sus seres queridos. Los episodios de Revolution, si es que llega a conseguir luz verde, durarán un hora.

Así que tenemos un reparto coral, un misterio, un mundo post-apocalíptico y una búsqueda de personas. Me imagino que veremos una América devastada y caótica. Las grandes ciudades serán abandonadas y destrozadas por el pillaje, los vándalos y la naturaleza. La situación sacará lo mejor y lo peor de la gente. Hay quienes se aprovecharán de la situación, y usando la fuerza bruta someterán a los débiles para hacerse con el control de los recursos naturales. Otros lucharán del lado de la justicia y el bien. Seguro que veremos bandas criminales, milicias locales, héroes solitarios y grupos de supervivientes que se protegen en pequeños pueblos relativamente seguros. Cualquier amante de la ciencia ficción ha visto este tipo de situaciones mil millones de veces. No me estoy quejando, sé que narrada con acierto, equilibrando las dosis de drama y acción, haciendo uso de buenos efectos especiales y contando con un reparto carismático en la piel de personajes creíbles podemos tener una buena serie entre manos.

¿Funcionará? Lo cierto es que de la NBC me espero cualquier cosa, fueron capaces de dejar de lado 17th Precinct y apostar por Grimm, nos dejaron sin Community pero empezaron a emitir Are You There, Chelsea?, juegan al escondite con Awake pero sorprenden con el piloto de Smash. Puede que Revolution tenga futuro en la cadena del pavo real, un lugar impredecible.

Foto: Aceshowbiz

Después de que ya repásasemos su estreno, bastante sorprendido me hallo por cómo han empezado los primeros compases ya en serio de Alcatraz, una serie que sólo por llevar la firma de J.J. Abrams detrás (Lost, Fringe, Alias…) ya había levantado niveles de expectación considerables, pero que lejos de repetir el fracaso que en su día fue Undercovers, también de Abrams y un bodrio mal hilado y muy descafeinado, Alcatraz ha comenzado con paso firme y decidido, un tanto repetitivo y con cierto tufillo a los hechos ocurridos en cierta isla perdida del Pacífico pero sin duda muy prometedor.

Llevamos sólo los 4 primeros episodios y todavía es, sin duda, muy pronto para juzgar si Alcatraz será una grandísima serie (que no lo sé), una buena serie (más que probable) o un fracaso (que lo dudo). De la temática y del planteamiento inicial ya hablamos aquí cuando se estrenó, parte de la idea que cuando Alcatraz se cerró y sus presos fueron recolocados en distintas prisiones la realidad fue bien distinta y en realidad se desvanecieron en el aire, todos los prisioneros junto con el personal de la prisión. Todo eso hasta nuestros días cuando sin previo aviso los antiguos reclusos empiezan a aparecer aquí y allá y a volver a las andadas con sus actividades delictivas.

El argumento sin embargo pronto demuestra ir más allá, que es justo su principal acierto, poco a poco empezamos a ver piezas en el puzzle que no encajan, engimas que se quedan en el aire, preguntas por responder o sucesos sin explicación aparente, algo que efectivamente recuerda como decíamos antes a la serie más exitosa de Abrams.

Y es justamente ese aire a Lost, con todos los respetos, lo que creo que va a hacer funcionar Alcatraz. Detrás de la serie comienza a perfilarse un universo, un multiverso más bien, donde los misterios de Lost se podrían juntar con las dimensiones paralelas de Fringe y el toque criminalístico de Alias, un ovillo que si no se queda revuelto y se hila bien acabará siendo un auténtico bombazo.

Me descontenta, por el momento, la estructura repetitiva de los episodios, el final no siempre es el mismo pero el modo de narrar la historia sí y sabemos perfectamente que de alguna manera sobre el antiguo recluso volverá a caer el peso de la ley de alguna manera o de otra.

Uno de sus puntos fuertes es Sam Neill, el antiguo paleontólogo de Jurassic Park que se mete en el papel y como siga a este ritmo empezará a reclamar algún tipo de reconocimiento, porque lo clava. Jorge García lo hace bien, pero no dejo de tener la sensación de que el querido Hugo de Lost, después de escapar de la isla se ha metido a dibujante de cómics atrapacriminales, más de lo mismo. Y es a Sarah Jones, en el papel de la detective Rebecca Madsen, a la que veo más floja, no lo hace nada mal, pero se nota que está en una línea muy por detrás que la de sus dos compañeros.

Alcatraz promete, por lo menos hasta el final de esta primera temporada aunque habrá que darle más tiempo ¿Cómo la veis vosotros? Porque ha tenido una acogida muy variada y donde unos vemos una serie con futuro otros ven más de lo mismo repetido otra vez ¿Merece la pena? ¿Acabará siendo otra gran serie made in J.J. Abrams o se quedará en serie del montón? Los próximos episodios tienen la respuesta.

Un cerdo que no vuela sólo es un cerdo… Prefiero ser un cerdo que un fascista.

Está clarísimo que toda la obra del maestro Hayao Miyazaki es más que recomendable. Los chicos la disfrutan. Los grandes la alaban. Si bien las miradas hacia su trabajo se multiplicaron después de El viaje de Chihiro, años antes La princesa Mononoke y Nausicaä del Valle del Viento también fueron elogiadas. Pero hay entre sus películas una con menos reflectores que, sin embargo, tiene tintes de grandeza: Porco Rosso, nuestra recomendación de la semana.

La vida de Porco Rosso (el “puerco rojo”) básicamente es acerca de conquistar el cielo con un atuendo rojo, elegante, a la vez que con maestría y soledad. Se trata un poco de hacer alarde de valentía y amistades de escala en escala. Gina, por su parte, es su gran amiga y confidente, que administrando un hotel espera la llegada del amor. Y Fio, que siendo bella y habilidosa es el arquetipo de la mujer de espíritu libre, sujeto a su propia voluntad.

Con esos ingredientes, Miyazaki construye una historia de aventuras y romance, fiel a sus referentes histórico-culturales: la II Guerra Mundial, las máquinas voladoras, la sociedad europea. Fiel a sus ejes ético-emocionales: la amistad, el valor, el perdón, las batallas entre el bien y el mal.

Mizayaki es un genio para transmitir emociones complejas de manera sencilla y Porco Rosso no es la excepción. En esta película logra transgredir la pantalla con metáforas de compañerismo, añoranza de los buenos tiempos, y mucho respeto hacia las mujeres: de hecho, las catapulta positivamente sin necesidad de aburridos discursos de género.

Visionar hoy Porco Rosso es aproximarse a un mundo casi desaparecido, donde el honor, la verdad y el heroísmo son virtudes admirables, y no un cuento de hadas que solo habita en el mundo de Disney.

Sus películas favoritas de Mizayaki con los porqués son interesantes candidatos para estar en los comentarios. Mi predilecta, si me lo preguntan, es La Princesa Mononoke que aún hoy veo como monumentalmente poderosa y cruda, de igual forma sublime y profunda. En @alanlzd también podemos conversar.

A estas alturas todo el mundo sabe quien es Julian Assange. Fundador de Wikileaks, hombre controvertido, figura defendida por muchos y denostada por otros tantos. Assange no deja indiferente a nadie y, tal vez por eso, han querido tenerlo como invitado en The Simpsons. El productor ejecutivo de la serie, Al Jean, había escuchado el rumor de que Assange estaba interesado en Springfield y en ser “simpsonizado”, así que habló con Matt Groening; tras sopesar los pros y los contras, pidieron a la directora de casting, Bonnie Pietila, que se pusiese en contacto con el fundador de Wikileaks. Al Jean explica que la decisión de incorporar a Assange a la larga lista de invitados de la serie no fue nada sencilla:

Es un personaje controvertido, y hay una buena razón para entender esa controversia. Debatimos sobre incluirlo o no en el programa, pero finalmente decidimos que sí, y lo hicimos.

Assange pondrá voz a su dibujo animado en el episodio número 500 (increíble) de la serie, el capítulo se emitirá el próximo 19 de febrero. La trama se centra en una reunión secreta que se va a celebrar y en la que los habitantes de Springfield decidirán como expulsar a los Simpsons de la ciudad. Homer y los suyos deciden esfumarse y se instalan en un alejado lugar, allí se encontrarán con Julian Assange que será algo así como un nuevo Flanders. Claro está que este nuevo vecinito no será como el inocente y bonachón de Flanders. El productor ejecutivo de The Simpsons nos lo advierte:

Assange les invita a ver con él una película casera, y el vídeo resulta ser una boda afgana que es bombardeada

Sobre la situación legal en la que se encuentra el invitado, Al Jean explica que:

Nada de lo que hicimos tiene relación con la situación legal en la que se encuentra… Quisimos asegurarnos de que todo sería en tono satírico, y él estaba dispuesto a hacerlo.

Assange no será el único invitado del episodio, Jean lo deja muy claro:

Hay otro par de cameos que son más familiares para los fans de la serie y mucho menos controvertidos

Lo que vemos sobre estas imágenes es lo último en campañas virales ideada para promocionar la película Chronicle. La construcción de una pieza visual alucinante con la que los ciudadanos de Nueva York se despertaron hace unos días. ¿Gente sobrevolando el skyline de la Gran Manzana?

Evidentemente no fue así pero el resultado final que vemos en el vídeo mostró durante varios días la silueta “humana” de hasta tres objetos volando por muchos de los famosos enclaves de la ciudad.

El vídeo forma parte de la campaña viral para el próximo estreno en el mes de febrero de Chronicle. Diseñada por Thinkmodo, la idea era retratar parte de la trama del filme. Cuenta Michael Krivicka (Thinkmodo) sobre la misma que:

Dado que los tres personajes principales de la película tienen la capacidad de volar, se nos ocurrió la idea de organizar “avistamientos” de “personas” que sobrevuelan alrededor de New York.

El resultado fue la construcción de tres módulos aéreos con forma humana que hacían de ilusión en el aire sobrevolando la ciudad. Aviones que finalmente pasaban por enclaves como la Estatua de la Libertad, el puente de Brooklyn o lower Manhattan.

Para aquellos que no lo supieran, Chronicle se estrenará en Estados Unidos dentro de unos días, el próximo 3 de febrero. Un filme de corte fantástico que sigue la vida de un grupo de adolescentes con poderes. Todo cambiará cuando el grupo comienza a abusar de los mismos…

Les dejo con el trailer.

No somos pocos los que esperamos con muchas ganas la segunda temporada de Game Of Thrones (“Juego de Tronos” en España), serie de televisión producida por HBO y basada en la gran saga de libros Canción de hielo y fuego escrita por George R.R. Martin cuya primera temporada inició el 17 de abril de 2011 en Estados Unidos (el 8 de mayo en Latinoamérica) con mucho éxito; tanto que tras emitirse los dos primeros capítulos la cadena ya informó que habría segunda, que tendrá 10 episodios, de la que justamente ahora acaban de liberar un nuevo trailer, el situado encima de estas líneas.

A diferencia del primero que podeis ver abajo, donde la mayoría de imágenes muestran caras por todos conocidas, en este nuevo trailer gran parte de las escenas están protagonizadas por la veintena de nuevos personajes presentes en la segunda entrega de la serie, basada en el segundo y tercer libro de Canción de hielo y fuego (Choque de reyes y Tormenta de espadas), y también se cuentan hechos importantes de la trama narrados por la voz de Lord Varys, uno de los grandes protagonistas de la saga.

Y con esto, junto a los diversos vídeo del rodaje que encontraréis en el blog oficial Making Game Of Thrones, tendremos que ir tirando hasta que se estrene la segunda temporada -el 1 de abril se emitirá el primer capítulo-. Esperemos que HBO no corte el grifo, mejor trailers y making-offs que nada.

A los seguidores de Lost el nombre de Javier Grillo-Marxuach tal vez les suene de algo ya que este guionista, productor y actor nacido en San Juan (Puerto Rico) fue guionista de varios capítulos de la serie y también ejerció de productor aunque dejó la isla tras la segunda temporada. Fue productor y guionista de Medium, Charlie’s Angels, y Charmed pero hoy hablaremos de su trabajo más sobresaliente, de su aportación más notable, de su gamberrada más divertida, añorada y original. Hoy hablaremos de The Middleman.

Del cómic a la televisión

Basada en el cómic homónimo creado por Javier Grillo-Marxuach y con dibujos de  Les McClaine , The Middleman consta de 12 episodios que se emitieron en la cadena ABC Family durante el verano de 2008. Todo comienza cuando la joven artista Wendy Watson, tras vivir una experiencia de lo más singular, es reclutada por el Middleman. Wendy posee memoria fotográfica, mucha sangre fría, toneladas de sarcasmo y gran capacidad de improvisación. The Middleman es lo que comúnmente conocemos como un Hombre de Negro, alguien que se encarga de resolver problemas de lo más variado y extraño como enfrentarse a una mafia de gorilas, luchar contra una invasión de hombres trucha zombies, vérselas con marionetas vampíricas o extraterrestres.

La organización del Middleman cuenta con tecnología punta (esto recuerda mucho a Men in Black), recursos que parecen no tener límite y acceso a todas las fuentes de información conocidas por el hombre. Sin embargo la organización es pequeña, sólo están el Middleman, su secretaria y Wendy; ellos tres lucharán contra el mal en todas sus formas y variantes.

Personajes

Wendy Watson es interpretada por Natalie Morales junta a ella descubrimos el mundo en el que se mueve el Middleman, conoceremos lugares exóticos y seres increíbles. Wendy se toma con bastante humor y profesionalidad su nuevo trabajo como ayudante aunque, a veces, su cara de incredulidad no tiene precio. Wendy vive en un apartamento junto a su amiga Lacey (Brit Morgan), una activista de los derechos de los animales bastante naif que no tiene ni idea de la verdadera naturaleza del trabajo de Wendy y que acabará enamorándose del Middleman.

El papel de Middleman recae sobre Matt Keslar. Es imposible no encariñarse con este personaje, desde el primer momento cae bien debido a su sinceridad, su sonrisa y su honradez. Además trata con las amenazas planetarias con la misma naturalidad con la que pela una naranja. No le gustan las palabrotas, es educado y amable y un poco chapado a la antigua; algo que desespera a Wendy toda una mujer del siglo XXI. Vamos que estamos hablando de un boy scout con armas de destrucción masiva a su alcance.

Entre el Middleman y Wendy se establece una relación con mucha química y muy profesional, sin atisbo alguno de tensión sexual. Cada uno de ellos tiene su propia “pareja” y eso es un acierto muy grande por parte de los guionistas, ya que sin la sombra de la relación sentimental entre ellos sólo queda sitio para una relación de amistad como la que pudimos ver entre los protagonistas de Life o entre Donna Noble y el décimo Doctor. Esa amistad nacida del trabajo conjunto los humaniza y los acerca al espectador conformando un dúo dinámico con muchas posibilidades.

Mary Pat Gleason da vida a Ida, un androide con apariencia humana que trabaja para la organización del Middleman. Ida es vieja, cascarrabias y bastante retrógrada, haciendo cada dos por tres comentarios muy críticos sobre el estilo de vida de Wendy.

Todos los personajes tienen su punto excéntrico, están muy bien definidos y resultan entrañables. Funcionan bien a todos los niveles, tanto en grupo como por separado. Sus aventuras y diálogos están muy trabajados, todo fluye con naturalidad y facilidad y eso es una de las cosas que más me gustan de la serie, la sensación de sencillez que transmite, algo que no es fácil de conseguir.

¿Por qué hay que ver The Middleman?

La serie está plagada de referencias a la cultura popular: series, películas, cómics…. En el blog de los creadores de la serie podéis encontrar un listado de las referencias, capítulo a capítulo.

Una serie que se puede ver en familia, tanto los niños como los adultos disfrutarán de las aventuras de Wendy y el Middleman. Aunque es un producto televisivo bastante inocente y blanco es imposible no disfrutar con él. Su originalidad y buen humor son desbordantes y contagiosos. Una propuesta muy fresca, divertida e inteligente que hará las delicias de aquellos que gusten de las tramas con un punto de locura.

La única pega que le encuentro a la serie es que es muy breve, por desgracia no tuvo éxito y la cadena la canceló dejándonos a los fans con un cliffhanger entre las manos que aún no he podido superar. Si tenéis un hueco hacer el favor de verla, puede que al principio no os diga nada pero en seguida os daréis cuenta de que estáis viendo una serie que es mucho más de lo que aparenta a primera vista. Los aficionados de la ciencia ficción y del género de aventuras seguro que pasan un buen rato con The Middleman.

La empresa Theatrics.com es la desarrolladora de lo que ellos llaman el primer programa de televisión de participación masiva donde gente común sube contenido que ellos mismos generan. La producción del programa toma fragmentos de los videos para construir un hilo narrativo de los sucesos paranormales que se viven en el ficticio pueblo de Beckinfield. El programa está al aire desde hace varios meses y según informan ya han participado en él más de 4000 actores.

La televisión de participación masiva es una nueva experiencia social donde cualquiera puede crear un personaje y ser parte en una historia en funcionamiento.

La historia comienza en la Beckinfield High School, cuando sus alumnos solicitaron a los ciudadanos que grabaran pequeños diarios de sus vidas para compartir. Lo que buscaban era poder retratar la vida del pequeño pueblo a través de los ojos de sus residentes. Tuvieron gran recibimiento por parte de los vecinos, participando con entusiasmo en el proyecto. Inmediatamente los resultados de la experiencia dejaron confundidos a los realizadores, Beckinfield no era una ciudad cualquiera. La negación por parte del gobierno de los sucesos extraordinarios del pueblo no hacen otra cosa que confirmar que los hechos sobrenaturales no son producto de la imaginación de los habitantes. Alienígenas, terremotos, fantasmas y hechizos indios son frecuentes en el pueblo.

La productora de contenido digital Theatrics.com está detrás del programa, son quienes transformaron lo que originalmente era un ejercicio actoral en este producto. También son los encargados de promocionar, desarrollar un sistema de premios para los mejores videos y mantener la comunicación y organización de los participantes.

¿Cómo funciona? Cualquiera puede ser parte de la historia de Beckinfield, lo único que tiene que hacer es anotarse en la comunidad como actor y crearse un personaje. Cada semana recibirá un email por parte de la producción que informa de los sucesos semanales más importantes y provee a cada actor de información confidencial que pueda utilizar para construir una historia. Los actores deben subir videos que vayan desde 30 segundos hasta 5 minutos estos videos están al acceso de todos pero la producción crea todas las semanas un compilado con fragmentos de cada uno que sigan la historia que indicaron en el resumen semanal, claro que no todos los videos llegan a entrar en este compilado. Los actores además van ganando reputación y destrabando medallas por sus logros. De esta forma el espectador puede seguir la historia de un actor que le haya gustado o seguir el eje de la historia grande del pueblo observando los resúmenes.

El programa tiene unas reglas básicas que los participantes deben seguir en sus videos:

• Nada de desnudez o insultos.
• Nada de descripción, demostración o implicación de contenido sexual o situaciones violentas.
• Nada de música, videoclips o cualquier otro tipo de material con copyright.
• Nada de nombrar o sugerir personas reales del pueblo o fuera de él.
• Nada de violencia hacia personajes, otra gente o uno mismo.

Tampoco se puede ser antagonista o figura pública relevante (gobernador, celebridad, etc) ya que esos papeles están reservados para actores puestos por la producción que siguen guiones específicos, la idea es que ellos funcionen como guía para el resto de las historias. La producción invita a que cada uno se arme su propio personaje y su historia, pero que entiendan que no hay que buscar la trascendencia rápidamente porque contradice al concepto de entretenimiento ilimitado que proponen.

Hace poco habíamos visto otro intento de generar contenido audiovisual apoyándose en crowdsourcing, Scott Free Productions y YouTube realizaron en 2011 el documental Life in a Day tomando videos que la gente subía al site para mostrar las cosas que ocurren en todo el mundo en un mismo día. Claro que ese proyecto no era de ficción, fue acotado a una película de dos horas y no necesita incentivar la participación porque se apoyaba en material ya publicado. Otro caso que tenemos es el especial de Star Wars realizado por fanáticos, donde cada uno debía reversionar un fragmento del clásico de George Lucas. Beckinfield tiene una propuesta distinta, apostando a explotar el perfil lúdico de los partipantes sin delimitar un producto final sino una experiencia constante para que el espectador se entretenga jugando.

El pasado miércoles la cadena FOX emitió el piloto de Touch, serie creada por Tim Kring y protagonizada por Kiefer Sutherland. El estreno oficial de la serie será el próximo 19 de marzo pero la cadena quiso aprovechar el tirón de American Idol para presentar su nueva serie, la jugada les ha salido redonda: 12 millones de telespectadores con una tasa del 3.9% en la franja de los 18-49 años, estas cifras convierten a Touch en el segundo mejor estreno dramático de la temporada. Si tenemos en cuenta que American Idol concregó a 19.5 millones de personas y que Sutherland tiene mucho tirón gracias a 24 y Jack Bauer, no es de extrañar que la audiencia fuese tan alta.

Lo nuevo de Tim Kring

Touch ha sido creada por Tim Kring, responsable de Heroes y Crossing Jordan. Ojalá a esta nueva serie no le suceda como a Heroes, un producto que tuvo un inicio realmente memorable, con una primera temporada muy potente pero que perdió el norte en el último episodio de esa primera temporada para no recuperarlo jamás.

La serie se centra en Martin Bohm (Kiefer Sutherland) un periodista que perdió a su mujer en los atentados del 11-S, desde entonces se ha ocupado de su hijo Jake (David Mazouz). El niño tiene once años, es autista, nunca ha pronunciado una palabra y no permite que nadie le toque, ni siquiera su padre. Jake es muy especial, más de lo que su padre cree, pues es capaz de ver las conexiones existentes entre los seres humanos y de predecir, con exactitud matemática, el futuro. El pequeño Jake lo explica así al principio del episodio:

El ratio es siempre el mismo 1 a 1.618 una y otra y otra vez. Los patrones están escondidos a plena luz. Solo hay que saber dónde mirar. Cosas que la mayoría de las personas ven como caos en realidad siguen sutiles leyes de comportamiento. Galaxias, plantas, conchas marinas. Los patrones nunca mienten pero solo algunos de nosotros podemos ver cómo encajan las piezas. En este pequeño planeta vivimos 7.080.360.000 personas. Esta es la historia de algunas de esas personas.

Hay un antiguo mito chino sobre el Hilo Rojo del Destino. Dice que los dioses han atado un hilo rojo alrededor de uno de nuestros tobillos y lo han unido a las personas cuyas vidas estamos destinadas a tocar. Este hilo puede estirarse o enmarañarse, pero nunca se romperá. Todo está predeterminado por las probabilidades matemáticas, y es mi tarea hacer el seguimiento de esos números, para hacer las conexiones para aquellos que necesitan encontrarse, aquellos cuyas vidas necesitan tocarse.

Nací hace 4.161 días, el 26 de octubre de 2000. Llevo vivo 11 años, 4 meses, 21 días y 14 horas. Y en todo ese tiempo nunca he dicho ni una sola palabra.

En Touch cobran mucha importancia las relaciones que se establecen entre personas que no se conocen entre si pero cuyas vidas se cruzan en algún que otro momento. También es importante ver como evolucionará la relación de Martin y Jake y saber como controlar la habilidad del pequeño para ayudar a todos aquellos que lo necesiten. La serie se basa en la teoría de los seis grados de separación, una teoría que ya hemos visto anteriormente en Lost o Six Degrees. Se aboga por una visión positiva de la interconectividad en la que vivimos inmersos, ese teléfono móvil que pasa por diferentes manos en diferentes países es una puerta a la esperanza para los personajes ya que todos sus sueños y deseos se cumplen gracias a ese pequeño aparato tecnológico.

Personajes

Es curioso ver a Kiefer Sutherland dar vida a un padre superado, desesperado por conectar con su hijo, abrumado por la realidad que lo rodea. Sutherland, que estará para siempre unido al personaje de Jack Bauer, hace un excelente trabajo en este primer capítulo, convence como hombre corriente que trata de hacer lo mejor para su hijo. Tenía curiosidad por verle en un registro alejado del de superagente y he quedado más que satisfecha con su aportación. El joven David Mazouz resulta turbador, creíble y adorable como Jake, encerrado en si mismo, sus gestos y sus miradas perdidas y vacías parecen no decir nada pero ese mutismo absoluto encierra algo mucho más profundo, hay una chispa en el fondo de sus ojos y es posible que a lo largo de la serie veamos cierta evolución en el niño, incluso puede que llegue a hablar.

Danny Glover es Arthur DeWitt un viejo profesor que intenta explicar a Martin la insólita capacidad de Jake. Gugu Mbatha-Raw es Clea una asistente social que se preocupa por la situación de Jake y su padre, pues el pequeño se ha escapado varias veces para subir a una torre de comunicación.

¿Qué nos ha dejado el piloto?

El piloto apuesta por las historias personales como la del bombero incapaz de perdonarse a si mismo, el padre que necesita recuperar las fotografías de su hija de un móvil perdido, el joven que para ayudar a su familia se convierte en terrorista o la irlandesa que desea ser cantante. Ha sido un capítulo muy emocional y se ha centrado, principalmente, en la relación de Martin y su hijo. Con el tiempo espero que se amplien las implicaciones que las habilidades de Jake puedan tener y que, el aspecto sentimental no sea tan esencial apostando un poco más por la acción. Además Jake, como explica el personaje de Danny Glover, no es el único que puede ver las conexiones y seguir los patrones matemáticos; existen otras personas, por lo general niños que también pueden. ¿Los veremos más adelante?

La idea del hilo rojo del destino es preciosa pero hay que ver como la mantienen a lo largo de varios capítulos. Las historias cruzadas, deben estar sustentadas por buenos guiones que se ajusten a la realidad y que no resulten demasiado forzados, así que a ver como se las arreglan para mantener el nivel de este primer episodio sin que la emoción y el interés disminuyan. En el piloto es de rigor que las cosas acaben bien pero no deseo que todo sean finales felices ni reencuentros lacrimógenos. Espero que Martin y Jake no lo tengan fácil y que, en más de una ocasión, las predicciones se cumplan sin que ellos puedan evitarlo.

En definitiva, un piloto correcto, que se deja ver, que mantiene una línea narrativa y visual muy coherente y atractiva y que puede encerrar el germen de una serie de calidad, que además de entretener nos distraiga y nos haga pensar.

Platos voladores que penden de hilos, monstruos de látex que en vez de asustar divierten, guiones que pretender ser serios con líneas como: “El señor Pleyel ha sido asesinado. ¡Traigan un doctor, rápido!” (LOL de “El fantasma de la ópera”, 1943).

No sólo los fanáticos del género (si hay fanáticos de la estrellita más trasnochada de Operación Triunfo, cómo no van a existir fans del Clase B) disfrutan de estas cintas. También cineastas respetados por la industria gozan con cada proyección de una de Bela Lugosi, y hasta copian recursos de estos títulos. Roger Corman, director de “Wasp Woman” (bella mujer de día, y de noche ¡avispa!) y uno de los estandartes de las películas “de segunda”, es admirado abiertamente por Martin Scorsese y James Cameron. Ed Wood (“Plan 9 del Espacio Sideral”, buenísima de tan mala) se convirtió incluso en una figura sobrevalorada a partir del film-homenaje de Tim Burton, “Ed Wood”.

Otrora cine basura, títulos como “La novia del monstruo”, sobre un científico loco que quiere dominar al mundo con una nueva raza de adefesios humanos, hoy son piezas de colección de cinéfilos y geeks de todo el mundo. ¿Cuántos de nosotros no querríamos tener el póster original de algunas de éstas en el cuarto de casa?

“La repetición del error confirma un estilo”, dijo alguna vez Pedro Almodóvar. Aquellas cintas de robots de lata, o de animales que devoraban gente como en “Tarantula” -donde aparece un entonces desconocido Clint Eastwood-, ayudaron a codificar un lenguaje llenos de desbordes, primeros planos de gritos, cortes de cámara pésimamente hechos… que configuraron una estética particular y sumamente divertida.

El origen de la especie

Superada la depresión de 1929, los poderosos estudios de cine invirtieron fortunas en las películas de grandes estrellas y decorados suntuosos. Por lo bajo, y con las sobras de las superproducciones, se rodaban metros de celuloide para completar los amplios programas de los cines.

A esta industria del descarte fueron a parar algunos directores lunáticos y actores sin mayores oportunidades, quienes trabajaban con la libertad del que no tiene mucho o nada que perder.

Como la libertad que tuvo Ed Wood (mi favorito) en “Glen o Glenda”, que se animó a presentar, a su modo, un punzante alegato a favor del travestismo en 1943. Algo que hubiese sido imposible desde el cine mainstream.

Otro ejemplo es “La invasión de los ladrones de cuerpos” (1956, Don Siegel), donde se permite -a partir de los zombies- una segunda lectura contra el macartismo que sacudía entonces a la cultura estadounidense. A propósito, ¿cuánto le debe la ciencia ficción y las cintas de terror de todos los tiempos al cine clase B? La manera brillante de George Romero de criticar las políticas de los países dominantes, hilando fino en sus simples historias de muertos vivientes… ¿cuánto de esto hay que retribuírselo al genial e infravalorado Don Siegel?

En los años 60, las grandes productoras en crisis intentan reducir costos librándose de los films de baja categoría. Los realizadores independientes continuarían la tarea de saciar la demanda de morbo y adrenalina. Aparecen joyas (clase b) como “Un millón de años AC”, con una Raquel Welch que parte la tierra, en la que se puede disfrutar de cavernícolas con pancita y mujeres prehistóricas de prolijos peinados al estilo 1960 -y por supuesto, perfectamente depiladas-.

Con los años, la producción del cine de bajo presupuesto no ha mermado. Ahora, por supuesto, lejos de los estudios y sólo en manos de cineastas independientes que con poco hacen mucho (un ejemplo es la película “El mariachi” un “milagro”, como la catalogó la crítica que Robert Rodríguez filmó con sólo 23 años y muy pocos billetes en su bolsillo).

Las cosas por su nombre

• Clase B: películas de bajo presupuesto, pero con pretensiones de espectacularidad. Se caracterizan por su temática fantástica.

• Cine Bizarro: ambiguo término que abarca al cine de rarezas, de terror o fantástico. Generalmente hace referencia al mal cine desde un punto de vista de calidad final, pero no sólo al de bajo presupuesto (viene del italiano, fogoso, esforzado, raro). Absolutamente recomendado el libro “Cine Bizarro” de Diego Curubeto.

• De culto: film que pocos han visto pero que provoca fanatismo en esa reducida platea.

• Gore: el “encanto” se encuentra en las vísceras que se exhiben. Morbo.

• Clase Z: la clase B es Avatar comparadas con estas.

El universo de las películas “de bajo coste” genera fascinación por sus intenciones artísticas, sus pretensiones de “obra de arte”, pero por sobre todo por sus yerros, su estética chirriante, y por esa lógica antojadiza que sólo respeta el dictado de la imaginación.

El recomendado para tu Geekoteca

Antes de la superproducción de “Los 4 Fantásticos” existió otra cinta sobre los preferidos de Stan Lee, filmada por el propio Roger Corman (si Ed Wood es el abuelo del género, Corman es el padre). La historia es muy curiosa. Una productora tenía los derechos adquiridos para llevar al cine la historia del Elástico y compañía. Derechos que se estaban por vencer. Unos meses antes de esto, decidió hacer con poco dinero, una película que amortizara los costos. Se invirtió sólo millón y medio de dólares (nada para este tipo de producciones). Y los resultados están a la vista. La película es pésima, pero como sucede con la mayoría de los films clase B, no puedo dejar de verla. ¿Se animan?

La página de origen argentino que permite ver en streaming infinidad de películas y series de TV estuvo en el ojo de la tormenta todo 2011… Y parece que también en el 2012.

Su propietario, Tomás Escobar, subió el perfil, se hizo conocido, dio la cara… y recibió unas cuantas cachetadas. Demandas, amenazas, y un caudal inédito de titulares en la prensa marcaron este año de Cuevana. Para corroborarlo, sólo hay que leer las veces que nos ocupamos del tema en ALT1040.

¿Cuál es la nueva noticia? El diario La Nación, de la Argentina, informó que la Comisión Nacional de Comunicaciones (CNC) de ese país emitió en comunicado para que los proveedores de acceso a Internet retiren series cuyos derechos pertenecen a Turner Argentina, de ese sitio.

De esta manera, la CNC cumple la orden del juez Gustavo Caramelo Díaz, a cargo del juzgado nacional de primera instancia en lo Civil N° 1, que en noviembre ordenó el retiro de los envíos “BRIC”, “26 personas para salvar el mundo” y “Falling Skies”.

La medida judicial no dejará al sitio fuera de funcionamiento, aclara el diario, ya que sólo alcanza a los programas en cuestión: una tira norteamericana y dos programas de contenido periodísticos conducidos por el periodista Jorge Lanata.

Su fundador, Escobar fue, paradójicamente, uno de los elegidos por Lanata y su equipo para protagonizar el ciclo, que sale a la búsqueda de personas que influyan en el mundo moderno.

El dictamen de la Comisión no deja de ser testimonial, ya que la página había retirado ya esos contenidos de sus buscadores. Pero igualmente corrió como reguero de pólvora en Twitter, avivando rumores de que éste sería el empujón para que finalmente cerrara la página que se apoya en servidores externos como el malogrado Megaupload. Escobar, desde la cuenta oficial de Cuevana en Twitter, lo desmintió:

Los rumores de que Cuevana cierra son falsos. Simplemente había problemas con uno de nuestros servidores, ya está siendo atendido.

Actualización Tras la repercusión de la noticia emitida por La Nación, Página 12 y El País de España, desde Cuevana salieron a desmentir que esta semana se haya emitido un dictamen desde la CNC Argentina. “El comunicado de la CNC existe pero es del 25/11. Y no hubo confirmación de la orden del juez sobre esa medida cautelar”, informaron desde el site de películas en streaming.

Julian Assange, carismático y controvertido fundador de WikiLeaks, vuelve a los medios. Esta vez no por algo relacionado con persecuciones politicojurídicas sino porque según ha informado la propia plataforma de filtraciones en un comunicado Assange se nos mete a presentador de televisión.

En el programa Assange entrevistará a “voces de la polémica” de diferentes partes del mundo -desde políticos hasta pensadores- que por alguna razón están jugando un papel relevante en este marco de convulsos cambios sociales y políticos que estamos viviendo para proporcionar “una ventana abierta al mundo del mañana”. En palabras del del fundador de WikiLeaks:

A través de este programa exploraré las posibilidades de nuestro futuro conversando con aquellas personas que le están dando forma. ¿Nos dirigimos hacia la utopía o la distopía, y cómo podemos configurar nuestro camino? Esta es una excelente oportunidad para discutir la visión de mis invitados en un nuevo formato de programa que examinará sus filosofías y problemas de una manera mucho más profunda y clara de lo que se ha hecho hasta ahora.

La primera temporada del programa constará de diez capítulos de media hora cada uno que se irán emitiendo semanalmente. ¿Dónde? Pues por el momento no se sabe en qué países se emitirá ni en qué cadenas. Lo que sí ha trascendido es que ya se han concedido licencias para su emisión en estaciones de televisión por cable, satélite y terrestres, que el programa comenzará a emitirse a mediados de marzo y que llegará a 600 millones de espectadores.

Bajo el título de Robot, lo que vemos en las imágenes es un documento histórico que ha visto la luz hace unas horas. Se trata de un corto realizado por el genio de Jim Henson jamás visto hasta ahora, una pieza realizada en 1963 para The Bell System, posteriormente convertida en AT&T. Una obra extraña enmarcada en un trabajo encargado por la compañía para que mostrara la relación entre el hombre y la máquina.

Y es que un año antes de que creara sus personajes más icónicos, The Muppets, el famoso titiritero que nos trajo al mundo obras maestras como The Dark Crystal o Labyrith se embarcó en la realización de esta pieza de lo más extraña.

Era 1963 y The Bell System organizaba un seminario enfocado en los Data Communications. Un seminario donde se incluía la participación de un gran número de cortos, películas y presentaciones multimedia de la época en la ciudad de Chicago.

Al parecer, los organizadores del seminario, INPRO, habían llamado a través de su director Ted Mills al famoso titiritero. La idea era que tratara de reflejar la creciente relación que se atisbaba entre el hombre y las máquinas. El resultado fue este corto bajo el título de Robot.

Los documentos del seminario se perdieron y no fue hasta hace unos meses que se le pudo dar autoría al corto a través de una entrada en el blog de Inpro. Finalmente, la película fue encontrada hace unos días a través de los archivos de AT&T (antes The Bell System). Se cree que el robot utilizado por Henson es el mismo que había mostrado años atrás en otros shows.

La cadena británica BBC ha confirmado que Russell T. Davies y Ford Phil han creado un nuevo drama de corte juvenil para la CBBC ( Children’s BBC ) que vendría a suceder a la trágicamente finalizada The Sarah Jane Adventures. La nueva propuesta, que será producida por la BBC de Gales y Fremantle Media Enterprises, llevará por título Aliens vs Wizards. Se podría decir que estamos ante un “Doctor Who meets Harry Potter”.

Unos alieníegenas llegan a la Tierra en busca de magia y están dispuestos a destruirlo todo con tal de hacerse con ese poder. Lo único que se interpone en su camino son dos jóvenes estudiantes de dieciséis años. Tom y Benn. Tom Clarke vive una vida de lo más normal junto a su padre y su abuela, pero esconde un secreto: todos sus familiares son magos y cuando los alienígenas llegan a nuestro mundo con sus pistolas de rayos, su naves y sus robots de alta tecnología él y su amigo Benny, un genio de la ciencia, se unirán para combatirlos y salvar el planeta. Aliens vs Wizards se difundirá durante el otoño de 2012.

En la CBBC están encantados con volver a trabajar con Rusell, así lo manifiesta Damian Kavanagh, uno de los controladores del canal:

Esto va a ser un viaje increíble, una montaña rusa de aventuras. Creemos que los niños merecen lo mejor y estamos encantados de trabajar otra vez con Russell y los talentosos equipos de la BBC de Gales y la FME para traer esta historia a la vida.

Por su parte, Sander Schwartz, presidente de Kids & Family Entertainment, FME, ha manifestado su total apoyo y compromiso con el proyecto:

Esta serie tiene todos los ingredientes para convertirse en un éxito mundial - la extraordinaria batalla entre los alienígenas y los magos entretendrá a los niños de todo el mundo, por no mencionar el increíble y talentoso equipo que está detrás de la serie, encabezado por la maravilloso Russell T. Davies. Estamos encantados de asociarnos con la CBBC una vez más en lo que será una fantástica incorporación a la cartera, cada vez más amplia, de entretenimiento familiar de FME.

Davies, conocido por revitalizar la longeva serie de ciencia ficción Doctor Who y por crear Torchwood ha declarado que:

Escribir para niños es el mayor desafío de todos y creo que CBBC se encuentra justo en el corazón de la radiodifusión. Así que estoy encantado de lanzar este programa, una verdadera colaboración a nivel nacional […] Estamos uniendo géneros, el espectáculo es una fusión salvaje, divertida, emocionante y aterradora de la magia y la ciencia ficción

Davies se muestra entusiasmado con Aliens vs Wizards:

Los magos nunca se habían enfrentado antes a los alienígenas, cuando lo hacen el resultado es espectacular. Los misteriosos Nekross no saben que hacer exactamente con los magos. Los comen. Dejad que la batalla comience.

Russell T. Davies que comenzó su carrera en la televisión para niños y escribió obras de teatro para los más pequeños se dio a conocer al gran público gracias a sus dramas adultos: Queer As Folk, Casanova y por supuesto Doctor Who en 2005. Después desarrolló dos spin-off de la longeva serie, uno de corte más adulto titulado Torchwood y The Sarah Jane Adventures dirigido a los más jóvenes.

Si habéis seguido la trayectoria de Davies y visto sus series sabréis que aunque la serie esté dirigida a los más jóvenes de la casa los adultos podremos disfrutar con ella igualmente. The Sarah Jane Adventures es un claro ejemplo, una serie juvenil que cautivó por a televidentes de todas las edades.

En cuanto Aliens vs Wizards me pregunto si podremos ver a Tennant, protagonista de Casanova y décimo Doctor, en algún capítulo. Y si no es Tennant a algún otro actor relacionado con la época de Davies en Doctor Who como John Simm, Freema Agyeman, Catherine Tate o John Barrowman.

Un grupo de ciudadanos en Estados Unidos ha decidido comenzar una campaña en Internet de petición a la Casa Blanca para que se investiguen los posibles sobornos de la MPAA en los políticos del país. La razón, las últimas palabras de Chris Dodd, CEO de la MPAA, la semana pasada. Dodd no dudó en amenazar a la administración Obama con dejar de “apoyar” al presidente en su carrera a la reelección si no replanteaba su posición frente a SOPA. Un mensaje que parecía una clara extorsión y que dejaba en el aire el dudoso papel que tiene Hollywood y el lobby con la política del país.

La historia comenzó la semana pasada. Primero fueron un serie de filtraciones de Deadline donde se situaban a varios magnates de Hollywood indigandos con la posición de la Casa Blanca frente a SOPA. Un día después fue la propia MPAA a través de Dodd quien atacaba a aquellos que llevaron a cabo el Blackaout, terminando con una serie de amenazas al propio presidente de Estados Unidos:

Los intereses de algunas empresas de tecnología están recurriendo a trucos instando a los usuarios y transformándolos en sus peones corporativos…

Aquellos que cuentan con “presupuesto” de Hollywood deben entender la necesidad de apoyarnos y que esta industria está observando con mucho cuidado quién va a luchar por ellos cuando su trabajo está en juego. No me pidan que escriba un cheque por ustedes cuando ustedes no prestan ninguna atención a mi trabajo que está en juego…

Ni que decir tiene que estas últimas palabras han resonado con fuerza en Estados Unidos. Todo el mundo podría entender que existe un lobby que juega detrás del gran público. Las palabras de Dodd dejaban en lugar muy diferente a la MPAA y a toda la industria de Hollywood.

Por esta razón y desde hace unas horas se ha lanzado una propuesta, una petición a la Casa Blanca para investigar a Dodd y la MPAA ante los posibles sobornos que hubieran cometido tras sus palabras.

La propuesta se ha realizado a través de ese altavoz popular en que se ha convertido We the People, una página donde la Casa Blanca permite a los ciudadanos lanzar iniciativas con firmas. Si se llega a 25.000 la Casa Blanca estará obligada a dar una respuesta oficial. En la misma se dice lo siguiente:

… Esta es una admisión abierta de soborno y una amenaza diseñada para provocar un objetivo político específico. Esto es una burla descarada de la ley por la gente en la posición de Dodd y sus riquezas…

Exigimos justicia. Investigar el soborno descarado y procesar a toda persona, especialmente a los funcionarios gubernamentales y legisladores, que estén involucrados.

La misiva necesita 25.000 firmas para el próximo 20 de febrero y en pocas horas están cerca de las 10.000 por lo que a todas luces la Casa Blanca deberá replicar a los ciudadanos y dar una nota oficial sobre la petición.

El cierre de Megaupload no solo significó la caída de un emporio de Internet, también un cambio (en algunos casos profundo) en la vida de diaria de millones de personas a la espera de los nuevos capítulos de su serie predilecta o de la película de estreno. Asimismo para miles de comunidades dedicadas al subtitulaje y distribución de Anime, los heroicos fansubs que como si fuesen comunidades de desarrolladores de software libre se han autoorganizado por años para abarcar la oferta infinita de la industria del Anime, la cual, por cierto, sería una sombra incolora sin esas redes-incomprendidas-por-los-abogados-del-copyright que la potencian.

Si bien es cierto que la desaparición de Megaupload deja un hueco considerable en los canales de distribución de contenido, el Internet de la gente ha demostrado desde su concepción que los caminos alternativos existen y si no, se crean. En el caso del Anime, sin Megaupload aún tenemos opciones no tan agradables como ya-sabes-cuáles para descarga directa, aunque hay uno particular que destaca entre los demás por su independencia y escala: BitTorrent.

No pasemos por alto que la caída de Megaupload señala por vez enésima el peligro de los modelos centralizados. Ni que BitTorrent, a pesar de la pobre disponibilidad de material poco popular, se alza como la red ideal de distribución de contenidos, con un discurso libertario y comunitario que cobra mayor fuerza.

Por su parte los fansubs de Anime son un ejemplo de que las redes, en tanto cerebro colectivo, son más fuertes, dinámicos, flexibles, que los monopolios concentradores de recursos. La autoorganización sustentada por Internet en forma de listas de correo, canales IRC, foros, ofrece respuestas orgánicamente veloces y adecuadas para sobrevivir. Donde la distribución de Anime sigue su camino y los torrents son la guía. Donde antes estaba Megaupload para entregarnos semana con semana los más recientes capítulos de Naruto o One Piece, ahora la propia red ha colocado enlaces que rápidamente sustituyen a los anteriores.

El Anime nos ha demostrado con obras maestras como Ghost in the Shell, Denno Coil y Ergo Proxy, que la tecnología y sus redes son adaptables, hackeables con pasadizos secretos de ida y vuelta, inimaginables para aquellos que imponen leyes basados en su limitada concepción del mundo y sus artefactos. Aprendamos del Anime que vive y persiste en la red, aún después de Megaupload.

Star Wars Uncut es un proyecto que, tal y como comentamos hace más de un año, solamente se puede llevar a cabo gracias a Internet. Una revisión de Star Wars: A new Hope, el episodio IV de la saga Star Wars (estrenada en 1977), realizada mediante la unión de escenas rodadas por fanáticos de la película que fueron uniéndose al proyecto de manera desinteresada; es decir, crowdsourcing llevado al mundo del cine que, tras un intenso trabajo, ha publicado al fin el montaje final de la película.

Tras dos años de trabajo (rodaje, edición y montaje), en los que los participantes aportaron fragmentos de 15 segundos (sumando un total de 472), la creatividad de los participantes ha hecho posible culminar un proyecto que en el año 2010 fue galardonado con un premio Emmy al Mejor medio interactivo en Internet–ficción y que ha dado como fruto una película de más de dos horas de duración en la que podemos ver escenas de todo tipo: animación, realizadas con figuras de LEGO, actores reales de todas las edades en una composición única que, además, ha obtenido las bendiciones del mismísimo George Lucas que recibió en sus oficinas a los impulsores del proyecto, Casey Pugh y Jamie Wilkinson.

La película, dirigida por Casey Pugh y editada por Aaron Valdez and Michael Pugh, arranca, como no podía ser de otra forma, con el logotipo de la Twentieth Century Fox en el que los focos se transforman en un par de sables láser que terminan enfrentándose y dan pie a un timeline de Twitter en el que podemos leer la mítica frase incial:

Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana…

Seguramente no sea nada imparcial pero el resultado me parece increíble y me encantó, ese “aroma” artesano y de bajo presupuesto que emana la película sumado al esfuerzo colectivo hacen que esta revisión de Star Wars acabe enganchando al espectador. Disfraces hechos a mano, máscaras de cartón, animaciones por ordenador, pasillos de oficinas simulando ser la nave de la Princesa Leia en la escena incial del abordaje, escenas rodadas con miniaturas, el duelo de Obi-Wan con Darth Vader realizado con piezas de Lego o el asalto a la Estrella de la Muerte realizado con singulares animaciones hacen que te termines haciendo muy fan de esta película.

Bone es uno de los cómics más hermosos, interesantes y emocionantes que he leído. Jeff Smith, su creador, se dedicó entre 1991 y 2004 a contarnos la historia de los tres Bone: el bueno de Fone Bone, el avaro y huraño Phoncible P. Phoney Bone y Smiley Bone quien carece de malicia. Los tres primos son expulsados de Boneville debido a los tejemanejes de Phoney para hacerse con la alcaldía de la ciudad. Tras una desastrosa travesía por el desierto llegan a un valle poblado por humanos, animales parlantes y dragones, también se ven mostrorratas por el lugar una raza de temibles aunque no muy inteligentes bestias. El inicio de la serie tiene un marcado tono humorístico que se va abandonando progresivamente en favor de una historia más épica y trágica con dragones, maldiciones, venganzas y terribles peligros. El valle y todos sus secretos se van desvelando a medida que los tres bone se relacionan con la gente del lugar.

La obra por fin será llevada a la gran pantalla y el hombre que asumirá la responsabilidad de dirigir la película no es otro que P.J. Hogan (Peter Pan, Muriel’s Wedding). Los primeros borradores fueron escritos por Justin Monjo quien recientemente ha sido sustituido por Patrick Sean Smith. A priori me sorprende la elección del director australiano, especializado en comedias románticas, pero su versión de Peter Pan era un derroche de preciosismo y amor al detalle, tal vez por eso merezca la pena ver que hace con Bone.

Ya hacía varios años que la Warner Bros se había hecho con los derechos del cómic y había anunciado su intención de hacer una película. El proyecto parece que va viento en popa quedan por resolver algunas dudas como por ejemplo ¿qué técnica usarán? ¿veremos imagen real combinada con animación CGI o simplemente animación CGI?

A nivel personal hubiese preferido que Hayao Miyazaki y el estudio Ghibli se ocupase de adaptar el cómic de Smith. Siempre he pensado que el estilo de dibujo y la sensibilidad de la gente de Ghibli es más adecuado para esta historia y que ellos serían capaces de hacer una más que digna película con el material de Bone. Seguiré soñando, nada me cuesta.

¡Tengo hambre!… ¡Quiero comida!…

Tras el Cristal Oscuro y The Muppets, el genio de Frank Oz se embarcó en la adaptación de un musical que estaba basado en una obra de culto de la ciencia ficción de los 60. Hoy, casi 26 años después, esta versión libre de la obra de Roger Corman es recordada como una película genuina y totalmente diferente. Muchos la recordaréis por esa encarnación del mal de la planta Audrey II, junto a ella, un elenco de personajes icónicos donde aparecían Rick Moranis, Steve Martin o Bill Murray. Una gran película, versión muy libre del clásico Little Shop of Horrors.

Y es que como decía, la película retoma muy por encima el argumento del clásico de 1960 de Corman añadiéndole los conceptos narrativos del musical que más tarde se lanzaría en Broadway. El resultado final, una comedia-musical con tintes fantásticos y de ciencia ficción.

Una obra fresca y diferente donde abundan los números musicales a medio camino entre el género clásico y la opera-rock. Un filme que podría haber pasado como una comedia más de la década pero que con el tiempo ha formado parte de ese pequeño elenco de obras diferentes.

A Rick Moranis y Ellen Green le acompañaban todo un grupo de “secundarios” que harían elevar cualquier producción entre los que se encuentran Steve Martín, James Belushi o el mismo Bill Murray. La película se estreno en 1986, poco más de 25 años desde que el genio de Oz trasladara la historia del florista despistado al que llega una curiosa planta del espacio exterior…

Seymour, un joven dependiente de una floristería, está enamorado de su compañera Audrie, pero ella sale con un sádico dentista. Un día, justo después de un extraño eclipse, Seymour compra una pequeña planta, a la que bautiza como Audrie II. La planta comenzará a moverse e incluso a hablar con Seymour, de forma que se convierte en una atracción para la ciudad. Lo que nadie sabe es que se trata de un ser abominable que se alimenta de sangre humana…

• Como decía al comienzo, aunque la esencia sea la película de Roger Corman, Little Shop of Horrors está basada en el musical del compositor Alan Menken.
• Se rodó en los estudios Pinewood de Inglaterra.
• Mientras que el filme de 1960 se rodó con un presupuesto de tan sólo 30.000 euros, la posterior adaptación contó con 30 millones de dólares.
• El paciente masoquista que interpreta en la película Bill Murray lo interpretóa Jack Nicholson en la original.
• Si nos fijamos, el letrero de neón CHOOZ parpadea con las letras OZ, apellido del director.
• Las escenas en las que interactuaban las marionetas de Audrey II con los actores se filmaron a menor velocidad, esto significó que los actores tenían que moverse y sincronizar los labios a cámara lenta.
• Murray improvisó una gran cantidad de sus líneas de texto.
• Los titiriteros que diseñaron y trabajaron con Audrey II eran trabajadores de la compañía de Jim Henson. Uno de ellos era su hijo, Brian.
• Ellen Greene es la única que había actuado anteriormente en el elenco de Broadway.
• En 1986 y como parte de la promoción de la película, muchas de las “entrevistas” fueron realizadas a Audrey II.
• Pequeño Making Of sobre la historia detrás de Little Shop Horrors…

• El papel de Audrey I fue ofrecido originalmente a Cindy Lauper y más tarde a Madonna.
• La obra estuvo a punto de ser producida por Spielberg y de ser dirigida por Scorsese.
• Eddie Murphy estuvo a punto de ser la voz de Audrey II.
• Hubo una re-adaptación de la película en el teatro. Fue en el año 2003.
• No existieron pantallas azules o efectos ópticos en las escenas de Audrey II, todo fue obra de maquetas e imaginación.
• Para acabar este pequeño homenaje a la obra de 1986, dos vídeos. El primero es el trailer oficial de 1986. El segundo es un clip de una de las escenas más memorables… que lo disfruten.

Les recuerdo que para el siguiente Retrogeek pueden aportar sugerencias sobre sus películas favoritas. Lo podéis hacer a través de los comentarios o vía mi cuenta de Twitter @iblogblog.